Amazon人気商品ランキング／Blue Note

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さあ漂おう
Bill EvansとJim Hallという繊細すぎる二人の天才が残した美しい一枚。

ピアノとギターが交錯しながら陶然としたリズムを紡ぎあげる「My Funny Valentine」
艶然としたギターの音色にうっとりする「I Hear a Rhapsody」
悄然とした雰囲気にラストのギターとピアノの交互のフレージングが美しい「Dream Gypsy」
静から徐々に動へ・・・、そして忽然と広い空間を創りだすJim Hall作の傑作「Romain」

緩慢な時間の流れで、まるで自分が悠然と踊っているような感覚にとらわれるジャズという
よりクラシックみたいな華麗な響きが特徴的な「Skating In Central Park」
一番地味ながら、どこか秋の匂いを漂わせていて、聞けば聴くほど愁然とした味がでてくる
「Darn That Dream」
眼をつぶって聴けば、蒼然とした夜空が瞼の裏に浮かんでくる「Stairway To The Stars」
昂然としたリズムと、水のように軟らかい浩然としたメロディが入り混じって、どこか
甘酸っぱいような懐かしいような感慨にふけれる「I'm Getting Sentimental Over You」

と、本当に、一曲、一曲が素晴らしく質の高い曲ばかり。

僕としては秋とか、冬に聴くと、あまりに繊細な音な為、往々にして感傷的になりすぎて
憂鬱に陥りやすいので、真夏の暑い一日の終わりの深夜に酒を片手に涼みながら聞くのが
最高かな。
さあ君も、ジャケットの女性みたいに「浮」いて「遊」ぶ「感」じを体験しよう。。。。。。

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ビル・エヴァンスの付けるタイトルはいつも暗示的
1962年4月24日と5月14日録音。水に浮かぶ女性のジャケット。アルバム・タイトルは『Undercurrent(底流)』。ビル・エヴァンスの付けるタイトルはいつも暗示的だ。

ジャケット裏には神経質そうな2人の姿がコカ・コーラの空瓶とともに写っている。トリオのビル・エヴァンスがインター・プレイならこの演奏は静かな静かな一騎打ちだ。どちらもひかない一騎打ち。ムーディにBGMを演奏する気なんて毛頭無い。1961年7月6日に25歳の若さでラファロを交通事故で失なってからビル・エヴァンスは模索の中にいたのだろう。その模索の中の演奏が素晴らしい。

この演奏は言ってみれば聴く者を映す鏡のような演奏だと思う。人によってはリラックスして聴こえる。僕には底流に流されながら揺れる水を通して世界を観ているビル・エヴァンスの苦悩を感じるのだがいかがだろう。

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Under Current B.Evans & J.Hall
最初の音からすでにＪＡＺＺの真髄がぎっしりと詰まっており、しかもビルもジムも歌う事の大切さを理解している。ＪＡＺＺを演奏するものにとって座右に置くべき一枚である。当然、リスナーにとっても常に新鮮に響き、当時の二人の演奏に対する取り組みは真摯なものでありまたひとつの音に対しても細心の注意を払い、それが曲全体を素晴らしいものにしている。更にそれがアルバム全体の統一感となり、発売当初に受けた五つ星という評価となった。
このことは現代のあふれる様々な音楽に対してもその評価はゆるがず、まさにジャズクラシックの一枚、と断言できる。ジャズを聴いている人は是非とも入手すべき一枚である。値打ちとしてはレコードのほうが格上なのだが、次善のものとしてＣＤで聴いていただきたい。

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真夜中の対話
ギタリストのジム・ホールとのデュオ作品。
二人のデュオはまさに会話と言えるような滑らかなもの。
その流れには淀みや不自然さは一切ありません。リラックスしたムードですが、
その裏には常人が想像もつかぬ様な鍛錬があるのでしょう。
エヴァンスのピアノはいつもより抑制が効いたもので、低いキーの音が目立ちます。
ジム・ホールのギターもリズムを繰り返しながら、ゆっくりとうねってゆく感覚。
聴く前は一方がリズム、もう一方がメロディの応酬なのかなと思っていたけど、
そうではなく噛み砕いたメロディを少しずつ吐き出してゆく感じです。
枯れた情感、穏やかさがあります。丁度今の時期に合う作品だと思います。
ピアノトリオの作品は勿論のこと、こういった比較的型にはまらぬ
スタイルでの作品でもエヴァンスの叙情性は堪能できます。
またエヴァンスの作品はジャケットも素晴らしいものが多いですが、
その中でも本作はトップレベルの美しさでしょう。

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耳馴染みよく、抜けづらい至高の逸品
ビル・エヴァンスといえば、「ワルツ・フォー・デビー」や「ポートレイト・イン・ジャズ」など傑作を遺した、
ベースにスコット・ラファロ、ドラムにポール・モチアンを迎えたピアノトリオというのが世間の相場。
しかし、ともに白人ジャズプレイヤーとして最高峰と呼ばれる二人によるこの作品こそそれぞれの最高傑作だと思う。

「カインド・オブ・ブルー」発表直後に結成したピアノトリオ結成時、ビル・エヴァンスが持ち込んだ
インタープレイと呼ばれる手法はしかし、わずかの歳月を経てここに完成する。
ここでは、どちらが主役というわけではなく、二人の紡ぎだす音は完全に融合している。
今にも涙を落としそうなギターに心を奪われていると、
次の瞬間突然バッキングをとっていたピアノがソロに躍り出てきて度肝を抜かれる。
そしてまたギターがそんな瞬間に！と思う間もなく、スッッとごく自然に入ってくる。

