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退屈
小品集ですから仕方ないですが余りにもサラッとし過ぎ、
ピーターソンらしいダイナミズムがありません。
本来の意味での「イージー・リスニング・ミュージック」。
同じヴァーブ時代でももっと良いのが沢山あるし。

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ジャズ界の巨星　オスカー・ピーターソンを偲びながら・・・
昨年12月23日にオスカー・ピーターソンが亡くなりました。ジャズの世界では長寿とも言える享年83歳でした。

言わずと知れたジャズ・ピアノの巨匠です。いつの時代に録音された音楽も、安定した演奏を聴かせてくれるオスカー・ピーターソンの存在をもう少し評価してもよいのではないでしょうか。『We Get Requests』は演奏の良さ、録音の良さで定評のある名盤で、ジャズの初心者も愛好家も同時に満足させる内容なのが素晴らしいところです。

オスカー・ピーターソンの個性を一言で言えば「饒舌」なピアノと言えるでしょう。技術的に優れているのは勿論のことですが、華やかに軽やかに鍵盤を流れるがごとく弾く様は驚異的ですらあります。

元のメロディのモティーフを様々なバリエーションで聴かせていく手法は、後のジャズ・ピアニストに多大な影響を与えました。世間の人がイメージするジャズ・ピアノ演奏の典型でしょうね。そのトリオでの演奏スタイルは、今聴いても全く古さを感じないさせないばかりか、ハッとする鮮やかな冴えをみせます。

このＣＤに収められている「コルコヴァード」「酒とバラの日々」「ユー・ルック・グッド・トゥ・ミー」「イパネマの娘」「タイム・アンド・アゲイン」というファンのリクエストから選ばれたスタンダード・ナンバーは、美しくもあり、スウィング感に溢れた見事な演奏です。
レイ・ブラウンのベースとエド・シグペンのドラムスも、ともに雄弁でピアノとの息がとっても合っていて、どれもご機嫌な仕上がりになっています。それでいてベースもドラムスも邪魔にならないようにピアノをひき立て、上手くからんでいく見事な演奏が続きます。
ジャズって本当にステキだな、と思わせるような名盤だと言えるでしょう。

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バーゲンプライス？
ジャケットも音源も同じなのに通常ＣＤとでは似て非なる物！まるで立ち見から特Ｓ席に席替えしたみたくピアノが際だつから不思議。紙ジャケでないのが唯一残念だけど、個人的には価格を超えた素晴らしいマスタリングに太鼓判

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まさに“JAZZの教科書”
全ての曲が、まさに“JAZZ”。
ドラムも、ピアノも、ベースも、聴いて、練習するには、こんなに良いアルバムは無いと思います。スウィング感も抜群！
ただ、それがゆえに、少し面白みにかけるかもしれません。
まぁ、その部分は、好みですので…。

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誰もが安らかになれるピアノトリオ
オスカー・ピーターソンの数あるアルバムの中で、これがベストのものと誰もが選ぶ傑作アルバムです。数十年前から、音楽ファンばかりではなく、オーディオファンも必ず持っているべきアルバムと言われてました。そのせいか、LP、SACDに、CDもマスタリングの違うアルバムもありますので、5枚ほど持っています。
LP版では、B面のトップ、レイ・ブラウンのベースで始まる、You Look Good to Meを何度聴いたことか。聴きやすい演奏ですので、ジャズファンならずとも満足度は高いでしょう。とにかく、何十年聴いても飽きないすばらしいアルバムです。

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sergio「the look of love」＋fergie & will.i.am ＝ 絶品です
セルジオのアルバムを買ったのは初めてです。
will＆sergioによる編曲により、fergie の歌がとても似合う仕上がりになったバカラックの名曲１を試聴しただけで即決、
結果はとってもオーライでした。

成功を収めた前作「timeless」で組んだwill.i.amと再び取り組んだアルバム。僕にはこちらのほうがポップに感じてとっつき易い。
サポート陣で気に入ったのは、まず本職はBのはずのPaul Jackson Jr、１で見せるGワークはソロはじめ、とにかくカッコイイ。
それから、BのAlphonso Johnson。８曲でBを担当しているが、特に１と３のライン構築は対照的で素晴らしい。

