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秋の夜長に聴きたい”切ない”エヴァンス
余り有名でない本作に既に１２個のものカスタマーレビューが・・・あの世のエヴァンスもきっと"Two Thumbs Up"で喜んでいるに違いない。日本のエヴァンスファンは凄いね。聴き方が深いよ。この切なさと言うか侘びしさみたいなものがぐっと心に染み込んでくる作品だ。
ストリングスを大胆に加えた"Bill Evans With Strings"と言うのが本作のコンセプトだ。このオーケストレーションをアレンジしたのはMichael Leonardと言う人で、Michel Legrandではないらしい、ああ残念。フェンダーローズを弾くエヴァンス作品は,他にＣＢＳから出た"Bill Evans Album"もあるけど、美しいオーケストラに乗ってエヴァンスがスタインウェイピアノとフェンダーローズのピアノを弾き分ける本作はとってもスリリング。４トラックに色んな楽器を目一杯詰め込んでいるので、音はところどころで結構割れているけど・・・ジャズとクラッシクの融合？これってエヴァンスのライフワークの一つだったですよね。やはり聞き物は、Before and Afterの２ヴァージョンある"The Dolphin"ですよね。あなたは使用前、使用後のどちらがお気に召しましたか。私は当然Afterですが・・・彼のアグレッシブな本領が充分に発揮された野心作ですね。デビイだけがエヴァンスじゃない。音楽家としてはこっちの方が満足度が高かったのではないか。これってきっとエヴァンス的には大傑作ですよね。

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一つの素敵なレコードとして
エヴァンスがエレピをやったってことで、往年のファンの間ではあまり評価の対象として捉えられなかったという作品(70年作)。

確かにエヴァンスがエレピを弾いている。それにいつものトリオ編成ではなくオーケストラまで使っている。なるほど珍しい。そういう観点で見れば、いつものエヴァンスとは違うというのは分かる。では純粋に一つの作品として見た場合どうなのか。答えは単純に素晴らしいということだ。正直、ここまで良いとは思っていなかった。エレピとグランドピアノの間を行き来(まさにfrom left to right)しながら、ひたすら美しい世界を築き上げている。オーケストラといっても、エヴァンスのピアノをあくまでも柔らかくサポートしている感じで仰々しさは皆無だ。そしてエヴァンスのピアノの音は、エレピであれ何であれ、どこまでもリリカルで透明な音だ。また、この作品の特徴としては、非常にアルバムとしての流れが良いという所だろう。各曲が、3-5分程度の小品でまとめられており、中弛み感が全くない。またメロディーもソフトロックやブラジル系の優しくポップな曲調が多く、清涼感と温もりが
同時に体感できる。

これを聴いて、改めてエヴァンスの奥深さに感嘆した。こういう作品を残せているから、いつまでもアップ・トゥ・デイトな存在として、次々と新しいファン層を広めていけるのだろう。このピアノの王者は本当に強い。

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スタインウェイ vs フェンダー・ローズ
巨匠ビル･エバンスに何ていうことをやらせるんだ！というような企画です。同じ曲をアコースティックピアノ＝スタインウエイとエレクトリックピアノ＝フェンダー･ローズで弾いたり、さらにストリングスを付けたり、付けなかったりと、思い付いたアイデアは全てやっちゃいました。みたいなアルバムです。当時のコアなファンからは大ブーイングだったらしいのですが、個人的にはこんな企画に気軽に乗ったエバンスのことがもっと好きになりました。
とは言え、本人は飄々とリラックスして演奏しいます。楽しげですらあります。気負いのなさがいい味を出しています。インタープレイなしでも、歌心あふれるフレーズは、やはりビル･エバンスならではです。緊張感溢れるインタープレイが聴きたければ、スコット･ラファロとやっている、名盤と呼ばれているアルバムを聴けばいいでしょう。
ビル･エバンスに興味がなくても、エレピ＝フェンダー･ローズ好きにはお勧めです。多分エバンスもフェンダー･ローズが好きなんですね。フェンダー･ローズがフロントでここまでフィーチャーされているのは珍しいです。この頃のフェンダー･ローズは内蔵された音叉をハンマーが叩き、その音をピックアップマイクで拾って、アンプを通してスピーカーから音を出すという仕組みです。アナログですね。打楽器としてのアコースティック･ピアノと基本的な仕組みが同じですので、音色は違いますが音の特性が似ています。
両楽器の音色の違い、音の立ち上がり(アタック)と減衰(ディケイ)の違いによる曲の雰囲気の変化というのも聴きものです。さすがに倍音の伸びはアコースティック･ピアノの方が上です。スタインウェイですしね。
スタインウェイ vs フェンダー･ローズ。個人的な判定では10対10のイーブンです。