しかし二人が目指したのはそんなテクニックお披露目大会なんぞではなく、実は叙情性の追及なのである。

アップテンポな「マイ・ファニー・ヴァレンタイン」という斬新な解釈。
ドビュッシーをはじめとするクラシック音楽の素養を窺わせる「ドリーム・ジプシー」。
このアルバムで私が最も好きな「スケーティング・イン・ザ・セントラルパーク」で遂に二人の感情表現はクライマックスを迎える。
ゆったりと楽しげに奏でられていくのだが、実はとても切ない。
セントラルパークでスケートする事に何ゆえ胸を軋ませられるのかがよく分かりませんが。

似た個性を持ち合わせたこのデュオだからこそ実現できた極めてシンプルな構図は、
耳に馴染みやすいが飽きにくく、いつでも胸深くに入り込んで静かに胸を打つのである。

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心の泉に落ちた小石
　この語り尽くされた名盤に物申すのはいささか気が引ける。しかし、本アルバムが誕生して今年でちょうど50年になるのを祝し、同じ頃に生まれた者としての愚見を述べてみたい。

　本作を知ったのは今から30年近く前の学生時代。当時はフュージョン全盛で、それらの曲がジャズ喫茶でよく流れていた。そのあとに、誰かがリクエストした｢Cool Struttin’｣が大音量で鳴り出せば、店のムードがガラッと変わったものだ。

　ジャズの熱気と哀愁を凝縮したスリリングなサウンドは室内の空気をビリッと切り裂き、甘ったるいムードをあっさり粉砕。それはまるでジャズとロックの境界あたりをうろつき逃げた“挙動不審者”を、ジャズの王道を行く猛者が迫って組み伏す場面を想像させた……。

　月日は流れ、齢（よわい）50歳の〈壮年アルバム〉。そのパワーと魅力は健在だ。たまに取り出して聴くたびにもぎたて、取立ての新鮮な味と香りが漂い、そこに賞味期限はない。そして、作品が心に木霊（こだま）を残していて、心の中で成長したのだろうか。かなり以前から4曲目(本来はラストナンバー)に魅了されている。

　「Deep Night」……バド・パウエルがジャズクラブで弾いているのに触発され、ソニーがレパートリーに加えたという一抹の悲しさをたたえた美しい曲だ。

　ソニーがテーマを独奏。そのままアドリブに入り、都会の深夜に思いを寄せるかのように、独特のリリシズムでメランコリックな情感を歌いあげる。孤独な資質の哀しいまでの結晶を思わせる演奏だ。フィリーが絶妙なブラシでサポートし、続くファーマー、マクリーンもメロディアスなソロをリレー。1、2曲目の熱気と華やぎの余韻が冷めやらず、もうひと燃えしようかという意気込みを感じてしまう。

　
……本国では路傍のジャズマンに過ぎぬソニー・クラーク。普通のアメリカ人ジャズファンからすれば、我々が集めている彼の作品など道端の小石のようなものだろう。しかし、我々の心の泉に投げ込まれた小石の波紋は、今も揺曳している。泉に落ちた寂しい小石の音を、我々はふと思い出してしまうのである。

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ジャズ史上最高のジャケット
私の通っていた大学は、名古屋の東部の山の中の辺ぴな場所にあり、一番近いジャズ喫茶も歩いてはいけない距離にありましたので、当時はまだ「ジャズ喫茶の時代」でしたが学生時代はほとんど行っていません。もし一般的な「ジャズ研」学生ならジャズ喫茶で「定番」のBlue Note盤にもっと早く実際に触れる機会があったんでしょうが、私の場合はかなり遅く、大学生協で当時東芝EMIから（キングへ移る以前）出ていたBlue Noteのオムニバス３枚組のLPを見つけ、２５％割引セールを待って購入してからです。


どきどきしながら聴き始め、「これが名高いBlue Noteか。これこそハードバップだ。すごい!」と本当にノックアウトされました。「Moani’n」も「Song For My Father」もオリジナルはこの時初めて聴いたのです。


中でも特に気に入ったのが哀愁の「Blue Minor」でした。そして無謀にも先輩から受け継いだ譜面集（いわゆる「１００１」の一種）の中にこの曲があったので、私のバンドでその年の定期演奏会で演ることをバンマス権限で決めました。


テーマを決めるだけで何箇月もかかり、悪戦苦闘。先輩からは「お前たちは難しい曲ばかり演りすぎる」「またマイナーかよ」といろいろ言われましたが、とにかく何とか本番を迎えました。やはりレベルが高すぎました。私（pf）も、Asもソロの途中でどこをやっているのかわからなくなり、無理やり後テーマにこぎつけましたが、その後は２度と演奏しませんでした。


ディストリビューターがキングに移り、名盤１０枚が１８００円の廉価盤で出たときに単独のLPを購入した後は、ジャケットもよくレコード棚に立てかけられるようになりました。後にCDに買い換えましたが、ジャケットだけでも残しとけば良かったかなと思っています。

