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マイルス・センチメンタリズムの真骨頂
60年代前半のフリー・ブローイング時代は、ハービー・ハンコック、ロン・カーター、トニー・ウイリアムスというすばらしいリズム・セクションに恵まれ、思いっきりライブでトランペッターとしての実力を発揮できた。おそらく楽器奏者としてのマイルスにとって、この時代が絶頂期だといえるのではないだろうか。そんな中でマイ・ファニー・ヴァレンタイン、ステラ・バイ・スターライト、アイ・ソート・アバウト・ユーといったスタンダード・スロー・バラードがまとめられたこのアルバムは50年代の静的リリシズムとは一味違ったセンチメンタリズムの総決算のような演奏である。65年を最後にスタンダードから離別したマイルスにとってこの演奏は甘く、切なく、美しいジャズへの最後の別れを惜しむかのごとく入れ込んでいる。個人的にはステラ・バイ・スターライトが最も愛着の持てるトラックだ。ジョージ・コールマンのソロやハンコックのドライブ感あふれるピアノもすばらしいが、やはりマイルスの後半のテーマ解釈は美のレッドゾーンの極致の領域に踏み込んだ事を自覚して、自らそこから身を引いたのではないかと思わせるほど美しい。過剰なセンチメンタリズムが危険であることを知っていたマイルスは、この後ウエイン・ショーターとともにあらたなハード・ボイルドな神秘的モード・ジャズへと突き進むのだ。

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クールさが格好良くて、しびれるアルバムです
マイルスの亡くなる２年前に当たる８９年発表の作品で、最後の傑作といわれることも多いアルバムです。１曲を除き、マーカスミラーが作曲しています。
サウンド的には、クールで哀愁的な曲が多いのですが、その上を、メロディアスなマイルスのｔｐが響くだけで、中山氏でなくても、もうたまらんの世界です。他の楽器でいえば、このクールさに似つかわしいシャープなリズムを刻むｄｒが格好いい。ちなみに、ｄｒはオマーハキム、アルフォスターら。他にも、ｂはもちろん、マーカスミラー、ｋｅｙにジョージデューク、ｇにスティーブカーンら錚々たる顔ぶれが揃っています。
あまり取り上げられることのないアルバムですが、８０年代のオリジナルアルバムでは最高傑作と言っても良いアルバムかと思います。

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恐れ多いのですが、
　1980年以降の活動では本作が一番かなと思いました。やはりオケでは無くてバンドでしっかり演奏しているのがマイルスにとってもインスピレーションが湧いてくるのでしょう。メロディアスなソロは往年の華麗さを感じさせました。
　が、悲しいかな細々しい音量は流石に「衰え」を感じさせますね。皆かばうように「良い」と語っていますが、悲しい気持ちは否定できないと思いました。暴言かもしれませんが、マイルスは1975年限りでそのまま静かに暮らしていても良かったのかもしれません。
　皆さんと同じようにバラード２曲が心に残りました。今、自叙伝を読んでいるので尚更元気なマイルスと比較してしまうのかもしれません。神様ですね本当に。

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「帝王」の最高拙作
『音楽はボクシングのようにいつも前進しなきゃいけない』
『昔の自分の音楽を聴かされるほどの苦痛はない』と語っていた
マイルスの実質的に最後のアルバム。

このアルバムにに至るまで、どれだけ多くの人が何回も、マイルス・デイビスという
巨大な夕日が海に沈んでしまうイメージを見たことか。
「ああ、マイルスも終わってしまった・・・」
「嗚呼、マイルスの才能も遂に枯渇したのか・・・」と。

その度に、マイルスは素晴らしいスタイルと演奏を持って、不死鳥のように蘇った。

この作品はマイルスが「あのカトンボみたいなやつは、おれのmusicの好みを完璧
に知ってやがる」と言った、
マーカス・ミラーを従えての「ジャスの帝王」の最高傑作だ。

７０年くらいから同時代を生きたマイルスの音楽を聴けたことに感謝する。
最初の曲、「CATEMBE」のイントロを聴くと未だに鳥肌が立つ。

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マイルス晩年の至高のバラード2曲
マイルスが晩年にステージで毎回演奏していた感動的なバラードが4曲あります。（１）タイム・アフター・タイム（２）ドント・ストップ・ミー・ナウ（３）アマンドラ（４）ミスター・パストリアス　の4曲です。
そして、このアルバム「アマンドラ」に収録されている、「アマンドラ」「ミスターパストリアス」こそ、マイルスのバラード演奏の究極の2曲といえるでしょう。

もちろん、ジャズにせよ、何にせよ、素晴らしいバラードチューンはたくさんありますが、「ハードボイルドな」バラードを探すと、滅多にないもんです。スケベなバラードなら沢山ありますが（笑）