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ジャズとしてではなく
さて、ビル・エバンスがエレクトリック・ピアノを弾いてる時点で
邪道だのおかしいだの言う
これっておかしくない？って思っちゃうんだよねえ
演奏者も人間なのね。
だから、色んな事に挑戦したくなる
この、アルバムは音質的には不安定なものはあるけれど
曲としては物凄く良いものがあると思いますよ。
この演奏が一部の人から遠慮されてるのは多分、ジャズとかけ離れた雰囲気があるのも問題点の一つとなってるんでしょうね・・・
これは、ジャズ！！ではなく別のジャンルの曲として考えればいいんじゃないかな？
実際に聞いてみると本当に落ち着いたメロディーと編成でどちらかと言うとイージーリスニング的な感じが強く出てます。
っと、こうみるとエバンスのジャズを期待してって人には肩透かしって事になっちゃうんですよね。
だから、ここで言える事はジャズとしてのエバンスを求めてる場合は
あまりお勧めできません。
後はちょっと人によっては古臭さを感じてしまうのでそこら辺も考えた方がいいかもしれません。
違う面のエバンスを聞いてみたい、落ち着いた空間で聞きたい、エレクトリック・ピアノが好きな人には最適といえますね。

星５なのは当然自分は好きだから！！それだけです。

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ビルエバンスの
一般的に知られているアルバムは、どれも緊張感や綿密なトリオものだけど、このアルバムは、それらをいつも聞いていた者には、どこか物足りなさを初めは感じるけど、特に寝付けない夜に聞いて欲しいアルバムです。リラックスアルバムといったら、ムーンビームスやアフィニティなどが挙げられるけど、このアルバムは、それらのアルバムに比べてバラエティーに富んでるし、何より聞いていると、不思議とフワフワした感じで、とても気持ち良くなります。これもエレピのせい!?とにかく、エバンスのアルバムは、こうだっていう先入観を捨てて、聞いてもらえると、普通に今聞いても、よく出来たアルバムって、わかりますよ。

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モーガン最大のヒット
いわゆるジャズ・ロックという現象を引き起こし、ジャズ・アルバムがダウンビートで上位にランクされることを実証した記念すべきモーガンのヒット曲。表題曲Sidewinderがあまりにも有名だが、全曲彼のオリジナルで巻き返しを狙った意欲作でもある。モーガンに関しては早くから天才少年と呼ばれ２０歳そこそこで恐るべきテクニックと表現力を見せ付けていたが、ハード・バップやファンキー ブームが去り、時代がフリー・ジャズや新主流派と呼ばれるモード奏法を取り入れた６０年代に入ると、モーガンよりもフレディ・ハバードの方がスマートでフレキシブルなトランペッターとして多くのセッションに名を連ねることになる。そんな折、起死回生を狙い、打って出たのが本アルバムであった。ブルーノート４０００番台でも最も売れたばかりか、ジャズ・アルバムとしても破格のヒットとなった。しかしこの路線で当てたことで得た名声や富と引き換えに、モーガンの歌心や持ち前のジャジーでスリリングな感覚はやや遠ざかってしまった感があったことも事実であろう。その後は模索を重ねながら駆け抜けるように３４歳で逝ってしまったモーガン。輝かしさと寂しさを感じさせる最大のヒット作である。

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ボブのイントロ
The Sidewinder。
この曲のかっこよさはどうだろう。
何といっても
Bob Cranshaw(b)の渋いイントロが、
この曲を特別なものにしていると感じるのは
私だけだろうか。
近年、よくカバーされるが、
オリジナルを超えられないのは
「ボブの渋いイントロ」がないから。
というのは言いすぎか？

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こんなに安くて良いのでしょうか？
リー・モーガンを一躍有名にしたタイトル曲は、あまりにも有名！曲名を知らなくても、一聴すれば、どこかで耳にしているあのメロディ。１９６３年１２月２１日録音のブルー・ノート４１５７番。ジャズ・ロック路線の始発駅となった一枚。持っていないと、ジャズは語れない。
それがこの価格なのだから、買うしかないでしょう。

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The Sidewinder
リーモーガンのアルバムの中で、最も有名なアルバムであろう。
６曲全てがオリジナルである。
タイトル名にもなっている「THE SIDEWINDER」はビ・バップの
好きな私には大変お気に入りの曲である。ボブ・クランショウ
のベースが非常に快適で、みんなノリノリで演奏している姿が想像できる。
「TOTEM POLE」はハリージェームスを思わせる力強さがあり、
ジョーヘンダーソン(ts)、バリーハリス(p)の演奏も光っている。

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名盤ではあり御勧め
名盤ではあり御勧め！絶対持って置くべき！また聴くべし！がきつく４点にしたがあまりにも名盤しすぎてジャズの世界も通り抜けている！ジャズファンはそんな点からよしあしを自分で見つけて自分の世界を作るためにも絶対持っておくべきであろう！が、私なりにはCandyの方が好きだ！これも私なりの意見でありこれがひとりひとりのジャズ界の意見であろう！値段もよそで買うより絶対特！持って、買って意見を述べる、聴くのがジャズの世界！そこがまたいいんだよね～

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深夜に聴くとホロリとする
６３年録音だから、もう４０年以上も前のアルバムだが、こんなおしゃれなアルバムはなかなかない。バレルと言えば５７年のブルー・モードや７５年の「エリントン・フォエバー」も名盤として名高いが、なんといってもベストはこれ。いわゆるジャズ・スタンダード・ナンバーは入っていないけど、どの曲も洗練された美しさだ。もちろん、スタンリー・タレンタインのサックスもいいのだけれど、無名のビリー・ジーン・イングリシュ（ドラム）やマジョール・ホーレー（ベース）も小粋な演奏を繰り広げる。アルバム・タイトルではないが、深夜に聴くと、ホロリとする。（松本敏之）