ところで、セルジオさんはrhodes 73といつもクレジットしているのでしょうか。
７３鍵ローズPへの愛着と誇りが、ナチュラルで素晴らしい音色のバッキングやソロに現れているように感じるのは気のせいかな。

夏にピッタリで、かつ懐も深い、良いアルバムです。

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壮大なる海のジャズ絵巻
完璧だ。

抒情に富んだわびさびの利いたテナー。喜怒哀楽のある力強いトランペット。George Coleman(ts)とFreddie Hubbard(tp)の表現力豊かなプレイが素晴らしい。リーダーハンコックの作り出すビートのキャンバスの上に壮大なる海の絵巻を書き上げていく。ホリゾンタルなコールマンとヴァーティカルなハバートが良いコントラストを成す。その色彩感覚は限りなく繊細で豊かだ。リズミックなタッチで、「波」を表現するかのようなリズムセクションの波動も見事。的確なリーダーシップで航海図を描いて行くハンコックのピアノ。臨機応変なトニーのドラムス。やはり彼は柔らかなものをやらせても上手い。しっかりボトムをキープするカーターのベース。文句なしだ。

海をテーマにしたコンセプトアルバム。「初めて航海」に出た船が、「ハリケーン」に遭遇し、「小さな生き物」を発見し、「適者生存のルール」を体験し、悠然と泳ぐ「イルカの群れ」に出会う。目を閉じ耳を済ませて聞けば、収録された曲のタイトルの情景が浮かんでくるような壮大で美しいジャズ物語である。

"Empyrean Isles"と"Speak Like A Child"の間にリリースされた、ハービー・ハンコックのブルーノート第５作。１９６５年５月の録音で、Tony Williams(ds), Ron Carter(b)（二人は当時のマイルス・デイビス・クインテットでハービーとリズムセクションを組んでいた）とFreddie Hubbard(tp)が前作から続いて、元メンバーのGeorge Coleman(ts)がトラで参加している。ショーターでなく彼を呼んだことが、成功要因の一つに上げられるだろう。前述の２作と合わせて、ブルーノートのハンコック３部作と言えよう。

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実はコマーシャル･ジングルだった！
新主流派またはハンコックの代表作として有名なアルバムです。このアルバムにケチをつける人はいないでしょう。初心者にも安心して薦められるアルバムです。
特に1曲目のタイトル曲'Maiden Voyage'は名曲としても有名です。この曲が嫌いな人はいないでしょう。これについては、いろいろな角度からほとんど語りつくされた観がありますが、あまり知られていない逸話があります。実はこの曲はもともと髭剃りのコマーシャルのために作られたものです。それを元にアルバム用に書き下ろしたのが、かの有名な'Maiden Voyage'なのです。ハンコックってこの頃から何気にコマーシャルだったんですね。

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「海」を見事に表現したジャズアルバム
ビル・エヴァンスの後にマイルスバンドにやって来たピアニスト、ハービー・ハンコック。
彼はビル・エヴァンスが切り拓いた叙情的な表現やモードの手法を既に完璧にマスターしていた。
また、そしてマイルスがそうであったように、７０年代にはファンク、そして最近では
ヒップ・ホップやドラムン・ベースに至るまで貪欲にジャンルを吸収し、完全に自分の中に取り込み、
常に時代の先を見据て行動できる優れた音楽家である。

このアルバム製作時、ハービーはマイルスバンドに在籍中であったが
マイルスが療養中であったため各メンバーはそれぞれソロ活動中であった。
そのメンバー「＋α」でハービーがリーダーを執ったのがこのアルバム。
にもかかわらず、マイルスバンドとは異なる感触を持った作品を生み出した。

タイトルが示すとおり、壮大な海をアルバム全体のモチーフとして扱っていて緩やかなトーンに統一されている。
いつもは高等数学的で奔放なドラミングのトニー・ウィリアムスのスネアも抑制されていて無数の小波のように散りばめられている。
ハービーのピアノも広大な海の息遣い表現すべく繊細なタッチで、
ロン・カーターのベースはぴったりそれらにくっついてうねりを生み出す。
管楽器陣の紡ぐ音は大海原に反射する太陽光であり、あたかもその上に存在する空間そのものを照らし出してるようだ。