「アマンドラ」と「ミスター・パストリアス」で聴かれる深い孤独を背負ったバラードプレイは、ある意味で多くのジャズファンが待ち望んだ「ジャズへの回帰」と言えなくもないように思います。ただ、古くさいジャズのスタイルではないというだけで、この都会的でジャジーなムードは、かつての「マイ・ファニー・ヴァレンタイン」や「ラウンド・ミッドナイト」と同じ世界ではないかと思う次第です。
ちなみに、ライブでこの曲をやると、マイルスのソロが終わったあと、4ビートでスイングするパートも出たりします。

また晩年のライブでは欠かせない、哀愁と緊張感が同居したハンニバルも名曲です。

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最高傑作か？
マイルスは、初期の頃の作品から最晩年までのどれを聴いても凄いとしかいいようが無いものが多いが、これは最終コーナーを時速３００キロくらいで突っ走った最後の輝きを見せてくれる。TUTUと違ってライブ感があること。マイナー調の曲があること。マイルスの音が鋭くも甘い響きを放っていること。サウンド自体に腰が入っている事。無限大の可能性を感じさせる事。挑戦的なサウンドメイキング。かっこいいジャケット、そのどれをとっても、あのマイルスそのもの。書店に並ぶマイルス特集の批評を見てしばしばがっかりさせられるのは、批評家が選ぶ１０作にこれが入っていた事が無いこと。こんなに円熟して、しかも稲妻のような電気を帯びた音には私は出会ったことがありません。

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これはマイルスの金字塔的作品
当時高校生だった私は友達と授業をさぼり、
このアルバムの収録された大阪フェスティバルホールに高揚した精神で臨んだ。

むろん、「On the Corner」「In concert」「Get up with it」といったこのコンサート直前の
数年間のアルバムも擦りきれるほど聴いての出陣だ。

幕が開く前に、マイルスの弾くオルガンの不協和音が強烈に会場に響く。
そこで聞こえてきたサウンドは、上記のアルバムとはまったく違う音楽だった！
Miles、凄い！と叫んだ記憶がある。

このバンドの構成の重要な部分を担っているのは、
マイルスが「あいつはマスターだ、俺が教えることはなにもない」といった、
ジミ・ヘンドリックスの”師匠”である、ピート・コージーだ。
６弦と１２弦のギター＋シンセサイザー、パーカッションを操り、
マイルスのアドリブの後を０．３秒遅れくらいで同じフレーズで追っかけてみせる
ピートはやはり凄い。

この日の夜の演奏を納めたパンゲアも同様に素晴らしいが、
どっちかというとこのアガルタの方が、個人的には好きだ。

老いた、くだらぬ評論家どもが難癖をつけていたマイルスのサウンドに
若い感性は、それらをせせら笑いながら、ぐいぐい引き込まれていた。

アイビールックで極めた大人のジャズファンが驚きの目で見る中で、長髪をなびかせて
颯爽と席に着いた思い出も懐かしい。

横尾忠則のジャケット（日本版のみ）もイカしている素晴らしいアルバム。

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怒濤の曼陀羅音空間！
もはや語るべき言葉もないほどの圧倒的な日本公演（大阪）の記録です。

この曼陀羅のようなのたうつ音響世界は、ピート・コージーの力量に負うところが多いようですが、果たしてコージーのサウンドシステムがどうなっていたのかということを書いてみます。

○ギターの扱い
6弦ギターと12弦ギターを使い分けているようです。12弦ギターでソロを弾くことによって、あの分厚い音が生まれているわけですが、そのほか、VSCシンセサイザーを通してエフェクター的に使うことによって、あの独特のうねりが生まれるようです。

○シンセサイザーとリズムボックスの大幅導入

○小物パーカッションの効果的な使用

というところであろうと思われます。

当時のコンサート評を読んでみると、とある高名なジャズ評論家の先生は「マイルスのステージマナーが悪すぎる」「観客とのコミニュケーションがとれていない」という、かなり悪意のある文章が躍っています。

まぁしかし、ジャズミュージシャンが観客とコミュニケーションをとってライブを楽しく演出しているのを、私は寡聞にして知りません。気持ちよさげにニヤケ面で演奏しているミュージシャンの演奏が素晴らしかったとか言う例も知りませんし。楽しいのは演奏者だけというジャズのなんと多いことか。。。