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ほんとうの大人の夜のニューヨークのたたずまいがする・・・
Kenny Burrellは、数年前に大阪のブルー・ノートでのセッションを楽しませてもらいましたが、久々にCDを買いました。
まさに、MidnightBlue!!
ほんとうの大人のジャズですね。夜のニューヨークのたたずまいがする感じがします。

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ミッドナイトブルー
Ts.Stamly Turrentine
G.Kenny Burrell
B.Major Holley Jr
Conga.Ray Barretto

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男の辛口
ブルー･ノートのRVG editionになってるし、色々なところでリコメンドCDになってる。でも、知ってる曲ないし、ほとんどバレルさんのオリジナルだし、と弱気に手を出せずにいました。

でも、ついに買ってしまったわけですが、大満足です。オリジナルがかっこいいんですね。この人のメロディーセンス素晴らしい。特にタイトル曲の4と7曲目なんて、たまらないですねぇ。

タイトルが示すように、夜が非常に良く似合うアルバムです。部屋の明かりをちょっと暗くしたくなります。これを聞きながら、夜の散歩にでも行きたくなってしまいます。

編成がいいですね、テナーにスタンリー･タレンタインこの人、渋くて、辛口でよくあってます。あとベース、ドラムで終わらずコンガが入っているのがまた効いてますね。

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ジャズギターやる？
おもわずジャズギターをやりたくなる名盤（私もそうでした）！カッコいいジャケット通りにカッコいい演奏が詰まってます。スタンリー・タレンタインもクール！ブルージィーで聴き易く初心者にもオススメです。特にタイトル曲は深夜ウイスキーをチビチビやりながら聴くとハマリますよ～。

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ジャズのグルーヴとは何かを教えてくれる傑作
ピアノトリオの抒情的な美しさを極めたのが、ビル・エバンスの「ワルツ・フォー・デビー」とすれば、この「Night Train」は、ジャズのグルーヴを存分に味わわせてくれる名盤だと思います。とにかく気持ちよいスイング感に身を委ねられる、広く薦められるアルバムです。

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自由への、、、
自由への讃歌のためだけに購入したといっても過言じゃないCDでした。素晴らしすぎます。圧倒的な美しさがあります。いや、他の収録曲だって素晴らしいんですが、もう何よりHymn to
Freedomがただただ素晴らしくて。

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Oscar Peterson Trioの名盤
オスカー・ピーターソン・トリオのCDの中で最高の一枚だと思う．ピーターソンのテクニックだけでなく，バックのベース，ドラムスとの絡みも秀逸で大いに楽しめる．まさに名盤．このCDの「C-Jam Blues」は特に好き．

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有名で定番とも言えるボサ・ノヴァのアルバムですね
『Getz/Gilberto』は、ボサ・ノヴァを代表するアルバムだと言われています。実際よく売れましたし、アストラッド・ジルベルトが「Girl from Ipanema（イパネマの娘　原題Garota de Ipanema）」を歌ったことによって、彼女が世に知られた初出アルバムとして現在でもよく聴かれています。

ヨーロッパで不人気だったスタン・ゲッツが、アントニオ・カルロス・ジョビンのサウンドとジョアン・ジルベルトの歌と出会ったことは幸運をもたらしました。このセッションは異文化コミュニケーションの一つの姿だと思います。時折、ゲッツのジャズ・テイストが雄弁になりますが、ブローすることなく雰囲気を合わせています。

ジョアン・ジルベルトの力の抜けたヴォーカルがいいですね。軽快な「Desafinado」では、ポルトガル語が本来もっているリズムをよく音楽に乗せています。この軽みの極致がボサ・ノヴァの真髄と言えましょう。

「Corcovado 」の１節目を英語で歌うアストラッドと、２節目を歌うジョアンの雰囲気は抜群でとても良い感じです。その後、この夫婦におとずれる離婚をこの時は誰も予感すらしなかったと思います。

「So Danso Samba」も典型的なボサ・ノヴァ・サウンドです。カルロス・ジョビンの曲をゲッツは好きに吹きまくっています。ジョアン・ジルベルトが歌いたい音楽とは少し違うでしょうが、ジャズとボサ・ノヴァの融合という意味では成功した演奏だと思います。

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ボリュームを大きくして聞いてみると・・・
スタン・ゲッツ、ジョアン・ジルベルト。アントニオ・カルロス・ジョピン、ジョアンの妻アストラッド。音楽に余裕があって、隙だらけのようだけれど、実はポイントポイントにそれぞれが主張する「音」が結構大きい音で入っています。ボリュームを小さくして聞くと邪魔にならないけれど、大きくして聞いてみたり、実際にバンドでコピーしてみたりすると、所謂「癒し系」の音楽ではなく、結構ハードなセッション作品です。ゲッツのソロがテンションコードを使っていないでわりとおとなしめの音選びなので、耳触りがいいのですが、息遣いを感じてじっくり聞くと、改めて聴き応えあり！です。