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普通に良い程度のアルバム。現代のジャズ・アルバムのほうが良い
50年も昔のアルバムが、現代においてもなお名盤として通用するのでしょうか。3000人のマラソンで３着までに入った選手が、１０万人のマラソンで３着までに入れると思いますか？入れるような逸材もいるかもしれませんが、ほとんどは無理です。ジャズアルバムにも、それが当てはまります。古いジャズの名盤の50年代(昭和30年代)の当時と現代では、ジャズアルバムの量が比較にならないほど膨大なのです。昭和３０年代のオリンピックで、金メダルを取った選手が、現代のオリンピックでも、金メダルを取れると思いますか？技術が向上し、記録は次々と塗り替えられているのです。金メダルを取れるような逸材もいるかもしれませんが、ほとんどは無理です。ジャズアルバムにも、それが当てはまります。録音技術も向上して音質も飛躍的に良く、曲数も多いのです。雑誌やジャズサイトでは、ジャズの初心者にということで、名盤と言われる古いアルバムを勧めていることが多いですが、新しいアルバムの方が、断然良いです。まずは、良質の新しいアルバムを聴くことをお勧めします。本アルバムは良いアルバムですが、あえて人にすすめるほど良いアルバムではありません。おすすめのアルバムとしてKeith Jarrett の「The Melody At Night, With You」、エディ・ヒギンズ・トリオ「懐かしのストックホルム」、木住野 佳子「ユー・アー・ソー・ビューティフル」、ハリー・アレン「デイ・ドリーム」を推奨しておきます。(その他のおすすめについては私のホームページで紹介しています。ネームがアドレスになっています。)

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ソニー・クラークの最高傑作！超人気盤！
ソニー・クラークがフィリー・ジョーとポール･チェンバースという絶好のリズム隊を従え、マクリーンとファーマーを２管にすえたハードバップアルバム。
１曲目のスロープルースで各人が名人芸ともいえるソロを交換しています。
２曲目はマイナー調の曲で日本では最も人気のある曲かもしれないブルー・マイナーです。この曲でマクリーンが必殺の泣きのフレーズを演奏します。
３曲目は普通のバップ的演奏で小休憩。
４曲目がクラークのコロコロ心地よく転がるフレーズで深夜に静かに心落ち着かせて聴きたくなる、ディープナイトです。ソニー･クラークの最高傑作ともいえます。
ＪＡＺＺを聴いたことがない人に最初にお勧めしたい１枚とも言えるアルバムです。

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いいと思う。
私はこのＣＤ好きだな〜。
でも、今の若い人にはこのＣＤは退屈かもしれない。
これよりは、歌のあるソフィー・ミルマンの方がとっつきやすいと思います。
でも、持っていて損は無い一枚！

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まさに実った果実。黄金の一枚。
キャノンボールもそうだが、特に50年代をガムシャラに走ってきたマイルスにとって、この
一枚は実りの果実だったんじゃないかな。Kind Of Blueの定義付けは、ある種特別なのであれ
だが、60年代以降、良くも悪くも貪欲に自らの道を開拓していった両者だが、ここではそんな
ハングリーさとかストイックさとかとは別で、本当に悠然と心から音を楽しんでる感じが
伝わってくる。「Autumn Leaves」、「Somethin' Else」、「One For Daddy-O」では、音色、
フレージングともに見事なまでに安定したユニゾンを聴かせてくれる。ほんと艶然と微笑む
ような気持ちになれる。

もう何度も聴いた一枚だが、昔は前述の両者とサム・ジョーンズの芯の強いベース音に感服
してたりしたが、年月たって聴いてみると、ハンク・ジョーンズのピアノ音は何とも温かい
というか、心に沁みるというか、だんだん彼の凄さに気づいてくる。そう思って聞き返すと
以外に、この作品で彼は、おいしい所どりしてるのがよくわかる。彼の音を一音一音追って
聴くと何時までも飽きのこない贅沢さがあると思う。

あとキャノンボール名義じゃないともいわれてるが、何々ラストナンバー「Dancing in
the Dark」の彼のアルトの、メロウにムード満点に歌い上げてるの聴いてロマンティックに
浸れば、あながち彼のその後の活躍を予感させる感がヒシヒシと伝わってきて、お膳立てでは
あるが、間違いなく彼のリーダー作だよ。

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有名な理由が分かります
　このアルバムは、ジャズ好きの方は知らない人がいないというほど有名なもののようです。
　一曲目の枯葉は、はじめはアクが強い感じがしましたが、不思議に好きになっていく力があります。このアルバムの中では「DANCING IN THE DARK」が一番好きで、何度も聴いてしまいたくなります。キャノンボールが演奏すると、甘すぎるメロディも嫌味なく聴こえてくるのがすごいです。

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名曲、名演奏の「枯葉」を筆頭に、聴いていてぞくぞくっとくる一枚
　アルバムの幕を開ける一曲、「枯葉」。この演奏に、まず、ノックアウトされてしまう。
　ミュートを効かせたマイルス・デイヴィスのトランペット・ソロが終わったところに、キャノンボール・アダレイのアルト・サックスが滑り込んできて、ソロが繰り広げられる。それが終わると、また、マイルス・デイヴィスのトランペット・ソロに戻るあたりの音楽。いいですねぇ。ふたりの連携プレイとセンスのよいソロに、ぞくぞくさせられました。

　マイルス・デイヴィスとキャノンボール・アダレイ、ふたりの掛け合いがよかったってことでは、トラック３収録の表題曲「サムシン・エルス」もいいですね。夜を切り裂くトランペットのキレのある高音と、ブルージィーなアルト・サックスの音が溶け合う、聴き手にとってはこたえられない饗宴。