ステージマナーについても、じゃあセロニアス・モンクやソニー・ロリンズはマナーが良いのか？という話でしかありません。

こういった論評が飛び出す当たり、すでにマイルスの音楽は好きとか嫌いとかを超えて、観客を畏怖させる世界に突入していることを示します。

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私的エレクトリック・マイルス最高傑作
マイルスが一番カッコよかった時期はいつか？　それはもちろん、電子音を取り入れた「ビッチェズ・ブリュー」以後のマイルスだ。それ以前のマイルスが完璧なジャズ作品を作ったのはまごうことの無い事実だが、音楽に尋常ならざる熱気がこもっていたのはやはり後期のマイルスなのである。


それでは、マイルスが最も音楽的に充実していた時期の最高傑作は何なのだろうか。よくあがるところでは、かの有名な「ビッチェズ・ブリュー」、ファンク色の強い「オン・ザ・コーナー」、よりアグレッシヴな「ダーク・メイガス」、電化マイルスの全てが凝縮された「ゲット・アップ・ウィズ・イット」などがあるが、個人的には本作「アガルタ」と「パンゲア」が一番だと思う。


とにかく、このライヴアルバムは凄い。ジャンルの垣根を越えて、ありとあらゆる音が一つの空間に放り込まれているとでも言えばいいのだろうか。あの時期のマイルスにしかできなかった、空前の音楽的カオスがここに生まれている。もちろんメンバー全員が、終始異常なまでのテンションで演奏しているが、中でもピート・コージーの気がふれたかのようなギターの弾きっぷりは驚愕ものである。


電化マイルスに興味があるが本作をまだ聞いたことのない方はもちろんのこと、ペーター・ブロッツマン、渋さ知らズなど「激しい」フリー系音楽が好きな方にも推薦したい「ヤバイ」一枚。


評価／１００点中９０点


Miles Davis(trumpet,organ)
Sonny Fortune(alto,soprano sax,flute)
Reggie Lucas(guitar)
Pete Cosey(guitar)
Michael Henderson(bass)
Al Foster(drums)
Mtume(percussion)

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火の玉のような渾沌
1967年7月17日、コレクティブ・インプロビゼーションというベクトルを指し示していたジョン・コルトレーンが死んだ。多くのジャズ・ミュージシャンの精神的支柱であった彼の死後、もう一人の精神的支柱であるマイルスがどう動くか、ジャズ全体が彼の動向に注目していた。それが60年代の終わりのジャズの渾沌とした状況だった。そしてマイルスはジャズ・ファンクに突っ走る。
なぜ、ジャズ・ファンクか?その答えは同じ1967年にデビュー作『アー・ユー・エクスペリエンスト?』を発表したジミ・ヘンドリックスの音楽である。彼の音楽がいかにマイルスのジャズ・ファンク傾倒に火をつけたかをロックを聴き続けてこの時期のマイルスの音を聴いたものは誰しも感じずにはいられないだろう。一言で言ってマイルスはジミ・ヘンドリックスの音を自分のものにしたかったのだ。
よってこの時期のライブはロックを聴き続けてきてこの作品を聴く者と、ジャズをピュアに追いかけてきてこの作品を聴く者とではまったく違って聴こえてしまう。特にギターがだ。
マイルスはジミ・ヘンとファンクしたくてたまらなったに違いない。故にロックとして聴けばここでのギターは単なるジミ・ヘンの偽物である。このパラドックスと渾沌が火の玉のように燃える。
そう、1969年8月の3日間CBSスタジオで録音された『ビッチズ・ブリュー』から、マイルスが一時沈黙するまでの間に演奏された作品群は、ジャズ・ファンクという強烈なベクトルに、才能あるミュージシャンを次々と放り込み、その渾沌から何が見えてくるかをマイルス自身も若手も同時体験した時期だったと僕には思える。
こういうことはマイルス以外誰もしなかったし成しえなかった。年齢がいったミュージシャンのほとんどは自らの年齢を鑑み、冒険を忘れ、スタイルを固定し、ひたすら枯れて行くような静的方向へと固まるばかりだ。しかしマイルスにとって年齢とは単なる数字であって、今日は昨日に1を足した前進の加算でしかなかった。真の天才は年齢がない。
このパラドックスと渾沌が火の玉の経験が後に自らの音楽とは何かを参加したミュージシャンに問うこととなる。それが、チック・コリアのスパニッシュ回帰であり、キース・ジャレットの静寂である。そしてそれらの開花がジャズを一段上の次元の音楽に押し上げたことはまちがいところだ。
本作はそういうジャズやロックの様々な変容を頭に入れた上で聴くべきギグなのだと僕には思える。

