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『ジム・ジャームッシュ』＆『ニール・ヤング』＆『ジョニー・デップ』！！！！！(昇天)
個人的に『ジョニー・デップ』主演映画で最も好きな映画の１つ。

公開時は、ちょうど僕が高校の時、鼻血を押さえながら映画館へ通ったもんです。

ご覧になってない方は、まず『ジム・ジャームッシュ』の初期作品を観る事をオススメします。
ストレンジャー・ザン・パラダイス他５作品。インディペンデント映画の雄といわれる『ジム・ジャームッシュ』の魅力あふれる作品です。

作中には、イギリスの詩人ウィリアム・ブレイクの詩が印象的に用いられています。ウィキペディアに詳しい解説（あらすじも書かれています）があるので、一度観てから読んでまた観ると広がりがあるかもしれません。

全編に流れる『ニール・ヤング』のギターに、こちらも負けじと鳴きましょう。
サントラ　Dead Man

また『ジョニー・デップ』と『ジム・ジャームッシュ』の結びつきが必然であった事も、「音楽」という側面からもわかりますね。

『キャプテン・ジャック・スパロウ』は残念ながらでていません。

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タイトルそのままの
わかる人にはわかるんだろうし、感動する人には感動する映画なのでは。私には意味不明。監督が何を伝えたかったのか、いまだにわからないです。モノクロでアングルを含めて映像はそれなりにインパクトがあります。ジョニデ主演作なので観たけど、インディアンの血を引くという事実以外、特に彼でなくても良かったのでは。始まりからずっと息つめて観ていて、いつまでこれが続くのだろうと思ったところで、取り立てて盛り上がりもなく終了、漸く深呼吸ができた感じです。死んでく男の物語。多分これまで銃もろくに持ったことの無いデスクタイプの男がいきなり銃の名手になってしまうという、現実離れしたありえないストーリー展開。（この時代にはそれが普通だったのかなぁ。）事件に巻き込まれて残虐性が出てくるあたりはまあ理解できるけど、、、。監督の思考回路はわかりません。

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お前の舌は銃だ
今回もジャームッシュはやってくれた。
ニールヤングの素晴らしい（本当にいい）音楽とともにストーリーは進んでいく。
それはよくある西部映画ではなく、ノーバディが映画をスピリチュアル・テイスト溢れる作品にしながらも、クール！ファンタスティック！な作品に仕上がっている。

帰るべき世界へと・・・

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モノクロ＝デッドマン＝亡霊
もう最高だよ　超興奮した　２時間もあるけど全然飽きずに見れました
ジョニーが銃で敵を倒したシーンが好きで頭にこびりついてます思わず「カッケ〜」と叫んでしまいました
それにこのモノクロ映像がなんとも綺麗で　良い味を出してます　ジョニーデップはクール過ぎてしびれたよ
このデッドマンは亡霊を中心に描いていると思うんです　ジョニーデップが一瞬亡霊っぽくなって
その後性格や強さなんかが劇的に変わります　あのシーンこそがこの「デッドマン」の奥深さ
を現しているシーンと言えるでしょう　面白かった正に最高傑作　星１００個

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もうクールでしびれますよ。
ジョニー・デップが大人しい会計士の風情で登場し、19世紀アメリカの西部の果てに職を求めて列車に乗っている場面から始まるが、これは正真正銘のミステリートレインなプロローグ。
ニールヤングの電気ギターのサウンドトラックが、モノクロームのフィルムとに、かなり溶け合って冒頭から映画のスタイルを決定づけていた。

ちょっとカフカの不条理を思わせるような前半から、不思議なインディアンとの出会いに至ると、観客にも、ますます夢も現実も境がなくなるような世界の奥へと案内されていく。
残酷な銃撃場面も、かのサム・ペキンパーとはまったく異質だが変なリアリティがあって、当時のアメリカ西部の無法ガンマンたちのみならず、銃がやたらとぶっぱなされる原点のようなものを感じさせる、そんな現実感も存在している。

傷を負い死に向かうに従って冴えていくような、ジョニー・デップの主人公の閉じては開き、を繰り返す目蓋と、暗転を繰り返すシーンの繋ぎがシンクロしていて、この映画自体がまるで呼吸しているかのようだ。