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不朽の名作
スタン･ゲッツとジョアン･ジルベルトがアントニオ･カルロス･ジョビン
をフューチャーして、１９６３年にニューヨークで録音された作品。
３年に渡る欧州でのブランクによって散々酷評を受けたスタン･ゲッツ、
ボサノヴァリズムを作り上げたバイーア出身のジョアン･ジルベルト、
多くの作曲もリズムに恵まれなかったアントニオ･カルロス･ジョビン。
野合との指摘もあるが、３人の奇才によってこの傑作が生まれた。
そして、この背景には当時ヴァーヴだったクリード･テイラーが
プロデュースを担当していることも付け加えたい。結果、
多くの賛同を得てスタン･ゲッツは本作でグラミー賞を受賞し、
白人テナーとしてのゆるぎない地位を得た。
また、本作は純粋な音楽とは違った側面からも多くの注目を集めた。
ジョアン･ジルベルトとスタン･ゲッツの音楽性の違いからくる確執や、
本来、ギターとヴォイス程度の素朴な編成からくる音楽にサックスが
執拗に入り込んでくるこの作品は果たしてボサノヴァといえるのか？
等、様々な論議をかもし出した。しかし、その音楽性は極めて豊かで、
いわゆる純粋なボサノヴァの作品の追随をも許さないものがある。
それが顕著に出てくる場面は３者それぞれ特徴的で、
スタン･ゲッツのバッキングプレイと、ジョアン･ジルベルトの声とギター、
そして、アントニオ･カルロス･ジョビンのピアノである。
いずれも”ささやく”ような演奏に徹していて、決して前に出てこない。
しかし、ハマッタポイントに音を入れてくるので非常に目立つ。
静かな音にも明確な主張が見て取れるのだ。
ボサノヴァに限らず、ブラジル音楽を聴く上でこの作品を欠かす事は
出来ない。いや、この作品の与えた影響はジャズを始めとした多くの
国の音楽に色濃く現れており、音楽を聴く方全てが耳にすべき音では
ないかと思う。それだけ画期的なのだ。今聴いても実に新鮮である。

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夏の夕暮れにピッタリ
もう４０年以上前の１９６３年の録音で、ボサノバとジャズを融合させ全世界で大ヒット。仕掛け人はのちにＣＴＩレコードを創設するプロデューサーのクリード・テイラー。面子はスタン・ゲッツ、ホアン・ジルベルト、カルロス・ジョビンと豪華。あまりに有名になった一曲目「イパネマの娘」でジルベルトの美声と、妻のアストラッドのちょっとヘタで、ちょっと危なげなヴォーカルが話題を呼んだ。この「超名盤」何度聴いても古びず、飽きない。夏の夕暮れにピッタリ。殺伐とした日常を忘れてイパネマ海岸にひとっ飛び。（松本敏之）

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あえて苦言を
１９６３年録音のスタンゲッツとジョアンジルベルトによる名作の誉れ高い作品。アントニオカルロスジョピンやジョアンの妻アストラッドも参加。グラミー賞という勲章により実質的にアメリカにボサノヴァをもたらした功績もある作品でもあります。しかし敢えて言うなら、ゲッツのソロが、ンパァ～っと大きく入ってくるパターンに少し違和感を感じることが。ボサノヴァの静謐さを破って、いきなりムードミュージックっぽくなる気がして。決して嫌いというわけじゃないし、作品の偉大さを損ねてるわけでもないんです。例えば大根にフォアグラが載った料理があるじゃないですか、その場合大根とフォアグラは別々に食べたいというか。この作品に関していうとこの味付けで引き寄せられる聴き手も多いでしょうしね～、難しいところです。

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これを歴史的名盤と言わずして何をか言わんや
『リターン・トゥ・フォーエヴァー』のアルバムは発売当時、ジャズ・ファンの間で賛否両論を巻き起こした後、大ヒットした作品です。従来の難解なジャズとは無縁のとても親しみやすいメロディを持っており、チック・コリアの作品の中でも一番好きなアルバムです。この作品が、フュージョン時代の幕開け、もしくはフリー・ジャズからフュージョンへのターニング・ポイントになったと感じました。

地中海に面したスペインの明るさが彼の音楽の至る所から聴き取れます。チック・コリアも最初、ラテンバンドからプロデビューし、その出自もあって、ここではラテン・テイストに彩られた生き生きとした演奏を繰り広げています。

チック・コリアのリーダー・アルバムであると同時に「リターン・トゥ・フォーエヴァー」というグループによる初の組み合わせによって生まれた斬新なアルバムですので、新グループ誕生によって生まれたジャズ界における化学反応だと思います。

チック・コリアの才能は勿論ですが、メンバーの個性あふれる音楽性がぶつかり触発されて更なるインプロヴィゼーションが生まれる過程において、このような後世にまで聴き継がれる名盤が生まれたのだと思っています。ジョー・ファレルの爽やかな音色のフルートや軽快なアルト・サックス、スタンリー・クラークのベース、アイアート・モレイラのドラムス、そしてフローラ・プリムのスキャットのからみは実に見事です。

ラストの名曲「Sometime Ago/La Fiesta」は、ラテンとボサ・ノヴァとジャズのテイストが交じり合い、重なり合い、互いに影響しあい、どんどん触発された音楽が展開されることで従来の音楽ジャンルでは捉えきれない魅力を内在したものとなったのです。
勿論、フュージョンというジャンルに分類してもいいのですが、少し前の時代を席巻したフリー・ジャズの難解さとは無縁の音楽という点に目を奪われると軽い印象を持ってしまいがちです。
物凄く奥が深いジャズで名盤の誉れが高いのは当然です。文句なし。