海がテーマとして扱われて、しかもそれが似合うジャズというのは本当に数少ないわけだが、
ここではハービーの目論見通り海の雄大さ、そしてそこで育まれる神秘的な生命の流麗ないとなみまでどこまでも美しく描かれている。

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新しい論理で捉えようとする自然
ハービー･ハンコック、１９６５年の録音。

１９６３年から１９６８年に至るマイルス･デイビスバンドでの活動
において、「ウォーターメロンマン」に代表されるジャズ･ロックの
流れから、モード･ジャズへと傾倒していったハービー･ハンコック。

そのマイルス･デイビスバンド加入２年目に録音された本作は、正に
１９６０年代、ジャズの主流となっていったモード･ジャズを代表
する作品といえるだろう。

「コード進行からの開放」をテーマにしたモード･ジャズは、奏者の
技量を最大限に生かすことが出来る場である。だが、逆に言うと
その演奏にはそれなりの力量が要求されるわけで、当時の主流の音
といえども、それに携わることの出来る人材はそう多くいなかった。
その事は本作の共演者を見てもらえば、分かっていただけると思う。

共演者はフレディー･ハバード(tp)、ジョージ･コールマン(sax)、
ロン･カーター(b)、アンソニー･ウィリアムス(ds)の４人。

ウェイン･ショーターがマイルスバンドＯＢのジョージ･コールマン
になった以外は、正に当時のマイルス･デイビスバンドといった面々。

メインバンドとほぼ同じメンバー、クインテットという同じ形態で
モード･ジャズが録音されているのである。そういう意味でソロ作品
というより、本業を更におしすすめるためのサイドプロジェクトと
捉えた方が本作の正しい理解といえるのかも知らない。

そのモード手法のテーマに挙げられたのが、「処女航海」。

動と静。様々な表情を表す母なる海と、それに向かう真新しい船。
自然の中に人間の作った真新しい船が浮かび、美しい風景を構築する。

この事は、自然の表す「現象」と人間の理性からくる「論理」の共演
を意味するのではないだろうか。新しい技法であるモード手法を音楽
にもたらした１９６０年代の新鮮な空気が伝わってくるようである。

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音楽による絵画
～「処女航海」というタイトル通り、全曲「海」からインスピレーションを受けて作曲され、演奏されたコンセプトアルバム。曲そのものや、編曲によって統一を図るコンセプトアルバムは数多くあれど、演奏のパワーによって一つのテーマを表現し、またそれが成功している作品はそう滅多にない。ましてジャズの場合は各プレイヤーのアドリブがあるが、それをひっく～～るめた曲全体の「イメージ」が、これほどまでに美しく完成されているというのは驚き。聴いていると「穏やかな海」や「嵐」そして「イルカたちのダンス」のような情景を想像できる、まさに音楽による絵画だと思う。
ハービー・ハンコックはクラッシック畑の人でもあるから、こういう要素も持っていたのだろうか。～

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初心者をジャズの虜にさせるスリリングな演奏
　第１巻に劣らず、素晴らしいジャズ・ミュージシャンのスリリングなソロと、ライヴ演奏ならではの熱気、飛ぶように速い快速調の音楽の疾走感にワクワクさせられた一枚。
　五人の演奏家のなかでも、格別素晴らしいソロを聴かせていたのが、トランペットのクリフォード・ブラウン、アルト・サックスのルー・ドナルドソン、ドラムのアート・ブレイキー。彼らがメロディーを次々に受け渡してゆくところなど、乗りに乗った音楽のほとばしり、駆けめぐる躍動感に唸らされましたね。
　スーパー・エクスプレス並みの怒涛の速さで進んでいく第３曲「クイックシルヴァー」の演奏に、一等興奮しました。すごいなあ。しびれますねぇ。ちなみにこの曲、第１巻にも収録されていますが、こちらには曲の後に（ALTERNATE TAKE）とあって、演奏時間が１分45秒ほど長くなっています。（第１巻では６分58秒。第２巻では８分45秒）
　第１巻と同じ日（1954年２月21日）、同じ場所（ニューヨークの「バードランド」ステージ）で録音されたライヴ演奏。モノラル録音。
　中山康樹『ジャズの名盤入門』で紹介、おすすめされていたのを読んで聴いてみたのですが、ジャズ初心者にはたまらない吸引力と刺激にあふれた演奏でしたね。一聴、ノックアウトされてしまいました。