　クールで知的、いぶし銀のきらめきを感じたマイルス・デイヴィスのトランペット。その醍醐味、旨味に唸ったのが、トラック２「ラヴ・フォア・セイル」と、トラック４「ワン・フォア・ダディ・オー」。即興的なひらめきを感じる弱音での演奏が、マイルス・デイヴィス、天才的で素晴らしいと思う。

　さらに、オリジナル・アルバムにはないトラック６「バングーン」が楽しかった。軽やかに飛ばしていく、スピーディな演奏の快感。終盤、アート・ブレイキーのドラムス・ソロも快調で、ごきげんな気分で聴き終えることができた一枚。

　1958年３月９日、ニュー・ジャージーの「ヴァン・ゲルダー・スタジオ」での録音。

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枯葉が本当にひらりと落ちてくる。
マイルスが若い頃、ブルーノートのプロデューサーであるアルフレッド・ライオンと年に1回のペースでアルバムを出していこうと約束する。
マイルスがドラッグ中毒であるにもこの約束は守られていく。
数年後、大手ＣＢＳに移籍したマイルス。
しかし、自分が最悪の状況でも助けてくれた恩人のことを忘れてはいなかった。
名義をアルト・サックスのキャノンボール・アダレイとして自分はメンバーとして参加。
だが実質的リーダはマイルスであることには変わりない。
1曲目の枯葉。マイルスのミュート・プレイ。
「枯葉よ〜」とマイルスのトランペットが歌いだす。
2曲目以降の他の曲なんかもうどうなってもいい。
この1曲だけでこのアルバムは成り立っているのだ。
まだ聴いていない人はぜひ購入していただきたい。
この録音セッションが終わった後、アルフレッド・ライオンはテープ・ボックスに「リーダー　マイルス・デイビス」と記録した。

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このアルバムのリーダーはハンク・ジョーンズです！
一般的には１曲目に有名な「枯葉」が収録されているということで人気があるようですが、むしろマイルス・デイビスがハンク・ジョーンズ、サム・ジョーンズ、アート・ブレイキーという名手と共演した、ということがすごいことだと思います。
ジャケットはいたってシンプルでメンバーの名前が書かれているだけ。でもそれだけすごいメンバーがそろった、ということではないでしょうか。
聴き所はむしろ２曲目の「LOVE　FOR　SALE」です。ピアノのイントロにドラムがからんでいくところは何度聴いてもぞくぞくします。JAZZ最高のイントロです。全体にハンク・ジョーンズのピアノがこのアルバムのトーンにぴったりとはまっており、このアルバムのリーダーはキャノンボールでもマイルスでもなくハンク・ジョーンズである、といってもいいすぎではないのでは。
また最後の「DANCING　IN　THE DARK」も素晴らしいです。この曲にはマイルスは参加していないのですが、キャノンボールが素晴らしく知的で抑制のきいたSAXを聴かせてくれます。これはもうまぎれもないマイルス･デイビスのサウンドです。
ただボーナス・トラックの「BANGOON」という曲は明らかに出来が悪く余分なので、名曲の「DANCING　IN　THE　DARK」で一度ディスクを止めて余韻を味わってください。

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壮大なる海のジャズ絵巻
完璧だ。

抒情に富んだわびさびの利いたテナー。喜怒哀楽のある力強いトランペット。George Coleman(ts)とFreddie Hubbard(tp)の表現力豊かなプレイが素晴らしい。リーダーハンコックの作り出すビートのキャンバスの上に壮大なる海の絵巻を書き上げていく。ホリゾンタルなコールマンとヴァーティカルなハバートが良いコントラストを成す。その色彩感覚は限りなく繊細で豊かだ。リズミックなタッチで、「波」を表現するかのようなリズムセクションの波動も見事。的確なリーダーシップで航海図を描いて行くハンコックのピアノ。臨機応変なトニーのドラムス。やはり彼は柔らかなものをやらせても上手い。しっかりボトムをキープするカーターのベース。文句なしだ。

海をテーマにしたコンセプトアルバム。「初めて航海」に出た船が、「ハリケーン」に遭遇し、「小さな生き物」を発見し、「適者生存のルール」を体験し、悠然と泳ぐ「イルカの群れ」に出会う。目を閉じ耳を済ませて聞けば、収録された曲のタイトルの情景が浮かんでくるような壮大で美しいジャズ物語である。

"Empyrean Isles"と"Speak Like A Child"の間にリリースされた、ハービー・ハンコックのブルーノート第５作。１９６５年５月の録音で、Tony Williams(ds), Ron Carter(b)（二人は当時のマイルス・デイビス・クインテットでハービーとリズムセクションを組んでいた）とFreddie Hubbard(tp)が前作から続いて、元メンバーのGeorge Coleman(ts)がトラで参加している。ショーターでなく彼を呼んだことが、成功要因の一つに上げられるだろう。前述の２作と合わせて、ブルーノートのハンコック３部作と言えよう。

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実はコマーシャル･ジングルだった！
新主流派またはハンコックの代表作として有名なアルバムです。このアルバムにケチをつける人はいないでしょう。初心者にも安心して薦められるアルバムです。
特に1曲目のタイトル曲'Maiden Voyage'は名曲としても有名です。この曲が嫌いな人はいないでしょう。これについては、いろいろな角度からほとんど語りつくされた観がありますが、あまり知られていない逸話があります。実はこの曲はもともと髭剃りのコマーシャルのために作られたものです。それを元にアルバム用に書き下ろしたのが、かの有名な'Maiden Voyage'なのです。ハンコックってこの頃から何気にコマーシャルだったんですね。