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自由で軽い
ジャケット通り、青い空を鳥が飛び回るが如くの軽快さをエレクトリックピアノの優しさが包みこみ聞いていてとても気持ちがいいです。
その一方でリズム隊は熱く聞き応えも充分あるのですが、あくまで雰囲気を壊さないのが凄い。そして僕が一番びっくりしたのはこれが1972年にレコーディングされたということ。もう35年も前のことなのに、全く古さを感じません。
ジャズやフュージョンに興味が無い人でも受け入れられるかなりの名盤だと思います。

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永遠への回帰の始まり
1972年発売当時、ジャズ関係のレコードとしては異例のヒット作である。
そのため「コマーシャルだ」「ジャズじゃない」等の中傷も受けた名盤である。

エレキピアノ、フルート、ソプラニーノ、エレキベース、パーカッションという編成であり、ブラジル音楽風のヴォーカル曲、スパニッシュ風味のインスト曲、そして名バラード「クリスタル・サイレンス」。

チック・コリアのラテン的な特性とポップな感性のため、非常に聴きやすい音楽が紡ぎ出されている。ジャズ独特の緊張感は抑え気味に、ジャケット写真のような暖かく心地よいサウンドで満たされる。
しかし4曲目などではスタンリー・クラークのスリリングなプレイも聴かれるし、随所で聴けるアイアートのパーカッションの気持ちいいこと。

ビートルズなどのロック、ブラジル音楽、現代音楽などを消化したチック・コリアのジャズ的解答のひとつである。
スペーシーでインプロヴィゼーションに溢れた音響を作り上げたウェザー・リポートとは、また違う結論である。

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ジャズの聴き方を変えた一枚
　何をいまさら、と言われるかもしれないけれど、とにかく私にとって重要な一枚です。
　５０年代のマイルスやモンクからモダン・ジャズを聴き始めたため、ジャズというものは深刻に聴くもんだと思い込んでいました。
　ある日、教科書的存在だったＮＨＫ−ＦＭ「ジャズ・フラッシュ」本多俊夫さんの担当で、「Ｌａ　Ｆｉｅｓｔａ」がかかった時、本当に頭をなぐられたというか、なでられたというか、「こんなに聴き易い音楽もジャズなんだ」と、正に青天の霹靂でした。
　早速、Ｃｈｉｃｋ　ＣｏｒｅａのＬａ　Ｆｉｅｓｔａで曲名を頼りにレコードを探し始めたのですが…見つからないんですね。「Ｓｏｍｅｔｉｍｅ　Ａｇｏ」とのメドレーなのが分かって「カモメ」を手に入れるまで、随分かかりました。それが７０年代の終わり頃の話です。少し前ならば、リクエストしても断られるほどジャズ喫茶で毎日かかっていたそうですから、もっと早く見つかったんでしょうが。バンドの先輩方からは、お前何を今頃騒いでるんだ、とバカにされましたよ。
　で、その後譜面も手に入れたんですが、演ってみるとこれがむずかしい。オリジナルのキーはＥｍでこれは素人のサックスには手におえないキーなんですね。キーを変えると全然違った曲になってしまいます。仕方ないのでピアノソロに挑戦してもう２０年以上立ってます。
　えいや！の衝動買いをしたＦｅｎｄｅｒ　Ｒｈｏｄｅｓもこのアルバムの曲を弾くために買ったようなもの。（当時は可処分所得が多かった。）今は全く鍵盤にさわらない状態ですが、いつかきっと、と思ってます。
　私のオーディオ装置を買い換える都度、このＬＰ、そして今ではＣＤがチェックのため、引っ張り出されました。最初に真空管アンプを買った時、初めてＪＢＬのスピーカーを買った時、カートリッジをＳｈｕｒｅに変えた時、今のＣｅｌｅｓｔｉｏｎのスピーカー（中古）を「最後の大物」として買った時、ＤＥＮＯＮとＴＥＡＣのＣＤプレーヤーを２時間かかって聞き比べた時、それからそもそも輸入盤の方が音が良いということを発見した時（以来、ＥＣＭはすべて輸入盤です。）…。
　うつ病で入院していた時、ある日ふとこのＣＤの「Ｗｈａｔ　Ｇａｍｅ　Ｓｈａｌｌ　Ｉ　Ｐｌａｙ　Ｔｏｄａｙ」を口ずさんでいました。退院の前触れでした。

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ただただ・・音を楽しもう
何にも言う事はなく
ただただ・・音の世界に身を委ねるだけです
ＲＴＦの最高傑作と言われますが、
フュージョンの最高傑作じゃないかな〜
星が五つじゃ足りない気がする・・・そんな名盤ですよ

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奇跡の記録
　本作は6年ほど前に米国でリリースされて、一部で大変な話題になったビリー・ホリデイのCOLUMBIAの10枚組のボックスセットからの選りすぐりでお徳用盤。

　1933年から44年までの録音で、プロデューサーはジョン・ハモンド、音楽監督にテディ・ウィルソンを起用している。この一連のセッションの特徴は、バックのメンバーを固定していないこと。すなわちニューヨークを拠点とし、カウント・ベイシーがNYに来ればレスター・ヤングやバック･クレイトンを起用し、エリントンが来ればジョニー・ホッジスやベン・ウェブスターを、さらにはベニー・グッドマンやアーティー・ショウなど、当時の名だたるジャズメンの多くがレコーディングに参加して、まさに絢爛たるスーパーセッションの趣がある。しかもビリーはもちろん、バックの連中もキャリアの全盛期のひとがたくさんいて、聴き応え十二分、奇跡のセッションといっても大げさではないだろう。