ジョニーが演じる主人公の名が「ウィリアム・ブレイク」。有名な詩人で画家(英国ロマン派の先駆者・1757-1827)の名。
それからアンリ・ミショーというメスカリンを使って実験的に詩作した詩人の言葉を最初に紹介したりもしているから、やっぱり知る人にとってはドラッグカルチャーのイメージとの共通性を感じさせるかもしれない。

ジム・ジャームッシュはそのスタイルとクールなタッチそのもので体験させるような、独特の魅力を持つ作家だと強く感じさせる。
映像そのもの、白黒画面のなかに映し出させれる凄い風景に目をみはるだけでも満足させる映画だろう。
特にラストの海に流れていくカヌーの点景を映した画面は素晴らしい。

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誰の人生も一寸先は闇
　冒頭、辺境の町に行くジョニー演じる主人公が、車窓からバッファローを見つけると、列車に乗っている男たちがいっせいに撃ち殺しますが、あれは、ネイティブアメリカンたちの食料でもあるバッファーローを殺して、ネイティブアメリカンたちを迫害しているのです。

　西部劇という形をとりながら、とても新鮮だったのは、会計士というように主人公がカタギの職業だという事です。運の悪かった普通の青年なんですね。そして、撃たれた傷によって、本人も長くは生きられないとわかっているのに、殺される事の恐怖から、お尋ね者となってしまった自分を狙う、懸賞金ハンターたちを、長くはない自分の命を守る為に、殺していく事です。そして、場数を踏んで殺す事に手馴れていく、怖さと悲しさ。特に、ウィリアム・ブレイクが、死んだバンビと自分自身を、オーバーラップさせるようなシーンには、ロマンティックでせつなくなるような詩情を感じました。

　あと、とても印象的だったのは、ウィリアム・ブレイクがお尋ね者となった張り紙を見て、花売りのセルまで殺したと書かれている事に、ショックと怒りをあらわにするシーンです。それは、そのまま、マスコミに傷つけられてきた、ジョニー本人とダブリました。

　行く先々で、出会う人間に「煙草を持っているか？」と聞かれ「煙草は吸わないんだ」と答えるウィリアム・ブレイク。パンフによると、ジョニーが、ヘヴィー・スモーカーだったので、ジム・ジャームッシュ監督が面白がって脚本に書き加えたという話しと、当時、煙草が貴重品だった事と、ノーバディ役のゲイリー・ファーマーは、煙草は、ネイティブ・アメリカンにとって、聖なる儀式や祭りに必要なものであり、自分を導いてくれる人の為に、煙草を差し出す習慣があったそうです。

　シャンテシネクラブ刊のパンフレットには、シナリオ掲載と監督とジョニー・デップのインタビュー掲載など充実した内容です。もちろん、バンビと添い寝するウィリアム・ブレイクの写真（見開き２ページ）もあります。ジョニーの英字のサインの横には、カタカナで「ジョニー」と書き添えられていました（可愛い／笑）この映画の宣伝の為に、ジャームッシュ監督とともに初来日しました。

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諸行無常
寡作の巨匠、ジム・ジャームッシュが19世紀後半のアメリカ西部、ウェスタンの世界を描いた全編モノクロの傑作、２時間ぶっ通しのニールヤングのＰＶともいえる心を揺さぶる彼の即興演奏。 構想から7年をかけて完成した長編作品です。イギー・ポップがちょい役で出てるのも見所かも。

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マックィーン
　現代の俳優にはない魅力を持つ男。男臭さと、強さ弱さを兼ね備えた俳優。スティーブ・マックィーンの戦争映画。モノクロでも十分にその魅力が表現されている。現代の戦争映画もすばらしいが、現代映画にはない、戦争の緊迫感が伝わってくる。特に、後半の場面で・・・。地雷原をはって進む兵士の気持ちを考えただけで、ハラハラしてしまいます。昔の映画の苦手な方にもいいはず。平和っていいですね。また再確認しました。欲を言えば、映像特典欲しいです。