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エレクトリック・マイルスの最高到達点（必聴）
日本大阪における日中の講演を収めたライブ版。これ以降、Milesは体調を崩し５年間の休眠に入る。エレクトリックマイルスミュージックが最高レベルでバンドサウンドとして展開されており圧倒的名演。マイルスのサウンドコントロールのもとライブでありながら、グループサウンドが緻密に制御されており緊張感の高い演奏がなされている。インスタントコンポジションとMilesは呼んでいたが、いくつかのモチーフが途切れることなく滑らかに即興で１つのシンフォニーのようにコンポジットされており、極めて完成度の高いバンドになっていたことが解る。この講演の夜の部はパンゲアとしてリリースされている。

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マイルス・エレクトリック・サウンドの嚆矢
このレビューの作者: マイルス・イン・ザ・スカイ (CD)
マイルスの前衛性は常に時代に先んじていたため、後を追いかける我々にとって評価のタイムラグを生じさせ、過去のマイルスを懐かしむという現象が起こる事を避けられない。60年代のマイルスについて言えば、モードジャズからフリー・ブローイング時代に、ようやく50年代のハードバップ時代への評価をしていた我々が、ＥＳＰ以後のマイルスの斬新さに置いてけぼりを食らうはめになっていたのではないだろうか。マイルス･スマイルズ、ネフェルティティ、ソーサラと続くブラックマジック・サウンドはフリー・ブローイングからの本格的ニューサウンドへの取り組みであり、その創造性の高さは現在でも検証が不十分なのかもしれない。そんな折にリリースされたこのアルバムは、8ビートとエレクトリック・サウンドを導入したさらに新たなマイルスの試みであり、先進してやまない新境地を見せた問題作であった。アルバム・ジャケット自体がロックのアルバムのようなビジュアルで印象的なデザインである。リー･モーガンのジャズ･ロックが中途半端な存在に感じられるほど、マイルス・イン・ザ・スカイの新しさは時代の2歩くらい先に位置したアルバムだったのであろう。インナ・サイレント・ウェイ、ビチェズ・ブリューと続くマイルスの快進撃はここが原点であり、エレクトリック・サウンドの嚆矢にいまさらながら拍手を送りたい思いにかられる。

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エレクトリックへの入口
1968年1月16日・5月15・16・17日ニューヨークで録音。
サックス奏者としてだけでなく作編曲に素晴らしい才能を持っていたショーターの加入はマイルスが自身のアルバムで自身の曲を演奏するのではなく、メンバーの曲を演奏するという選択をさせるようになっていた。簡単にショーター加入後のアルバムを列記してみると、

1965年1月『E.S.P.』
1966年10月『マイルス・スマイルズ』
1967年5月『ソーサラー』
1967年6月・7月『ネフェルティティ』→ここで、ジョン・コルトレーン死去
1968年1月・5月『マイルス・イン・ザ・スカイ』
1968年1月・9月『キリマンジャロの娘』
1969年2月『イン・ア・サイレント・ウエイ』
と繋がっていく。
『E.S.P.』では4曲作曲していたマイルスは『マイルス・スマイルズ』では1曲になり、1967年5月『ソーサラー』と1967年6月・7月『ネフェルティティ』ではついに0となっている。メンバーの成長によりメンバーの曲を演奏しながら、実はマイルスの奥底には1967年に登場したジミ・ヘンドリックスに強いインパクトを受け、ファンクとエレクトリックへの止めようのない芽が目覚めていたと僕は見る。
それがついに爆発しだしたのが本作『マイルス・イン・ザ・スカイ』である。ここで久々にマイルスは自作の曲を演奏している。そして1の『スタッフ』からリズムはロック・ビートになっているのだ。ウェイン･ショーターの書くモーダルな手法は彼の作である2『パラフェルナリア』等に現れているが以降のアルバムでは減衰の一途を辿る。そしてこの曲ではジョージ・ベンソンがギターで参加している。このギタリストの参加というのが完全にマイルスの以後のベクトルを指し示していると僕は思う。

真のミュージシャンは心に目覚めた気持ちを隠し通すことは出来ない。ファンクとエレクトリックへの止めようのない芽はマイルスの中で急速に巨大化していく。

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Jazz Rock Hybrid
伝統的なジャズからストレッチしようとしてた過渡期の作品。エンターテイメント性はほぼなし。なぜなら演奏形態が『ジャムっているもの』だからだ。なので、たのしもうなんていうのはやめたほうがよい。トニーウイリアムスのドラミングがやはり神業。そしてマイルスのトランペットは縦横無尽だ。過渡期なのでフォーカスが甘いとか感じられるかもしれないが。演奏自体が非常に緊張感に満ちていてスリリングなので、メンバーが作り出している『独特の磁場』の吸引力は凄く強い。ウエインショーターの溢れ出るフレージング＋ブローするごとに新たな次元に飛び込むかのような柔軟性も聴きどころ。１０点中８点