　音質的にもリマスターが入念にされていて、音質が従来のものに比べるとかなり向上しているのも嬉しい（フレディ・グリーンのリズムギターがビンビンに聴こえるんだよね）。

　この盤の姉妹盤として、当時恋愛関係にあったとされるレスター・ヤングとの共演のみをセレクトした「MUSICAL ROMANCE」もまだ入手可能。このアルバムも素晴らしい編集で必聴。そしてできれば本家の10枚組ボックスの入手をオススメいたします。

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ビリー初期の代表作を集大成
ボブ・ディランやブルース・スプリングスティーンを世に送り出した米コロンビアの名プロデューサー、ジョン・ハモンドによって見いだされたビリー・ホリデイは、初吹き込みを終えると、ブランズウィック・レーベルで企画されたテディ・ウィルソンのピック・アップ・コンボの一員に抜擢された。それと並行して自身の名義による吹き込みも行われたが、基本的なメンバー構成はほとんど変わらない。それらの演奏の中から選りすぐった曲で構成される本アルバムでも、イントロのあとにすぐ歌が入るのがビリーの名義、先に演奏が入るのがウィルソン名義と思って間違いない。
ウィルソンは悪声のビリーを嫌っていた由だが、演奏内容からはそうした裏話は想像も出来ない。冒頭の１．はあまりにも有名な演奏だが、渋るグッドマンをハモンドがどやしつけてスタジオに来させたなどと言うことは、この演奏からはとても思いつかない。全身これスウィングの権化とはこのことをいうのだろう。
ディスク１の１１．や１４．におけるレスター・ヤングとのコラボレーションは、ミューズの化身と呼ぶに相応しい出来映え。ディスク２の１３．はビリー作の名唱。
個人的には、歌、演奏とも出色の"When You're Smiling"を入れて欲しかったが、１０枚組の全集まではどうも、という人には絶対の推薦作だ。

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時間からの開放
インストゥルメンタル・ジャズとしては珍しくミリオンセラーとなったTake Fiveを収録したこのアルバムは、5/4拍子のTake Fiveをはじめ、9/8拍子のBlue Rondo a la Turk、4/4と3/4が混同するKathy's WaltzやThree to Get Readyなど、聴いているだけでテンテコマイになってしまう内容が何度聴いても飽きません。（個人的にBlue Rondo a la Turkのテーマ部分は単純に4/3拍子であると結論付けました。ピアノは１拍３連でベースは１小節中最初の２拍を３連符で、３拍目は４部音符であるとすると数えやすいです。）

このような拍のとり方をバラエティに富んだ手法で取り入れた本作は「Time Out」というタイトルで、直訳すれば「時間切れです」が、固定的であった4/4や3/4拍子という「時間からの開放」という意味もあるのではないかと思います。

でもそういった理屈ぬきに聴いていて楽しいですし、デイブ･ブルーベックさんのメロディーメーカーとしての素晴らしさにただただ感動するばかりですし、デスモンドさんの優しいサックスの音色や、バンド全体の雰囲気を大切にするモレロさんのドラミングなど、どれをとっても最高のジャズアルバムで歴史に残る名盤であって当然だと思います。

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４分の５拍子のジャズってなかなかステキですよ
このＣＤに収められている名曲「テイク・ファイヴ」ですが、リーダーのデイヴ ・ブルーベックは、3+2拍子の5拍子という変拍子を本当に律儀に刻んでいます。一方メロディーを奏でるアルトサックスのポール・デスモンドは、とても柔らかくしなやかな音でスウィングしています。これだけ甘い音色のアルト・サックス、というのもなかなか聞けません。途中のドラム・ソロのジョー・モレロのアド・リヴもいつ聞いてもステキですね。

こんなに楽しいジャズもあるのだ、という見本のような演奏です。３０数年前ですが、ＣＭにこの曲が使われ、日本でも多くの人が知っているというジャズの名曲中の名曲でもあります。ジャズと変拍子という一見風変わりな組み合わせから、とてもステキな演奏が生まれました。最近でも、アリナミンのＣＭでお馴染みだと思います。

この『タイム・アウト』というアルバムは、全て変拍子のジャズの演奏ばかりを集めていますので大変ユニークですよね。

個人的には、1曲目の「トルコ風ブルーロンド」の9分の8拍子の曲も気に入っています。2+2+2+3拍子という刻みですので、スウィングできるのだろうか、というものですが、デスモンドの上手さが光る演奏です。そしてとても楽しい曲ですので、印象に残るのでしょう。

本当に何十回と聴いてきたアルバムです。若い世代の方にも是非聴いて欲しいものです。

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White　And　Cool！
Jazzの流れの中では本流って訳ではない（と思う）のだが、何かTAKE FIVEが日本人にもろにフィットしてしまうせいか、捨てがたい名盤。
個人的にはBlue　Rondoの方がすきなのだが。
これら二曲とStrange　Meadow　Lark　を除いては平凡な印象を受け、アルバムワークとしてのバランスはちょっと　と思ってしまうところはあり。
全体としてCoolというかお上品な感じが個人的には物足りなげだが、日本人受けはこの辺からも来るのだろうか。
何はともあれ天下の名曲Take　Fiveを祝して星四つというところ。