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1934年のドイツの夢
1934年秋のナチス・ニュルンベルク大会の模様を描いたプロパガンダ映画。レニ・リーフェンシュタール監督による伝説の作品。
一時間四十分強、釘付けになれることを保証します。私は初見の時に唖然茫然と見入り、ところどころ拍手さえしたくなりました。例えば、党大会開幕の辞で「あなたこそがドイツだ。私たちの故郷だ」やら高らかに宣言されてヒトラーがフッと笑いお馴染みのポーズで手を上げるあたり、そのタイミングというかリズムというか、絶妙なのです。とにかくオープニングの空の映像から始まり、すべての絵が美しくスタイリッシュです。音感絶妙のダンサーの踊りに恍惚となるような気分が味わえます。なんと堂々たる美意識であろうか。これはやばい。恐るべし、レニ・リーフェンシュタール。
当時のドイツ人が夢見た「再生」「健康」「幸福」「共同体」といったイメージが眩しくこちらにやって来る映画でもあります。同時にその直前までのドイツ人の絶望の深さも物語っています。「故郷（Heimat）」という言葉が何度か繰り返されますが、暗く重い雲がやっと割れ、青空が垣間見え、その向こうに夢見る故郷があると信じたのでしょう。まだ見ぬ故郷、この世にはない故郷が。この映像の中のドイツ人たちを滑稽だと笑う人間はよほど自分の高潔を疑わない幸福な人か、地獄を見ていない幸運な人か、想像力の欠如した人だと思います(地獄なら近いうちに地球規模で見れるかもしれない)。私は自分が当時のドイツ人ならばハイルヒトラーとやったであろうと本作品を見てほぼ確信しました。そう思わせてくれただけでもこれは私にとって史上最高最強の映画のひとつです。「理解」をもたらしてくれたという意味で。
人間とは何かと真剣に考えさせてくれる映画ですね。我々は「人間」なるものをとことん買い被っているのではないかと。自由意志とは何か。個人とは何か。幸福とは、絶望とは、希望とは。善とは。そしてこれが人類の近未来ではないと誰が断言出来るのか。もっともその時にレニ・リーフェンシュタールの如き才能が存在する確率はゼロに近いでしょうが。

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全体主義の「全体」の意味が分かる映像
　例えば、僕らが「プロパガンダ映像」として同時代で思いつくのは、某極東の国のニュース映像で見るような、大衆が演じる貧乏臭い素人芝居の映像だったりする。あんな「嫌々やってる感」が透けて見える三流映像では本当のプロパガンダは成立しない。

　その辺、レニは余りに優秀な映画監督だっただけに、いかに「心から」多くのドイツ国民が「自ら」ナチズムを支持していたかを如実に映してしまっている。（この辺の大衆心理については、ハンナ・アーレント「全体主義の起源」を参照。）

　この作品はファシズムの美学に観る者を魅了しかねない危険な力を持っているだけに永遠の問題作であると言えよう。（特に、夜間イベントの壮麗さ、後半の式典での圧倒的なマス映像は、凄まじい。）純粋に映像制作の側面を考えると、全て撮り直しの利かないロケ一発撮影で作り上げたとは到底信じ難い構築力に驚嘆してしまう。

　だが、しかし。この作品以上に問題なのは、我々人間が全体主義的な趣味嗜好に流されやすい「どうしようもない生き物」であるということではなかったか。そして、そのことに自覚的でない如何なる批判も、この作品は受け付けない強度を持ってしまっているのが厄介だ。

　ナチの美学的成功はヒトラーが元画学生だったという変な独裁者だったから成功したのであり、彼のそんな拘りが無ければここまで「美学」の領域に踏み込んだ完成度をナチズム体制は持ち得なかったであろう。人間は「美学」にアイデンティファイする生き物なのだから、「美学」を手に入れてしまった体制に抗うことは難しい。そんなことを観る者に考えさせ、また実感させてしまうが故に、プロパガンダを超えたプロパガンダ作品として観る者に迫ってくる。（なお、チャプリンが全編トーキーを採用した作品は「独裁者」だが、彼はもしかして「意志の勝利」のハイテク撮影に対抗したかったんじゃないか、と僕は妄想している。）

　しかし、こんなことを間近でやってる国があったら、そりゃ堪ったもんじゃないわな。

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20世紀最大のプロパガンダ映画
この映画は1934年に行われたナチス党大会の記録映画である。日本では『意志の勝利』というタイトルで知られている。

監督のレニ・リーフェンシュタールは恐るべき完璧さでナチスの世界観を描き出している。整然と行進する突撃隊、熱狂する群集、そしてヒトラーの演説。ワーグナーの音楽をバックに、画面には集団がつくりだすダイナミックで圧倒的な映像の叙事詩が描かれている。

この映画にナレーションは一切ない。しかし見る者に強烈なメッセージを投げかけている。それは個人主義を否定し、誰もが同じように考え同じように行動し、ただ一人の指導者に従うべきである、ということではないだろうか。