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エレキマイルスが迷いながらのそのそ動き出した
マイルスが電化されて（なんだか鉄道みたいだね）最初のオリジナル盤。もっとも、4曲中、M1のStuffでピアノとベースが、M2のParaphernaliaでエレキギター（ジョージベンソン）が加わっただけで、M3、M4はネフェルティティでソーサラーな世界。ショーター作のM2も以外に普通で、それまでの黄金のクィンテットとそう変わるところはない。（これらはかなりかっこいいことはかっこいいのだが）聴きものはやはりStuffである。とにかく、ロンカーターなんかは（まだ閉じていないけど）一生を通じてこういったモータウン系エレキベースを弾いたのはこの時期だけではないか。後を継ぐデイヴホランドが電化するまでに約1年かかっていたことを考えると、少し堅いものの、ずいぶん「らしく」やっている。ハービーのエレピも初めち?なのにサスティンを活かしまくった粘っこいフレーズになっており、直前まで全く弾かせてもらえなかったアコピとは全然違ったアプローチだ。世間一般ではこの二人が電化についていけなくてマイルスが辞めさせた、という説が強いが、そんなことはないと思う。少なくとも次作のチック／ホランドの音のが古めかしく聞こえるのはワタクシだけでしょうか。その証拠に、ジャックジョンソンやオンザコーナーのようなエレキ乗り乗りの作品ではチックでなくハービーを呼びもどしているではないか。むしろ問題は別の所にあったのではないか？ハービー／ロンのエレクトリックはまさにブラックコンテポラリー寄りで、このままいったらルードナルドソン化してしまう懸念があった。電化＝モロソウルジャズという図式をマイル㡊??は望んでいなかったのだろう。それくらいStuffはソウルジャズの試作品としてちゃんとしているのである。その意味ではチック／ホランドの白人コンビでソウルジャズをやってみましたの次作Mademoiselle Mabry と比べてみるといい。後者はソウルとしては無惨な出来だが、以降マイルスが強めていく演出された違和感・意外性の点でパワーアップしているのがわかるだろう。このアルバムではそんな風に、エレキもあるし、ソウルもあるし、ジャズもこのままではじり貧だし、といったマイルスの迷いが如実に感じられる一品だ

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買いです。
デューク・エリントンの死に手向けたと言われる「 ヒー・ラヴド・ヒム・マッドリー 」から始まる本作は、いわゆる「ジャズ」をイメージして接すると、一瞬面食らうかもしれませんが、そこに横たわる静謐な世界に恐れを抱かず踏み込んで行けば、必ずやそこから豊饒な何かを汲み上げられるに違いありません。それは「ジャズ」の何たるかを教えてはくれないかもしれませんが、これ以前これ以後の境界線にも似たなにかを聞く者にもたらしてくれるはずです。

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マイルスという名の金太郎飴
●初めてこのアルバムを聴いた時、正直言って理解できなかったですね。今思えば、まだその当時は、純粋にジャズばかり聴いていた時期なので、そう簡単には理解できない状況だったのだと思います。
ただし、ＣＤ１枚目の４曲目「Rated-X」だけは何故か心惹かれるものがありました。あの「暴力的な美しさ」を漂わせたマイルスのオルガンが何故かたまらない。

●結局、このアルバムを理解するのに数年かかりましたが、私の結論として、このアルバムはマイルスという名の“金太郎飴”だと思います。どこを切ってもマイルスの音!　この飴を堪能するのは至福のひとときですね。マイルスの長い音楽人生の中で、このアルバムほどマイルスの味を堪能できる作品はないでしょう。
また、この“金太郎飴”を見事にデコレーションしたテオ・マセロはやはり凄いと思う。

●現在、私にとってこのアルバムは『無人島に持っていく１枚』的な存在です。前述「Rated-X」をはじめ、どの曲も「素晴らしい」「凄い」「衝撃」の“３Ｓ”が備わっています。
現在ではＣＤ２枚目の３曲目「Mtume」をよく聴きますね。この曲の１２分２８秒目こそ“This is the Miles!!”