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モダン・ジャズとの出会い　
僕が最初にモダンジャズを意識して聴いたのがこのアルバムにあるテイク・ファイブではないかと思う。それは1960年代前半のことだと記憶する。その前にもディキシーランド・ジャズやスイング・ジャズさらにモダン・ジャズも耳にしていたと思うが、明確に「この曲はなんだろう」と意識し気にしつつ「これがモダン・ジャズなのか」と思ったのがこれだった。テイク・ファイブという曲名も割合早く知ったし、５/4拍子の変拍子ジャズだということも知った。おそらく姉に教えられたのだと思う。そういえばビートルズやローリングストーンズも姉からの入れ知恵で小学生ながらその存在を知った。確か背広のコマーシャルでこの曲が流れていたはずだ。50過ぎの世代には懐かしいテレビの一コマなのではないだろうか。その後ドリンク剤のCFでも使われたし、その意味では最もポピュラーなモダンジャズの名曲だといえる。ブルーベックが白人のピアニストの一番人気の座をずっと占めていたことを知ったのはもっと後からだが、ポール・デスモンドの美しい転がるような音色のアルト・サックスに当時魅了されたし、ジョー・モレロのドラムのリズムの正確さとスリル満点の即興性にも引かれた。いずれにしても最初の出会いは初恋のような甘酸っぱさがあり、いつ聴いても心がわくわくする。

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リラックスして聴く変拍子ジャズ
世の中には非常に複雑なキメや理解に苦しむほどの変拍子を得りにする音楽が数多くある。しかしそれらの音楽の殆どは決っして聴き易いものとは言えず、聴いてるだけで疲れてしまう音楽でさえ少なくないように思える。
この「Time Out」は変拍子ジャズの名盤として親しまれているが、先に挙げたような変拍子の「聴きにくさ」というものは一切無く、むしろリラックスして聴くことができるほど。特にこの珍妙なアルバムの1曲目を飾っている「Blue Rondo A La Turk」と、5拍子のスタンダードとして有名な「Take Five」の2曲はそのインパクトといい、メロディのキャッチーさといい、適度な緊張感といい、とても秀逸。
アルバム全体を通して実験的な作品であるものの、決っして取っ付き難いものでは無いので、未だ聴いたことは無い人も一度は手に取っていただきたい。

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ハンクモブレーの良さが出た一枚
ハンクモブレーのテナーの音の特徴は、浮遊感のある中間音にある。音を少し殺しながら出すアンイーブンなスモーキートーンがソウルフルだ。そんなモブレーのテナーの良さが目一杯に出たのが、この"Soul Satation"だ。決してぶいぶいにブローして大向こうをうねらせる訳ではないが、控えめで枯れたテナーが横溢する。その全てを語らないというか、そこはかとなく滲み出てくる侘び寂びの境地が我々日本人好みとも言える。コルトレーンやソニーロリンズといった豪快なブローを売り物とするテナーの巨人達とは、一線を画するプレーヤーであり、どちらかと言えばレスターヤング系に属する。シブイ個性的なテナーをお好きな方にはお薦めの一枚である。このブルーノートでは珍しいワンホーン盤のパーソネルは次のとおり。Hank Mobley(ts),Wynton Kelly(p),Paul Chambers(b),Art Blakey(ds).１９６０年２月７日録音。エンジニアは例によってルディ・ヴァン・ゲルダーとなっている。

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通して聞ける
ギリギリ十代の若輩者ですがこのアルバムは通して聞けます。
他のアーティストの盤も聞いてみましたが演奏より曲ありきなのかも。
ぶわっとした音が聞いていて気持ちよく曲もノれます。
･･･Web上ではあんまり評価されてないアーティストなのだと知ってびっくり。

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地味だが奥深い、そんな形容詞が似合うモブレーのベストプレー盤
無冠の帝王、とかアンダーレイテッドという形容がつく時によく登場するのがトランペットのケニー・ドーハムとテナーのハンク・モブレー。ともに実力がありながら地味で正当に評価されていないプレイヤーだ。出来、不出来がある点も共通しているが、つぼにはまると侮れないすばらしい演奏を聴かせ、とりわけ通好みというのが特徴でもある。それでも、ブルーノートに遺したリーダー・アルバムを始とする数多くのセッションへの参加は驚くほど多く、それだけ重宝がられた実力派であり、ミュージシャンライクのプレイヤーということにもなろう。60年代初頭にマイルス・デイビス・クインテットに参加したことで、モブレーの知名度はさらに上がったが、反面、同バンドでサムデイ・ウイル・プリンス・ハズ・カムに客演したコルトレーンと比較されたことによって、評価は地に落ちてしまった。これは相手が悪すぎたのであり、モブレー本来の実力の半分も出し切れていない不本意な録音である。それに引き換え、ブルーノートのリーダー・アルバムでの力みのないスムーズで乗りに乗ったプレイは、モブレーのすばらしさを十分に実感できる。とりわけ本アルバム、ソウル・ステーションはワンホーンというフォーマットでもあり、モブレーの魅力が遺憾なく発揮され、彼の最高傑作といってよい快演である。ロリンズ、コルトレーン、グリフィンも良いが、ときには中量級の音量でよどみなく、リラックスしたサウンドのモブレーに癒される。しかもソウルフルなパッセージでこれぞジャズというエッセンスも過不足なく持ち合わせている。ウイントン・ケリー、ポール・チェンバース、アート・ブレイキーという当代きってのリズム・セクションとの相性もすこぶるいい。