また、当時の撮影技術を駆使しているところも興味深い。空撮や移動しながらの撮影は当時としては斬新!であった。リーフェンシュタールの類まれな才能が、この政治的なプロパガンダ映画を芸術作品の域にまで高めてしまったのである。事実として『意志の勝利』は、1935年のパリ国際芸術博においてグランプリを獲得している。

しかしながらこの『意志の勝利』がナチスを賛美するプロパガンダ映画であることに疑いはない。このような映画がドイツ国民を扇動する手段として利用され、やがては戦争の狂気に突き進んでいってしまった歴史を忘れてはならない。

いずれにせよ、この『意志の勝利』が20世紀最大の問題作であることは確かだ。

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ホラーの傑作
　恐怖の対象をストレートに描く最近の映画とは違い、恐怖の対象は極力描かず、怖がる人物の表情を延々と見せて、恐怖感を盛り上げる実に見事な演出です。モノクロ画面の陰影を非常に巧みに使っており、影や光が生き物のように動いて見えて、雰囲気を盛り上げます。日本のマスター・オブ・ホラー、黒沢清の「スウィートホーム」における、襲ってくる影を思い出しました。登場人物たちの性格や背景の描写も職人芸といえるような手際よさで、さすが巨匠ロバート・ワイズです。ホラーは心理描写であり、雰囲気であり、タメであるということが、よく分かります。唐突なような終わり方も因縁話に収斂しており、脚本もよく出来ています。
　というわけで大満足だったのですが、リメーク作の「ホーンティング」の方はおすすめできませんのでご注意下さい。「たたり」は昔から見たかったけれど見る機会を得られなかった作品でした。見たかった映画が楽に見られるようになったＤＶＤ時代の幸せをかみしめております。

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子供の頃はすっごく怖かった記憶が
あったので、オトナの今、もう一度確認したいな、
って思って鑑賞しました。

子供の頃観たような、恐怖は感じませんでしたが、
別の観点で、結構、出来映えの良さに感心しました。

「怖いのか？」「怖くないのか？」って言えば、
そりゃ、最近のホラーのほうが、怖いにきまっています。

この古典では、血しぶきはでないし、首が飛ぶわけでもない。
妙な異形の生き物がおそってくるわけでもないし。
それを期待しては、いけませんね。

でも、ＶＦＸなんかぜんぜん使わず、しかも、モノクロ、
モノラルで、ここまで、芸術性の高い心理サスペンス・
ホラーは、そんなにないだろうな、というのが素直な印象です。

特殊効果がないところを、音響効果、心理的なモノローグ、
編集、カット割で、ジワジワと観るものを、真綿で締めて
いくような、そんなゾクゾク感は、こういう古典ならでは。

ラストは悲劇ですが、この映画は、幽霊屋敷というジャンルが持つ、
計り知れない、この世のものではない、
連綿と続く「何か」の怖さのテイストをよく出していると思いました。

ある意味、現代の『呪怨』にも続く、普遍的なテーマの古典の代表作
と言えますでしょうか。

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幽霊屋敷ものの古典
これはゴシックホラーの系統を引くものだ。リメイク版はCGなどの特殊効果を駆使した派手なものだったが、このオリジナルのほうが雰囲気では上回る。疎外された存在のエレノアが、ヒルハウスが自分を呼んでいるという信じるのは、多分に彼女自身の現実逃避的妄想のようであるが、それがヒルハウスの霊と共鳴するという筋書きだ。ヒルハウスの建物自体は、なかなか不気味な作りで、それなりに楽しめた。決して怖くはないが、心理劇として見ると面白い。

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ちょっとつらい
昔「山荘奇談」いまは「たたり」という名で知られたシャーリージャクスンの小説の映画化です。伝説的な名画と知られていますが、今見ると少し厳しいです。演出がちょっと臭くて、主人公の心の声がナレーションで入りますが、古いTVドラマを見ているようで、つらいです。カメラも美しいとはいえず、正直なところ退屈はしませんが、楽しめるといった内容ではありません。

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普通の出来かな。
後に「ホーンティング」でリメイクされましたが、リメイク版よりは良かったです。
ただし、出来としては★２．５個分ぐらいで特に面白くはありませんでした。
ラストは少し良かったですが、全体的には盛り上りも無く平板な印象です。
ロバート・ワイズ監督は色んなジャンルを撮っており、尊敬していますが同監督作の中でも平凡だと思います。
なお、ウィリアム・マローン監督作「ＴＡＴＡＲＩ」は本作と無関係ですので、ご注意ください。