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「海」を見事に表現したジャズアルバム
ビル・エヴァンスの後にマイルスバンドにやって来たピアニスト、ハービー・ハンコック。
彼はビル・エヴァンスが切り拓いた叙情的な表現やモードの手法を既に完璧にマスターしていた。
また、そしてマイルスがそうであったように、７０年代にはファンク、そして最近では
ヒップ・ホップやドラムン・ベースに至るまで貪欲にジャンルを吸収し、完全に自分の中に取り込み、
常に時代の先を見据て行動できる優れた音楽家である。

このアルバム製作時、ハービーはマイルスバンドに在籍中であったが
マイルスが療養中であったため各メンバーはそれぞれソロ活動中であった。
そのメンバー「＋α」でハービーがリーダーを執ったのがこのアルバム。
にもかかわらず、マイルスバンドとは異なる感触を持った作品を生み出した。

タイトルが示すとおり、壮大な海をアルバム全体のモチーフとして扱っていて緩やかなトーンに統一されている。
いつもは高等数学的で奔放なドラミングのトニー・ウィリアムスのスネアも抑制されていて無数の小波のように散りばめられている。
ハービーのピアノも広大な海の息遣い表現すべく繊細なタッチで、
ロン・カーターのベースはぴったりそれらにくっついてうねりを生み出す。
管楽器陣の紡ぐ音は大海原に反射する太陽光であり、あたかもその上に存在する空間そのものを照らし出してるようだ。

海がテーマとして扱われて、しかもそれが似合うジャズというのは本当に数少ないわけだが、
ここではハービーの目論見通り海の雄大さ、そしてそこで育まれる神秘的な生命の流麗ないとなみまでどこまでも美しく描かれている。

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新しい論理で捉えようとする自然
ハービー･ハンコック、１９６５年の録音。

１９６３年から１９６８年に至るマイルス･デイビスバンドでの活動
において、「ウォーターメロンマン」に代表されるジャズ･ロックの
流れから、モード･ジャズへと傾倒していったハービー･ハンコック。

そのマイルス･デイビスバンド加入２年目に録音された本作は、正に
１９６０年代、ジャズの主流となっていったモード･ジャズを代表
する作品といえるだろう。

「コード進行からの開放」をテーマにしたモード･ジャズは、奏者の
技量を最大限に生かすことが出来る場である。だが、逆に言うと
その演奏にはそれなりの力量が要求されるわけで、当時の主流の音
といえども、それに携わることの出来る人材はそう多くいなかった。
その事は本作の共演者を見てもらえば、分かっていただけると思う。

共演者はフレディー･ハバード(tp)、ジョージ･コールマン(sax)、
ロン･カーター(b)、アンソニー･ウィリアムス(ds)の４人。

ウェイン･ショーターがマイルスバンドＯＢのジョージ･コールマン
になった以外は、正に当時のマイルス･デイビスバンドといった面々。

メインバンドとほぼ同じメンバー、クインテットという同じ形態で
モード･ジャズが録音されているのである。そういう意味でソロ作品
というより、本業を更におしすすめるためのサイドプロジェクトと
捉えた方が本作の正しい理解といえるのかも知らない。

そのモード手法のテーマに挙げられたのが、「処女航海」。

動と静。様々な表情を表す母なる海と、それに向かう真新しい船。
自然の中に人間の作った真新しい船が浮かび、美しい風景を構築する。

この事は、自然の表す「現象」と人間の理性からくる「論理」の共演
を意味するのではないだろうか。新しい技法であるモード手法を音楽
にもたらした１９６０年代の新鮮な空気が伝わってくるようである。

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音楽による絵画
～「処女航海」というタイトル通り、全曲「海」からインスピレーションを受けて作曲され、演奏されたコンセプトアルバム。曲そのものや、編曲によって統一を図るコンセプトアルバムは数多くあれど、演奏のパワーによって一つのテーマを表現し、またそれが成功している作品はそう滅多にない。ましてジャズの場合は各プレイヤーのアドリブがあるが、それをひっく～～るめた曲全体の「イメージ」が、これほどまでに美しく完成されているというのは驚き。聴いていると「穏やかな海」や「嵐」そして「イルカたちのダンス」のような情景を想像できる、まさに音楽による絵画だと思う。
ハービー・ハンコックはクラッシック畑の人でもあるから、こういう要素も持っていたのだろうか。～

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踊りたくなるジャズ
これは、シルバーの最高傑作と断言できる。最近モノラル盤（もちろんＬＰ）を購入してあらためて思った。フロントの二人（ブルー・ミッチェル、ジュニア・クック）は彼らのベスト・プレイだし、シルバーのプレイがものすごくスイングしているからだ。また、ルイ・ヘイズの前ノリのドラミングもこのバンドには、良くマッチしている。曲は、やはり１曲目、５曲目が良く、この２曲を聴く為にこの盤はあるといってもよい素晴らしさ。また４曲目の「PEACE」もブルー・ミッチェルは、リバーサイド盤で再演しているが、名曲だ。ちなみに８曲目は、未発表追加曲で日本盤には入っていません。貴重な写真も付いているし、この価格なら、黙って買いでしょう。