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伝説のライブ第２弾　熱くエキサイトするバードランド
バードランドの夜(2)はこの夜のブレイキー５重奏団の全貌を知る意味で（１）とともにそろえたいアルバムだ。クイックシルヴァー（別テイク）以外は別の曲だし、イフ・アイ・ハド・ユーではアルト・サックスのルー･ドナルドソンがフィーチャーされている。当時のドナルドソンはパーカー派の有望なアルト奏者だったであろうが、この夜の神がかった演奏は、まさにパーカーが乗り移ったようなすさまじさである。こんなに凄いプレイヤーだったのかと感心させられる。ソニー･スティットでさえこのようなスリリングなソロはできないであろう。リズムセクションも秀逸でホレス･シルバーの鬼気迫るピアノ、カーリー･ラッセルのワーキング･ベース、そして御大アート･ブレイキーのロールが冴え渡るドラミングと全員が何かに憑り付かれたかのようなプレイを展開している。もちろん最大の魅力はクリフォード･ブラウンの火を吐くようなトランペットのインプロビゼーションに尽きる。ブラウンは相当エキサイトしてもバランスの取れたソロを見せる。その安定感やコントロールの見事さは天才の名にふさわしいものだ。テクニックが前面に出ることなく表現やイマジネーションを支えるための必要にして十分な技術が余裕を持って繰り出される。もちろんイマジネーションの非凡さは普通では限界を超えるテクニックが必要とされる。アート･ファーマーのようなイマジネーティブなトランペッターでさえ、ブラウンのソロと比較するともの足りなさを感じてしまう。その後のハード･バップ･トランペッターのほとんどがブラウンの後を追ったが、最後まで手が届かないところに彼がいたというべきであろう。これこそモダン・ジャズの金字塔といえる絶対お勧めのアルバムだ。

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史上最高のジャズライヴ
　1954年2月21日、アート・ブレイキーがクリフォード・ブラウン、ルー・ドナルドソン、ホレス・シルヴァー、カーリー・ラッセルを率いて録音したバードランドでのライヴは、ハードバップ誕生を告げるものとして夙（つと）に知られるところ。しかし歴史的意義だけではこれほど高い評価は得られなかっただろう。演奏の質の高さが最大の要因なのだ。当日の聴衆はくたくたになったのではないかと思われる白熱した演奏が次々と繰り広げられていく。若き天才ブラウニーの輝かしいソロ、正統パーカー派であることを証明するドナルドソンの熱いアドリブ、恐るべきパワーとテクニックを見せつけるブレイキー、アーシーな個性を発揮するシルヴァー。それぞれが十分実力を出し切っており、あらゆるジャズライヴ盤中、最高ランクのアルバムになっている。

　わたしは第2集を聴くほうが多いが、ドナルドソンのバラッドプレイ（“If I had you”）やシルヴァーの訥々としたソロ（“Now's the time”など）がとくに気に入っているから。“Wee-Dot”のブレイキーも素晴らしい。ブラウニーに関してはどうだろう、第1集のほうが面白いかな？

追記1）5曲目“Confirmaton”のあとバンドが“Lullaby of Birdland”を演奏しはじめるが、これはエンディングテーマ。LPはここで終わっていたのだ。CDには2曲（合計14分）が追加されている。

追記2）ジャケットデザインがLPと違うのでとまどう人がいるかも知れない。これは10インチで出ていたときのもので、カバーを開けるとなつかしいLPのジャケットが出てくる。

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火傷に注意！
イントロダクションに続いて、一曲目から飛ばすブレイキーさんのドラムからです。ツーホーンテーマが飛び出した瞬間といったら、もう堪りません。熱いですねぇ！2曲目ではvol.1でのブラウニーさんのワンホーンに対抗(?)してルー・ドナルドソンさんのワンホーンです。演奏時間は3分29秒と短いですが、なんとも、心をくすぐる演奏です。4,5とパーカーナンバーで締めです！