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上手い！
Robert Randolphのセカンド。
1stはジャムバンドのライブ盤らしい尺長の演奏で聴く人間を選ぶ作品だったが、本作はスタジオ盤ならではの比較的コンパクトな作り、適度に丁寧なスタジオアレンジで幅広いファン層にもアピールしやすい作り。
実際リリース後人気も定着しつつあり、日本でも通好みの層から高い評価を受けているバンド。
ジャズフュージョン・ソウル・ファンク・ブルースごった煮、グルーブ重視の馬鹿テク軍団。
セイクリッド・スティールとして扱うRandolphの珍しさから注目されているが、それ以上でもそれ以下でもないとうのが正直な感想。

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今まで知らなかったのが残念
MTVでかかっていた「I Need More Love」を聴いて購入しました。こうも頭を殴られるような登場の仕方をしたのは私的にはストーンズ以来です。
ペダル･スティールというどちらかというとカントリーの楽器というイメージのある楽器を使いながらめっちゃファンキー！

歌ものだけでなくインストモノもあるのですが冗長にならずに1枚丸ごと踊りっぱなしな名盤です。

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血が沸騰
ホットです。
低血圧なので覚醒するために早朝から聴いてますが、血が沸騰してきます。
うー、生聴きたいな。BNあたりでライブやってくれないだろうか…という気持ちになる。

「ペダルスティール」って何？という人でもすんなり入っていけると思います。
ハワイアンみたいな音を思い浮かべた人、是非一度これ聴いてみて下さいよ、すごくカッコいいから！

今年自分で購入したJAZZ、FUNK系のCDの中で一番好きですね。◎。

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おったまげ！
久々に試聴5秒でレジに走っちゃった1枚！
一体なんなの？この勢いは！このノリは！！
ペダルスティールってこんなにFunkyな楽器やったっけ？
この人達がゴスペル畑から出てきたのが本当に信じられない！
ゴスペルどころか、今のROCK・POPS・HIPHOP･･･みんなひっくるめても
このアルバムよりイカすアルバムはないんじゃないの？

ホントとんでもないのが出てきたなって感じ。
この人達の根底にあるのは、もちろんR&B、BLUES、FUNKなんだけど
そんな事どうだっていい位の乱痴気騒ぎ。
例えるなら、ギザイア・ジョーンズ＆レニー・クラビッツ＆レッチリ
＆ブーツィ・コリンズ＆ベン・ハーパーが絶妙の配合でブレンドされた感じでしょうか。

イマの音に敏感な人がコレ聞かないなんてあり得ない。ドラフト6位のルーキーが目つぶってバット振ったら、場外ホームランになっちゃった感じやね。
でも教会でこんな音楽演奏できるアメリカって、やっぱ器がデカイよな。

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すごい奴が出てきた
とてつもなくエネルギッシュな奴が登場していた～。というのが実感です。
良い意味で荒削りなところが現在での最大の魅力だと思います。
曲作りは、そこそこバリエーションがあるため、聞いていて飽きません。
一瞬、StevieWonderを思わせる声に聞こえますがVocalも魅力があります
(漠然と聞いているとduetの相方と区別がつきにくいですが)。

PedalSteelという特殊な楽器ですが、SlideGuitarと似て非なるもので、
良い意味での正確さに加え荒々しさが効果バツグンです。
元気になりたいときに聞く音楽です。

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戦争の狂気が運命を狂わせる！
第２次大戦中、イギリスからドイツ本土爆撃に出撃する米軍Ｂ-１７爆撃隊の活躍を描く、１９６２年製作・『フィリップ・リーコック監督』の傑作航空戦争映画。
個性派俳優として名を売った「スティーヴ・マックィーン」の数ある作品中の唯一の本格的航空戦争映画で、好戦的な機長の役を見事に演じた作品。
異和感のない巧みな編集で機長とその機をめぐる仲間たちとの葛藤を描き、実機Ｂ‐１７の撮影とＢ‐１７爆撃機・Ｍｅ１０９・Ｆｗ１９０戦闘機などが登場の実写フィルムも大量に使用され、迫力ある戦闘場面を描き出し臨場感を盛り上げています。
クライマックスの被弾したＢ‐１７爆撃機の機首が上がらず、ドーヴァーの白い崖に激突する展開は壮絶！