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この安さは素晴らしい！
ブルー・ノート４０１７番。オリジナルアルバムは、７曲目までで、８曲目はボーナストラックです。オリジナルアルバムは、チック・コリアの愛聴盤なのです。録音は１９５９年８月２９日（１曲目、６曲目）翌３０日（３～５曲目、８曲目）９月１３日（２曲目、７曲目）の３日間。ブルー・ミッチェル、ジュニア・クックの２管編成による第２作。このグループは、１９６３年まで不動のラインナップで活躍、「Sister Sadie」は名曲です。全編通して、ホレスの魅力溢れる傑作アルバムです。ジャズファンなら、この価格で買わない手はないでしょう。推薦盤です。

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身体に沁みます
ピアノの音が演奏する人によってこんなにも違うということを本当の意味で実感させてくれたのは彼が初めてでした。音の一粒一粒が柔らかで、しかし輪郭をはっきりと持っているということに感動した一枚です。

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安心して聴ける５０－６０年代のジャズ
ホレス・シルヴァーのトリオ編成にブルー・ミッチェル（トランペット）とジュニア・クック（テナー・サックス）に２管を加えたクインテットのアルバム。１９５９年の録音で、踊るようなシルヴァーのピアノにブルー・ミッチェルの軽快なトランペット。５０－６０年代のよき時代のスウィンギーな黒人ジャズ。テーマのフレーズから変奏、間奏やソロを経てテーマの演奏に戻るというジャズの「お約束」のパターンは安心して聴ける。やっぱりこの時代のジャズはいいなあ。と聴くたびに思う。（松本敏之）

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解り易いジャズ表現
解り易いジャズ表現を具現化するのは非常に難しいと思います。テーマ＝アドリブはシンプルにしかし陳腐だとすぐに飽きられてしまうからメロディやコード進行は十分に吟味する必要があるでしょう。ホレス・シルバーはこの解り易いジャズ表現を完成していると思います。どちらかといえば「ファンキー｣の部類に入るけれども、独自のハード・バップ路線で本作や「ソング・フォー・マイ・ファーザー」などのヒット作を次々と発表してブルーノートの看板アーティストとなりました。彼の演奏スタイルは現在ではベニー・グリーンが後継者といえるのではないでしょうか。彼は1999年にブルーノートの先輩達へのオマージュ「ブルーノーツ」というアルバムを発表していますが全10曲のうち実に4曲がシルバーの作品なんです。ともあれ、なんと言ってもジャズの楽しさを具現化したこの作品、文句なく5つ星です。

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ピアノ・トリオの最高峰
約30年前に聴きまくっていたLPを、30年ぶりに改めてCDで聴いてみた。

いきなりの驚愕。こんなに凄いグルーヴだったのか！しかも、3人の生楽器の生演奏でここまでやっていたとは！「グルーヴ」という言葉をそう簡単に使ってはいかんと反省。

後にReturn To Foreverで聴かれることになるフレーズやコード進行が随所に現れる。同時に、2年後のチックのソロに聴かれるリリシズムも、この作品で十分に披露されているではないか！

この数年後、チックはReturn to Foreverを、ヴィトウスはWeather Reportを結成する。そういう意味でも、ジャズの新たな夜明けを暗示する奇跡的な傑作だった。

ピアノとベースとドラムが対等にinteractするピアノ・トリオの最高傑作（の1つ）。全音楽人必聴。

BGM：映画『サンチャゴに雨が降る』はどこへ行った？

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幻惑される
個人的にはザビヌル、ジャレット、コリアの順に好きなのだが、本作と『MY SPANISH HEART』を聴いているときは「ああ、やっぱりチックが一番いいなあ」と幻惑されてしまう。いずれのアーティストも天才なわけであるから優劣がつけられないし、そもそもまったく別の音楽をやっているので死ぬまでには彼らの音楽をすべて聴きたいとすら思うのだが、逆に死んでからでも聴いていたいと思わせるチックの作品を唯一挙げろといわれたら、迷わず本作だ。ちなみにヴィトウスが好きだから極論というわけでもないが、初期ウェザー・リポートを除けばヴィトウスの本領はこういったチックの作品でも堪能できる。

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フュージョンの傑作
名盤「リターン・トゥー・フォエーバー」の前駆的作品。すぐにチック・コリアと分かる独特で新鮮なタッチのピアノは、当時のジャズ界にショックを与えた。スタンダードの名曲「マイ・ワン・アンド・オンリー・ラブ」も主旋律を隠すように演奏、チック独自の世界を聴かせる。一番の聴き物は５曲目のチックのオリジナル曲「ナウ・ヒー・シングス・ナウ・ヒー・ソブス」この盤より「リターン・トゥー・・・」が有名になり、全世界で百万枚 以上を売り上げたが、今聴くとこのアルバムのほうが新しさを感じる。それは旧来のジャズとフュージョンが融合している趣があるからだ。フュージョンと呼ばれるジャンルのジャズは、今聴くと古びて陳腐なものもあるが、この一枚は別格。時々聴きたくなる一枚。この値段なら買って絶対に損はない。（松本敏之）

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一期一会
とても人気のあるピアニスト、チック・コリア(pf)が生んだ最高傑作が本作品「Now He Sings, Now He Sobs」であると思う。

1968年の録音なので、その後の彼を評価していないように見えてしまうカモ知れないが、日本人が制作したアブストラクトな「Circle」での熱演や、ECMに残した「Piano Improvisations Vol.1 and Vol.2」の美しさもこよなく愛している。