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余計なものはいらない。これぞテナーサックスの醍醐味。
1962年録音のデクスター・ゴードンの最高傑作。ゴードンのテナーの魅力を味わうのに
最も適したアルバムでしょう。その優しさ、大きさ、太さ、三拍子そろったテナーの音色
が存分に味わえます。リズム陣も、ソニー・クラーク、ブッチ・ウォーレン、ビリー・ヒギ
ンズと充実していて、中でもやはりクラークはゴードンにとって、まるで空気みたいな存在
で、優しく寄り添う様にしながらも、ブリリアントに響く、力強いプレイを聞かせてくれま
す。
1曲目「Cheese Cake」では甘いテナーのメロディに、酸味がかったクラークのプレイが
絡まって、甘酸っぱい癖のある出来栄えで何度聞いても飽きないなぁ。
2曲目「I Guess I'll Hang My Tears Out To Dry」は、まさに真骨頂ともいうべきテナー
の優しい音色が、胸をポカポカ暖かくしてくれます。
そして何といっても6の「Three O'Clock In The Morning」はイントロをはじめ、楽しくて
心地よくて、しょうがない1曲。ずーっと聴きたいぐらいで、終わりのチャイムが鳴るのが
残念なぐらい。
その他にも、ユニークなリズム解釈が面白い3や、おなじみ「Love For Sale」も、ゴードン
の伸び伸びしたプレイに、ビリー・ヒギンズの華麗なスティック捌きに唸らされます。

改めて思うと、デクスター・ゴードンほどワンホーンが似合う男はいなかったんじゃないで
しょうか？それは決してロリンズみたいに豪快に吹き回せるという意味じゃなく、ゴードン
の場合、本当に余計なものはいらないというか、彼の音色だけで満足できる、むしろテナー
一本だからこそ感嘆に浸れる気がするんだよな。ここに本当にテナーサックスの醍醐味が
ある。ずーっと、ずっと聴き続けたい一枚。是非おすすめ。

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キング・オブ・テナーのグレイテスト・アルバム
デクスター・ゴードンは実に息の長いプレイヤーだ。肺活量ももちろんだが、そのキャリアにおいての充実したプレイヤー人生のことを指しての表現である。これほどまでに骨太で音がでかく、それでいて繊細にスタイルを進化させ続けたプレイヤーは稀である。コルトレーンほど性急な求道者でなく、ロリンズの本能的ともいえる天性の才能への依存とも違う。そんな長いキャリアのゴードンゆえさまざまな名盤を生み出してきたが、本アルバムは彼の数ある傑作の中でも最高の出来であり、畢生の名作といえる。ゴードンのソロは歌心にあふれ、曲のテンポに惑わされることなく、音の一つ一つが粒ぞろいで立っている。70年代後半にデンマーク（コペンハーゲン）のカフェ・モンマルトルとノルウェー（オスロ）のクラブ・セブンで聴いたライブでも、彼のゆったりとした風格あるソロは、テナー・サックスのサウンドの粋とは何かを知らしめるものであった。そのときのピアノはケニー・ドリューだったが、ここではソニー・クラーク。どちらも名手だが、クラークの哀愁を帯びたバッキングに支えられ、力強く逞しくやさしく、そして奔放に吹きまくるゴードンが圧倒的だ。まさにキング・オブ・テナーのグレイテスト・アルバムだといえよう。今聴いても、まったく古さを感じない新鮮なサウンドだ。
　そのゴードンも共演のソニー・クラーク、そしてビリー・ヒギンズまでもがもうこの世にいない。

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MAIN STREAM JAZZ
映画ラウンドミッドナイトで俳優もしていたナイスなデクスターゴードン。このアルバムは今から４０年前のもの、そして彼の音楽的なキャリアでのピークであると思われる。レイドバックしたサックスソロについつい聞き惚れてしまう。バンド全体が見事にひとつに溶け合った瞬間がここにある。こういうことは非常にまれだと思われる。アメリカのジャズメンは多くがヨーロッパに逃げ出す、この人も例外ではない。そんな波瀾に富んだ人生のデクスター。バラードの美しさ、リズムセクションの充実感、ソニークラークのセンスのよいバッキングなどすべてが融合してこのアルバムを奇跡的に傑作にした。１０点中１０点