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ストレート・マイルス！!
サイドマンを迎えずにストレートにマイルス・ミュージックを表現したスタジオアルバムとして、実際これはかなり久しぶりの作品だったのではと思う。ジャケットからして強烈な主張、アナログ盤では自己紹介は無しです。
一聴すると全体的に激しいアルバムと思いきや意外に聴きやすく展開していきます。１曲目がオルガンをフューチャーしたエリントンへのレクイエムから始まるせいもあるのかも。他の曲ではファンクな｢Honky Tonk｣、EL&Pを進化させたような元祖ドラムンベースといえる｢Rated X｣、黒々ブルース｢Red China Blues｣等とあらゆるジャンルの格好良いところだけを抽出したような曲が聴けます。

しかし余りにも素晴らしいのが｢Mtume｣。そのエムトゥーメのコンガに斬新なベースライン、巧みなワウワウ・トランペットが絡みトランス状態に、そこに突然オルガンの総攻撃！？これは３０年以上たった今でも全く色褪せない所か先を行った凄さです！
ちなみに２枚組の頭を飾る｢He Loved Him Madly｣と｢Calypso Frelimo｣はともに30分を超える長ーい曲、やはり２曲ともこの分数ではアルバムとして長すぎる気もする。発売当時このアルバムは売れなかったそうだが、そういうところも影響しているのでは？
もちろんジャケのマイルスからは“それがどうした！”という声が聞こえる。

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まさにマイルス
すべてがマイルスの顔をして立ちはだかる。
エリントンレクイエムからラテン音楽（なのか？）。ドラムンベースにしか聞こえない楽曲。
訳わからないままに３０分が一気に過ぎ去る楽曲。ブルース以上にブルースな楽曲。
トランペットを吹かなくてもオルガンを適当（？）に叩いていてもすべては「マイルスデイヴィスプロデュースによる音楽」になってしまう説得力。
Calypso Frelimoにおける序盤のマイルスのソロと中盤のギターのインタープレイ、終盤のパーカッションソロは圧巻の一言。
これだけの完璧の編集を全編に渡り行ったテオマセロのお仕事に心から拍手

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前衛とポップの混在による驚くべき傑作
７０年代前半におけるマイルスの公式スタジオアルバムは、「オン・ザ・コーナー」と「ゲット・アップ・ウィズ・イット」の２つだけですが、前者が恐るべきポリリズムの実験であったのに対し、ゲット・アップ・ウィズ・イットはマイルスの異様なオルガンを中心にした前衛的な作品と、ライブでも演奏されるファンクな作品のほかに、ポップなムードも備えた曲もあったりで、非常に攻略が難しいアルバムではないかと思います。

マイルスのオルガン奏者としての力量は、「ヒー・ラブド・ヒム・マッドリー」「カリプソ・フレリモ」「マイシャ」「レイティドＸ」で存分に堪能でき、トランペットと同比重で演奏されています。

マイルスがシュトックハウゼンから影響を受けていたことは明らかになっていますが、このアルバムでの「ヒー・ラブド・ヒム・マッドリー」」「レイティドＸ」などに、シュトックハウゼンのエレクトロニック・ミュージックの影響があるのではないでしょうか。

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50年代マイルスのよさが凝縮されたアルバム
プレスティジのマラソンセッションやＣＢＳの諸作と比べると地味だが、意外にもマイルスの特徴やよさが凝縮されたアルバムとして愛着がある。3つのセッションでパーソネルもさまざまだが、マイルスのトランペットが変な衒いが無く、素直で渋い。寺島靖国氏はこのアルバムを高く評価していたが、歌心あふれるマイルスを望むなら当りの1枚だといえる。. I'll Remember April に始まり Four、 Old Devil Moon 、Smooch Blue Haze と続く曲想は、変化に富んでいて飽きることが無い。 When Lights Are Lowなどはとりわけさわやかなマイルスの代表的演奏。ジャケットのデザインを良くしたら絶対もっと名盤になるに違いない。

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マイルスデイビスの侮れないしぶ〜い一枚
Purple HazeはJimi Hendrix だがBlue Haze はマイルスデイビスだ。でも時代が違うか。１９５３年から５４迄の三つのセッションからなる作品。まずはWalkin'のセッションからのI Remember Aprilから始まる。何故アウトテイクになったのかわからない。マイルスの天使のようなミュートが春の訪れを告げる。木々は色づき草花は萌える。私の心もウキウキ。至福の７分５５秒である。マイルスはこの頃本当にジャンキーだったんだろうか。
続いては、ドラムスをKenny Clark からArt Blakeyにチェンジして、アルトのSchildkrautの除いたマイルスワンホーンでのセッション。Four, Old Devil Moon にタイトルのBlue Hazeの三曲。とってもシブイというかセピア色に輝くオープントーンのマイルス。ゆったりとしたリラックスした曲調が素敵だ。
最後は、Max Roach(ds),John Lewis(p),Percy Heath(b)のセッション。"When Lights Are Low""Tune Up""Miles Ahead"(CBS時代とは別曲)をやる。１曲で"Smooch"でCharlie Mingusがピアノで加わる。特に最初の有名曲２曲でのマイルスのトランペットが輝く。
マイルスの代表作ではないが、この時代のハードバップの雰囲気を伝えるなかなか味わい深い好盤。気楽に聴けるマイルス。大切にしたい一枚です。