でも、やはり「Now He Sings, Now He Sobs」には敵わないと思う。

その中でも「Steps-What Was」で、5:00頃からのロイ・ヘインズ(ds)ドラムソロに続き、待ちかねたように、チック･コリアとミロスラフ・ヴィトウス(b)が7:33頃から登場する。この辺りには何時聴いてもゾクゾクとしてしまいます。ベーシストの熱演が光る。

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完璧なテクニックとイマジネーションの合体
チック･コリアがビル･エバンス以後のピアニストの中で最高のテクニシャンであることに異論を挟む余地はないであろう。チックに並ぶのはキース･ジャレットくらいで、ハービー･ハンコックもマッコイ･タイナーも少しばかり及ばない。そんなチック･コリアのキャリアの中でもこのアルバムは彼のピアニストとしての凄みを見せつけ、その評価を決定付けた傑作である。後にリターン・トウ・フォーエバーでどれほどのヒットがあろうと、ピアニストチック･コリアにとってナウ・ヒー・シングス・ナウ・ヒー・ソブスこそ代表作なのだといえる。というのも、初めて聴いたときの印象が強烈過ぎて、これほどのスピードでよどみないタッチのピアノが弾けること自体が信じられなかったからだ。しかも、リズムセクションの新人のヴィトウスのベースがこれまた信じがたいテクニックであり、ロイ･ヘインズもベテランの境地どころかヴィトウスやチックに一歩も引けを取らない若々しく、アグレッシブなプレイを展開している。３人の一糸乱れぬコンビネーションとチック･コリアのインプロビゼーションの創造性によって、完璧なテクニックとイマジネーションの合体が見事に実現した名盤である。

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青春のトランペッター、リー･モーガンのメモリアルワンホーン・アルバム
僕がジャズを聴き始めてすぐ、ジャズ・メッセンジャーズのレコードでリー・モーガンというやたらカッコイイ演奏をするトランペッターを知った。華麗でスリリングなソロはブルーで内向的なマイルスの対極のトランペットで、実によく楽器が鳴るテクニシャンというのが第一印象であった。しかし彼はまもなく（1972年）演奏中に銃で撃たれ、死んでしまったので、僕のなかでは現役のモーガンをほんのわずかしか知らないまま、文字通り青春時代の缶詰のような存在になってしまった。もちろん僕の青春時代という意味だけでなくモーガンの奏でる溌剌としたプレイが青春の輝きと危うさを感じさせたためである。モーガン唯一のワンホーンアルバムであるキャンディは、バイタルで瑞々しい感性を表現しつつも、20歳そこそこの若者の演奏とは思えない円熟した歌心あふれるフレーズが満載し、彼の天才ぶりを存分に見せ付けている。シンス・アイ・フェル・フォー・ユー、オール・ザ・ウェイで聞かせるスタンダードの解釈の見事さやパーソナリティでのリラックスしたバランスの取れたアドリブなど聴き所がいっぱいだ。ところでバックを務めるのがソニー・クラーク・トリオというのがもう一つの聴き所だが、クラークもまた若くして他界したハード・バップの哀愁をたたえた名ピアニストであることは言うまでもない。そういえばベースのダグ･ワトキンスのロリンズのサキ・コロで名をはせたが彼も夭逝した名手であった。
　この時期のモーガンはドナルド･バードやまもなく登場したフレディ･ハバードといったポスト・クリフォード･ブラウンのトランペッターの中でも最もきらめいていたことは確かであろう。

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トランペットのワン・ホーン・カルテットの傑作
RVG Editionでのリイシュー。ピアノ・トリオをバックにワン・ホーン・カルテットというとアルトやテナーのサキソフォーンではよくありますが、トランペットというとあまりなく、むしろ希といってもいいくらいです。しかし、傑作は少なからずあります。ケニー・ドーハムの「Quiet Kenny」(Prestige)やブッカー・リトルのタイム盤など。このモーガンのCandyも傑作にあたります。タイトル曲での美しいトランペットのサウンド、All The Wayでのバラード解釈の素晴らしさなど、どのナンバーもモーガンの美しいトランペットを堪能できます。バックのクラークも彼の最も調子のいい時期でベスト・プレイで応えます。特にAll The Wayでのソロが素晴らしい。LP未収録だったボーナストラックのAll At Once You Love Herは収録曲中で最も速いテンポで演奏され、モーガンの華麗なテクニックを堪能できます。

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バド・パウエルの真実
バップ‾モダン・ジャズ・ピアニストにとってバド・パウエルは神格化した存在である。モダン・エイジ初期において、パーカー、ガレスピー、ケニー・クラーク、モンクなどともにモダン・ジャズを形成し、ジャズを芸術にまで高めた一人であるが、そのプレイにおいても、影響力においてもことピアノという楽器に関しては絶大なる巨匠として君臨した。その秘訣は、このアルバムに聴かれるようなパップのイデオムをトータルに完成させ、スタンダードにおいても豊かで鑑賞に堪えうる美的な形式にまで高めたからだといえよう。実際ピアノという楽器の持つ総合的な表現力は、管楽器やリズム楽器の前衛性を、よりバランスよく完結した音楽へと導く特性がある。「イット・クッド・ハプン・トゥ・ユー」、「ニューヨークの秋」などで聴かれるリリカルで完璧なテンポをキープしながらの演奏は、50年代を通じて、他の追随を許さない完成度を持っていた。もちろんその後の個性的なハード・バップ・ピアニストの輩出はモダン・ジャズ・ピアノ・シーンに様々な彩を添えたが、モンクなど数人の例外を除けば、スコット・ラファロを擁したビル・エバンス・トリオの出現までパウエル色を払拭するピアノ・トリオはついぞ出現しえなかったといっても過言ではないだろう。それにしても、このアルバムのパウエルはなんと素晴らしいのだろう。渡米前の秋吉敏子が、横浜のジャズ喫茶「ちぐさ」で、パウエルのブルーノート盤を、擦り切れるほど聴いていたというエピソードが残っているほどだ。バド・パウエルはモダン・ジャズのルーツの宝庫であり、我々はいつでも彼のアメイジングに立ち戻ることで故郷を味わうことが出来るのである。