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長年連れ添ってゆけるジャズアルバム
何ともなしに寂しい感じ（悲しい、まではいかないのがポイント）。
どこか懐かしい感覚。落ち込んでいる友達に何も言わず、そっと缶コーヒーを
渡すようなさりげない優しさ。
ハンク・モブレーのテナーサックスの音色は、こういったものを連想させます。
演奏もモブレーのそういった魅力を大切にしており、力強さではなく、
しなやかさを重視し、ムードを生むことにその力を注いでいるよう感じます。
ハードバップのカテゴリにありながらかなり砕けた曲が多いアルバムでもあり、
マイナーキーの柔らかなメロディを繰り返す「remember」、ポップスにも通じる
テンポでソロを披露する表題曲などはなかなか斬新だと思います。

前衛性、即興の瞬発力や鮮やかさはなくとも、長年連れ添ってゆけるだけの
温かさ、情感に満ちている。良い意味で敷居が低く、間口が広い。
素晴らしい作品だと思います。のんびりと過ごしたい時にどうぞ。

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ハンク・モブレー生涯のベスト
ブルーノート・レーベルを代表するだけでなく、ハード・バップを代表する一枚がこの「ソウル・ステーション」。１９３０年生まれのモブレー３０歳の時、１９６０年の録音。ウントン・ケリー（ピアノ）、ポール・チェンバース（ベース）、アート・ブレイキー（ドラム）と当時の黒人のトップ・ミュージシャンをバックにモブレーが吹きまくる。モブレー作曲の「ディス・アイ・ディグ・オブ・ユー」に加えて、表題曲の「ソウル・ステーション」がごきげん。ウイントン・ケリーのピアノのスイングぶり、ブレイキーのドラムソロも素晴らしい。まちがいなくハンク・モブレー生涯のベスト。録音は名手ルディー・ヴァン・ゲルダー(松本敏之）

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威風堂々
若き活力に満ち溢れた、フレディ・ハバードのデビュー作。
ジャケットのハバードの堂々とした立ち振る舞い、そして少し幼さも残る笑顔に
「これは！」と何か閃きの様なものを感じて聴きましたが、素晴らしい作品でした。
全６曲（別テイクを入れると８曲）非常にバリエーションに富んだ内容で
通して楽しめます。
終始一本調子のハードバップのアルバムをよく見かけますが、これを見習ってほしい所。
中でもティナ・ブルックスによる１曲目と３曲目は秀逸。
印象的なイントロ、途中で転調を挟む展開と非常に鮮やかな出来映えです。
また彼の吹くテナーサックスの音色も落ち着いた、ムードあるもの。
この作品は彼の貢献が非常に大きいと言えるでしょう。
若さに乗った力強い作品。かなりいかついリズムで進む曲もあるのですが、
全く聴いていて疲れません。激しい曲の中にも豊かな情感、安らぐ空気が
流れています。そこらへんが天才たる所以ではないかと思います。

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まさに天才現る！！
最も現代的でいて、最もスタンダード、そして確かな技術と歌心を持ったFreddie Hubbardのデビュー作である。タイトルになっている一曲目のOpen Sesameは彼が天才と呼ばれた理由のよくわかる。曲の頭から終わりまで全てかっこいいのだ。しかも無理がない。まさにJazzのかっこよさを凝縮したような曲である。その上このＣＤのすごいところは、六曲すべてがかっこいいのだ。幼稚な表現のようだが、聴けばわかるかっこよさがこのＣＤにはあるのだ。選曲も非常に気に入っている。

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才能のかたまり
リー・モーガンやドナルド・バードといった新世代のトランペッターがクリフォード・ブラウンの後を追って華々しくハード・バップシーンのトランペッターとして登場したが、そんな彼らをと一味違った新しさを携えて登場したのがフレディ・ハバードだ。トランペターがややもすると陥りがちな、クリシェから脱却したフレイズは新鮮そのものであった。それはフリーと新主流派的なモードを貴重とした目くるめくテクニックや因習的なフィンガーワークと無縁な新たなトランペットスタイルによって可能になったのであろう。ハバードのワイドレンジな活動は器用貧乏という批判もあるが、これだけ有能なトランペッターは60〜70年代いや80年代を通じてもいなかったのではないだろうか。このアルバムはそんなハバードのデビューアルバムだが、すでに円熟し完成されたテクニックには舌を巻くばかりだ。

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スカッとハードバップ
ご存知Ｆ・ハバードのＢＮ初リーダー作。ジャケットはハバードの自信に満ち溢れた笑顔が印象的で内容も充実。デビュー作ということで何も失うものはないといった演奏が魅力的な１枚。サイドメンもＴＳのＴ．ブルックスも好演。幻の．．．といった形容詞がよく使われるこの奏者、非常に歌心のあるソロを聴かせてくれます。この６日後の録音のＢＮ４０４１のＴＲＵＥ　ＢＬＵＥ／Ｔ．ＢＲＯＯＫＳと合わせてどうぞ。