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ミステリアスマイルズ
中学生の頃、はじめて聴いたジャズがここに収められた“Blue Haze”だった。パーシー・ヒースのミステリアスなベース、アート・ブレイキーのスリリングなシンバル・ワークに導かれてマイルズの抑制されたトランペットがきこえてくるあたり、ぞくぞくするような快感を覚えたものだ。自伝を読むと、スタジオの灯りをおとして真っ暗な中で録音したものだという。「俺は色が黒いので『どこにいるかわからんぞ』と言われたよ」なんていうエピソードもあとで知ったが、そんな工夫をしてこういう濃厚な「夜のイメージ」を出していたのだ。

（1）はクインテットで“Walkin'”のB面と同日のセッション。ほかはすべてワン・ホーンだ。ドラマーがブレイキー、マックス・ローチ、ケニー・クラークとあるように、いくつものセッションをまとめたもの。ミンガスがピアノを弾いている曲もある。“Dig”からオリジナル・クインテットまでの間の録音という位置づけになるが、そんなことを考えなくても充分楽しめる出来映えだ。メロディを大切にし、クールで無駄な音のないマイルズのスタイルがよくわかる。

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マイルスの描くスペイン
まず、聴き物はなんと言ってもアランフェス協奏曲です。
マイルスの物悲しいトランペット（フリューゲルホルン）が最高です。
また、この手の音楽には珍しく、バックのオケも一流です。さすがＣＢＳ！
余談ですが、この録音にマイルスは９回リハーサルをすっぽかし（体調が悪く）、
スタジオ代が予算を超えてしまいます。ＣＢＳのＧＭ曰く「これで良い作品ができるのか？」
プロデューサーのテオ・マセロは「はい、きっと大傑作ができます」と即答したそうです。
その後、マイルスを「テオ」という曲をテオ・マセロに捧げることになるのでした。

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『ギャル・イン・キャリコ』の入ったマイルス・デイビス
1955年6月7日録音。『来るべき姿』を想像させるワン・ホーンのマイルスである。

このアルバムは村上春樹の処女作『風の歌を聴け』に登場する。『僕』が『鼠』にプレゼントする3枚のレコードの中の1枚である。プレゼントしたのは、

・『カリフォルニア・ガールズ』の入ったビーチ・ボーイズ
・グレン・グールドのベートーヴェンのピアノ・コンチェルト第3番
・『ギャル・イン・キャリコ』の入ったマイルス・デイビス

である。この3枚を組み合わせるあたり既に村上春樹が只者でないのが分かる。

レッド・ガーランドのピアノとフィリー・ジョー・ジョーンズのドラムも冴えて、半世紀の時を超えマイルスのペットが息を吹き返す。それはまるでエチケットの反対側に檻が溜まった古びたボトルに寝かされていた50年前の『シャトー・マルゴー』が見事なサーブで甦ったかのようだ。

そこでずっと輝け、マイルス。ただ一言、そう言いたくなってしまう。

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破綻したがっているサウンド
1974年5月30日ニュー・ヨーク・カーネギー・ホールでの伝説のライヴ。
『一般的』にエレクトリック・マイルスと言われる時期というは、1968年から1975年までだろう。このアルバムのライヴはその最終期に向かうラスト・コーナーとも言える時期だ。ファンク・ミュージック追及の最終期は超ヘヴィでひときわ不気味であって、ここまでついてこられた相棒たちと地獄まで突っ走る音である。まさにマイルスは破綻したがっている。

この約1年後にエレクトリック・マイルスを締めくくる『アガルタ』・『パンゲア』が発表されるわけだが、本作はそこでの『最高にして瀕死の状態』へ向かうベクトルが、全てをぶっつけ本番・真剣勝負の緊張感の中、本物のインプロビゼーションの塊になって動き出した瞬間を捉えている、と思う。

故に聴くほうも真剣勝負である。疲労しきってへにゃへにゃになるようなヤツは聴いてはならない。こちらも充分にエネルギーを蓄え、こいつらのエネルギーを吸い取ってやるくらいの気概で聴くべきだ。そのくらいの『覚悟』がいる作品である。（●＾o＾●）

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テンションの高いグルーブ感が楽しめるライブアルバムです
68年から75年にかけてのいわゆるエレクトリックマイルス期の中でも、drがアルフォスターに変わる72年以降のサウンドは超ヘヴィーという形容がなされますが、その中でも最もテンションが高く、スリリングな演奏が楽しめる74年のライブアルバムです。