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正にアメイジング
かのマイルス・デイビスに言わせると、天才と呼ばれる人は星の数ほどいるけれど、
真の天才は数えるほどしか、いないそうです。
その中の一人です。Jazzを聞くきっかけを作ってくれた、Bud Powellに感謝。

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BlueNoteオリジナルとちょっと違います
悲運の天才ピアニストBud PowellのBlueNoteレーベルでの最初のアルバムですが，オリジナルの1503番とは収録順も違いますし，オリジナルにない曲が収録されています．

東芝EMIからも同名のCDが出ており，こちらの方はBlueNoteオリジナルと同じ曲が同じ曲順で収録されているようです．

オリジナルの12曲に対して20曲が収録されていますので，お得だとも言えますが，個人的にはちょっと？です．BlueNoteレーベルのアルバムは単に演奏者の曲を集めただけのものではなく，プロデューサのアルフレッド・ライオンがその収録順も含めて選曲を行い，アルバムとして仕上げていると言われています．プロデューサの製作意図も含めてアルバムとして楽しみたいと言う方は国内版の方がよいかも．

因みに，このアルバムはBlueNoteの1503番のはずですが，ジャケットには1504と書かれています．どうしてでしょう？

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ブルーノートのアメイジング
全２０曲、trumpet,fats navaro;tenor sax,sonny rollins;piano,bud powell;bass,tommy portter;drums,roy haynes　そして１２曲目からラストまで　piano,bud powell;bass,curley russell;drums,max roach　のトリオ。このメンバーの揺るぎない音楽に対しての執着心がブルーノートというレーベルそして音楽というカテゴリーの中で時を越えて光り輝いている。

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ピアノの人なんですねえ
ロック好きなジャズ初心者ですが「ウン・ポコ・ロコ」がカッコいいです。

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素敵ななかまと大好きな唄を・・・
セルフプロデュースで
Marvin Swell(g)やLonnie Plaxico(b)など
素敵な仲間と大好きな曲を唄った
とてもリラックスした雰囲気のアルバムです。
彼女の作品にはついつい野心的な部分を求めてしまいますが、
今回のアルバムを聞いて、
今後、そんな野暮なことは・・・
Marvinとの#7
Reginald Veal(b)との#11など
思わず聞き入ってしまいます。

それにしても、Marvinのギターは泣けるねぇ。

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曲は良いが・・・
曲も雰囲気も良いが声のレベルが上がる部分でノイズが乗る場所があり、耳障りなのが残念。CDでしか聞いていないのでSACDだと違うのかもしれない。

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リラックスして楽しみたい
全世界で４００万枚売れたそうだ。そんな事より、声がいい。（声の質はキャロル・キングに通じるところがあるようだ。）歌もうまい。オリジナル曲は、有名なスタンダードに較べてあまりよくないことが多いがノラ・ジョーンズのオリジナルはいい。作曲の才能もある。頑固なジャズ・ファン、特にブルーノート・ファンはブルーノートから発売されてはいてもジャズじゃない。なんて言うけれど、いい歌なんだからこの際どうでもいいじゃない。リラックスして楽しみたい。（松本敏之）

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落ち着くスモーキーヴォイス
映画「Maid in Manhattan」で使われた「Don't Know Why」をはじめ、とにかく落ち着く曲が満載。ブルーノートから出ているCDですが、ジャズのヴォーカルという感じは強くありません。ポップスでもあり、ソウルでもあり、ジャズでもあるという感じでしょうか。まぁ、分野がなんであれ、彼女のスモーキーな歌声はすばらしいものがあります。「Shoot the Moon」、「One Flight Down」と「The Nearness of You」が特にお気に入り。

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Come Away With Me [FROM US] [IMPORT] [SACD]
初めてNorah Jonesを聞いて見ましたが、SACDの音は最高です。部屋を暗くして、ウイスキーを片手に、大人の時間を過ごす時に最高のＢＧＭです。ゆったりとした時間を過ごしたい時にお勧めの１枚です。
Norah Jonesの声質がとても優しく、１日の疲れも取れるという感じです。

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夜にしっとりと聴きたいアルバムです。
大ヒットしたアルバムのSACD化。
それもマルチ＆ハイブリッドになりました。

まず音の軟らかさに感動。それがしっとり
ちょっとけだるい雰囲気のヴォーカルに
合っています。

マルチチャンネルも、サラウンドCHに
楽器パートを持たすような、派手な使い方はしていませんが
ピアノの響きや、声のスケール感を出すのに
「裏方的な仕事」に徹していて
好感がもてます。

部屋の明かりを暗くして、環境が許すなら
いつもよりちょっと音量を上げて聴いてみて下さい。