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トレーンが全身全霊を込めて作ったバラッド
トレーンのバラッド集。一見普通に聴くとおしゃれなＪＡＺＺアルバムという趣ですが、よく聴いてみるとトレーンが力いっぱい全身全霊を込めて音を紡ぎだしているのが分かります。ですので、それに気づくてしまうと聴いていてどことなく緊張してしまいます。いつも激しく吹くのが多いトレーンにしては、静かなアルバムで異色かもしれませんが、これもまた良し！なのです。これもまた超人気盤でＪＡＺＺを聞き始める人が通る道ともいえるでしょう。

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お疲れさん、ジョン様．．．。
このアルバムのレコーディングの時、コルトレーンは風邪気味で、体調があまりよくなかったらしい。なるほど、ハイスピード＆ハイテンションはやっぱりしんどい。本当は、スローライフを愛する、ノンビリ屋であったのかも。やっぱり、もっと長生きして欲しかった．．．と思う。

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ホントいい。
あんな激しい演奏するジョンがこんな美しいバラッドを....！！と思ってしまう程、初めはビックリ仰天＆無限に美しいアルバムです。
これは、特にジャズ入門の方にお薦めです。これ聴いてジャズっていいなあ....と思わなかったら、駄目です。
いいものはいいんですから！　個人的に３曲目『Too young to go steady』が好きです。この曲はChet Bakerが『Love Songs』という作品でも披露していました。名曲です。聴けば聴くほど、味が出でくるまるでスルメみたいな作品です。
まず聴いてみてください！！これ聴かないと、人生大損です。。笑

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ジャズ『バラード』の王道です。激しく吹きまくるコルトレーンのイメージに合わない、という評もありますが、何回聞いても飽きがこないだけでなく、どんどん良さが深まっていきます。
１９６２年秋から１９６３年春にかけては、本作の『バラード』だけでなく、『デューク・エリントン＆コルトレーン』、そして『コルトレーン＆ジョニー・ハートマン』という愛聴すべき録音が残された時です。

この情感溢れる作品群が同時期に収録されたことに対して、コルトレーンのマウスピースの調子が悪かったので、激しくブローできなかった、早いパッセージが吹けなかったという話がありますが、たとえそうだとしても、これだけ内なる思いを飾らずストレートに表現し得たということが、コルトレーンの名声を高めていますし、このアルバムが名バラード集として後世に残る所以だと思います。

求道者とも称えられ、『至上の愛』で聴くことの出来る真面目で直向なコルトレーンが、『バラード』では、少し自分を解放し、リリシズムに酔っているように聞こえるのはリスナーとしてもホッとしますね。
後にフリージャズの代表とも言える『アセンション』の世界に突入するわけですが、音楽を慈しんでいるという雰囲気は何事にも代えがたいものがあります。
マッコイ・タイナーのピアノもいいですね。

少しのフレーズを聴くだけでひき込まれ、名歌手の歌唱同様、奏でられる音の一つ一つをじっくりと味わいたくなります。ヴィブラートも過剰ではなく、曲の良さを最大限に表現しているこのアルバムこそ、ジャズ界に残した金字塔だと言えるでしょう。

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音を愛で口ずさめるコルトレーン
目の眩む様な数の音符を金属的なギスギスした音で激しく吹きまくり、最低音や最高音に執拗に挑み続けるサックス奏者コルトレーン。反面、無人島みたいに静かな本作を残すなど極端から極端への振幅も激しい演奏家だったように思う。この作品をリリースする以前にもViolets For Your FursやEverytime We Say Goodbyeなどサックスによる｢うた｣を披露していたが、聴き取りやすい少ない音数で｢歌心｣を表現する極意をこれだけまとめて聴けるというのはオリジナル作品としてはあまり例がないように思う。歌ものを楽器で演奏するためには肉声のような滑らかさをもって旋律を聴き手に届けなければならないが、そんなアナログ的な音を比較的出し易いサックスの特徴を存分に使い切った演奏が印象深い。原曲をいい具合に崩しつつも、重音やかすれを帯びる｢楽器を通した歌声｣は魅力的で、口ずさめるくらい聴覚記憶に強く残る曲が多い。また、単調に陥りがちなムードを変えるパーカッシブなピアノとドラムスの複合リズムで盛り立てるAll Or Nothing At Allの効果的な配曲も心憎い限りだ。

彼の中ではもしかしたら、過剰を通り越して限界を極めんとする前の束の間の休息だったのかもしれない。自分には数限りない音と限られた音の表現の間にどれほどの差があるのか今もってわからないのだが。