サウンド的には、エレクトリックマイルス史上、最も強力にしてファンキーなリズムセクションをバックに、ピートコージーのｇ、デイヴリーブマンのsax、そしてマイルスが自由自在に飛び交いながら、全体として渾然一体となったグルーブ感を醸し出した、ジャズ、ロック、ファンクらがごちゃまぜになったサウンドで、一旦、はまると抜けられない悪魔的な心地よさがあります。
エレクトリックマイルスの中では、ビッチェズブリューよりもゲットアップウィズイットが好きというような方にはうってつけのアルバムだと思います。

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聴くべし!!
この作品を問わず、70年代の一連の作品をわからない人!!　｢Kind of Blue｣や、マラソンセッションにしか反応しない人!!
マイルスを聴く資格ありません。　いつだってマイルスはマイルスであり続けた。究極ともいえるマイルスをわからないなんて・・
ただ聴くべし!!

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ヘヴィーメタル・シティー・ブルース
普通は「アガルタ」「ãƒ'ンゲア」ã‚'経て、ã"ちらに進むものなのだろうが、僕のå '合はいきなり「ダーク・メイガス」だった。è'き始めて一分もたたないうちに、立ち上がってã-まったのã‚'覚えている。今までè'いてきた音楽とはまるで異質。「ãƒ"ッチェズ・ãƒ-リュー」も「オン・ザ・コーナー」も経é¨"ã-ていなかったのだから、無理もない、と今では思うが、å½"時は訳のわからない興奮ã‚'感じた。音楽ã‚'è'く、という行為は、様ã€...な音楽ã‚'吸収ã-ていくうちに、自然にå-ã'å...¥ã‚Œã‚‰ã‚Œã‚‹ç¯„囲が広がっていくものだと思うが（あえて、それã‚'成長とはå'¼ã°ãªã„）、僕のå '合、ã"のアルバムで「グルーãƒ'」と「混沌」ã‚'同時にä½"å¾-ã-た。「アガルタ」「ãƒ'ンゲア」よりもコンãƒ'クトにまとめられているので、ã"ちらのæ-¹ãŒè'きやすいã!¨æ€ã†ã€‚「ＡＤＶＩＳＯＲＹ」の表示ã‚'付ã'たほうがいいとも思うが。

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ミュージシャンって大変なことしてるんだなぁ！
いわゆるデイãƒ-リーãƒ-マン時代のアガãƒ'ンバンド、役è€...はå...¨éƒ¨æƒã£ã¦ã„るわã'ですが、ã"のアルバムが「アガãƒ'ン」に対ã-て際だっているのはやはりエイゾーローレンスの存在でã-ょう（ç¬'）。前半、特にWilliのInterludeリズムの後、マイルスのオルガンで一同なおれ、その静寂からムワーンと出てくるテナーサックスは堂ã€...とã-ていてライナーにあるエイゾーのãƒ-レーとはとても思えませã‚"。そのフレーズにマイルスまで反応ã-Williの後半ã‚'リードã-ていく構成力はどう考えたってリーãƒ-マンでã-ょう。
エイゾーローレンスという名がワタクシの耳に焼き付いて忘れられなくなってã-まったのはやはりTatu以降の彼のãƒ-レーにあるわã'です。

コレは相å½"なものです。やばいです。かなりオドオドã-ています。そりゃあそうだ、ä!¸€!!線のãƒ-ロとはいえ20歳の若è€...が音楽的に初対面の大御所マイルスのバンドであのカーネギーホールにあがり、フロントでæ¼"奏するわã'ですからあがらないはずがない。è'くものã‚'ã"ã"までうろたえに誘うソロというのはそれはそれでå...±æ„Ÿã®ã‚るものです。すã"いのはリーãƒ-マン、エイゾーローレンスの苦ã-ç'›ã‚Œã®ãƒ•ãƒ¬ãƒ¼ã‚ºã«å¯„り添うように何とか恰好ã‚'つã'てやろうとする、そのとき、鬼のような親分はサッと手ã‚'一ふり、リズム隊ã‚'変åŒ-させ、再びエイゾーã‚'奈落の底へ。Tatuはã"の苦ã-みもだえるエイゾーローレンスといたぶりまくるマイルスのサドっぷりが楽ã-める（？）レコード作å"ã§ã"ã"まで恥ã‚'さらされていいものか？！あã‚"まりだ。ã"のã"とは逆に何ã‚'やってもマイルスについてã"れたアガãƒ'ンメンバーのすã"さã‚'示ã-ã!¦ã!!„る。ドミニクガモーのã"とはã"めã‚"なさい、どの音かわかã‚"ないや。個人的にはアガãƒ'ンよりリズミカルで通ã-てノリノリでè'ã'るアルバムです。よくç-...的とかæš-いとかいわれていますが、そうかなぁ。ãƒ'ンゲアのがæš-いと思うã'ど....