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暑い夏の癒しの音楽
ここ１０年くらい、いろんなジャンルのボサノバ・ヴァージョンに専念しているようでしたが、小野リサはやっぱりボサノバが最もしっくり来るように思います。今後も他のジョビンの音楽をカバーして欲しいです。

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小野リサによるボサ・ノヴァ・スタンダードの決定盤　ＢＲＡＶＯ！！
1997年に鬼籍に入られたボサ・ノヴァの父アントニオ・カルロス・ジョビンの生誕80周年を記念して録音した小野リサによるボサ・ノヴァ名曲集です。
カルロス・ジョビンもナラ・レオンも今は亡く、ジョアン・ジルベルトも77歳という高齢を迎え、アストラッド・ジルベルトも67歳であることを考えますと、世界的に見ても小野リサを抜きにしてはボサ・ノヴァを語れなくなっています。

近年、小野リサはボサ・ノヴァ以外の音楽ジャンルの曲も精力的にチャレンジしており、なかなかの多才ぶりを発揮していましたが、やはりボサ・ノヴァを歌わせると最高ですね。本領発揮という言葉で片付けられないくらいリズムも発声も発音も完璧な歌がそこに存在しています。これを聞かずしてボサ・ノヴァを語るをなかれ、という心境です。

ギターのパウロ・ジョビンは、ジョビンの前妻テレーザの息子ですし、ピアノは孫のダニエル・ジョビンですので、ジョビン・ファミリーと言えます。そしてジョアン・ジルベルトの前妻で大御所のミウシャが「コヘンテーザ」「ルック・トゥ・ザ・スカイ（ジェット機のサンバ）」の2曲で花を添えるという豪華な演奏陣です。

「イパネマの娘」での東洋的なイントロと後奏は小野リサの出自を意識したものでしょうし、「ワン・ノート・サンバ」「フェリシダーヂ」「おいしい水」というボサ・ノヴァを代表するような有名な曲は聞き惚れてしまいます。また「三月の雨」でのダニエル・ジョビンとのデュエットは最高でした。この軽やかさと爽やかさはブラジルの空気そのものでしょうね。

欲を言えば、「コルコヴァード」「デサフィナード」「ウェイブ」というカルロス・ジョビンの作品も吹きこんで欲しかったのですが、他のアルバムでは聴けない選曲も含まれていましたので大変満足しています。

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車でのんびり聞きたい
久しぶりの小野リサ節復活という感じがした。
積極的にアルバムは出しているのだが、何かもの足りませんでした。

今作品はジョビンへのトリビュートですが、小野リサの声はやはり
ボサノバと一番マッチすると強く感じました。

音楽的な事はいまいちわかりませんが、単純に仕事で疲れて
国道を運転しているときには最高の音楽です。

素人丸出しのコメントで恐縮ですが、単純に心地の良い音楽を
楽しんでいただけると自信を持ってお奨めしたいです。
特に小野リサに興味がなかった方にも最適だと思いました。

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作りこみすぎない音楽の魅力
本作については小野リサさん本人が「ふつうの、さり気ないサウンド」とコメントしていますが、じっさいに聴いてみてその通りの感想を持ちました。よく言えばリラックスしていて自然体、少し意地悪く言えば丹念に録音した感じがない（インプロビゼーション的）というか。ジョビンのスタンダード曲を、傑作アルバム"inedito"や小野リサさんの過去の録音をベースにしたアレンジで演奏しています。

やや物足りなさも感じますが、ここまで作りこまない、肩肘張らない自然な作品もある意味貴重かもしれません。シンプルであっさりしている分、何度も繰り返し楽しめそうですし、この潔さと即興演奏的な雰囲気こそボサノヴァの王道なのではないかとも思います。何より、過剰なアレンジでA.C.ジョビンの原曲の素晴らしさを壊すこともありません。

ちなみに、日比谷野外大音楽堂のジョビントリビュートコンサートのＤＶＤを買うか、このＣＤを買うか迷っている方がいらっしゃったら、私はＤＶＤをお薦めします。ゲストと参加アーティスト、曲のアレンジはＣＤもＤＶＤもほぼ同じなので、ボリューム（曲数）と映像がある分、ＤＶＤに軍配があがります。