Amazon人気商品ランキング／ジャズ・フュージョン

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トレーンが全身全霊を込めて作ったバラッド
トレーンのバラッド集。一見普通に聴くとおしゃれなＪＡＺＺアルバムという趣ですが、よく聴いてみるとトレーンが力いっぱい全身全霊を込めて音を紡ぎだしているのが分かります。ですので、それに気づくてしまうと聴いていてどことなく緊張してしまいます。いつも激しく吹くのが多いトレーンにしては、静かなアルバムで異色かもしれませんが、これもまた良し！なのです。これもまた超人気盤でＪＡＺＺを聞き始める人が通る道ともいえるでしょう。

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お疲れさん、ジョン様．．．。
このアルバムのレコーディングの時、コルトレーンは風邪気味で、体調があまりよくなかったらしい。なるほど、ハイスピード＆ハイテンションはやっぱりしんどい。本当は、スローライフを愛する、ノンビリ屋であったのかも。やっぱり、もっと長生きして欲しかった．．．と思う。

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ホントいい。
あんな激しい演奏するジョンがこんな美しいバラッドを....！！と思ってしまう程、初めはビックリ仰天＆無限に美しいアルバムです。
これは、特にジャズ入門の方にお薦めです。これ聴いてジャズっていいなあ....と思わなかったら、駄目です。
いいものはいいんですから！　個人的に３曲目『Too young to go steady』が好きです。この曲はChet Bakerが『Love Songs』という作品でも披露していました。名曲です。聴けば聴くほど、味が出でくるまるでスルメみたいな作品です。
まず聴いてみてください！！これ聴かないと、人生大損です。。笑

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ジャズ『バラード』の王道です。激しく吹きまくるコルトレーンのイメージに合わない、という評もありますが、何回聞いても飽きがこないだけでなく、どんどん良さが深まっていきます。
１９６２年秋から１９６３年春にかけては、本作の『バラード』だけでなく、『デューク・エリントン＆コルトレーン』、そして『コルトレーン＆ジョニー・ハートマン』という愛聴すべき録音が残された時です。

この情感溢れる作品群が同時期に収録されたことに対して、コルトレーンのマウスピースの調子が悪かったので、激しくブローできなかった、早いパッセージが吹けなかったという話がありますが、たとえそうだとしても、これだけ内なる思いを飾らずストレートに表現し得たということが、コルトレーンの名声を高めていますし、このアルバムが名バラード集として後世に残る所以だと思います。

求道者とも称えられ、『至上の愛』で聴くことの出来る真面目で直向なコルトレーンが、『バラード』では、少し自分を解放し、リリシズムに酔っているように聞こえるのはリスナーとしてもホッとしますね。
後にフリージャズの代表とも言える『アセンション』の世界に突入するわけですが、音楽を慈しんでいるという雰囲気は何事にも代えがたいものがあります。
マッコイ・タイナーのピアノもいいですね。

少しのフレーズを聴くだけでひき込まれ、名歌手の歌唱同様、奏でられる音の一つ一つをじっくりと味わいたくなります。ヴィブラートも過剰ではなく、曲の良さを最大限に表現しているこのアルバムこそ、ジャズ界に残した金字塔だと言えるでしょう。

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音を愛で口ずさめるコルトレーン
目の眩む様な数の音符を金属的なギスギスした音で激しく吹きまくり、最低音や最高音に執拗に挑み続けるサックス奏者コルトレーン。反面、無人島みたいに静かな本作を残すなど極端から極端への振幅も激しい演奏家だったように思う。この作品をリリースする以前にもViolets For Your FursやEverytime We Say Goodbyeなどサックスによる｢うた｣を披露していたが、聴き取りやすい少ない音数で｢歌心｣を表現する極意をこれだけまとめて聴けるというのはオリジナル作品としてはあまり例がないように思う。歌ものを楽器で演奏するためには肉声のような滑らかさをもって旋律を聴き手に届けなければならないが、そんなアナログ的な音を比較的出し易いサックスの特徴を存分に使い切った演奏が印象深い。原曲をいい具合に崩しつつも、重音やかすれを帯びる｢楽器を通した歌声｣は魅力的で、口ずさめるくらい聴覚記憶に強く残る曲が多い。また、単調に陥りがちなムードを変えるパーカッシブなピアノとドラムスの複合リズムで盛り立てるAll Or Nothing At Allの効果的な配曲も心憎い限りだ。

彼の中ではもしかしたら、過剰を通り越して限界を極めんとする前の束の間の休息だったのかもしれない。自分には数限りない音と限られた音の表現の間にどれほどの差があるのか今もってわからないのだが。

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Tina Turner 万歳　!!
The big man arrives / Disco dancers greet him
『Edithe And The Kingpin』を歌っているのは誰？？
あぁ　これは誰なのぉと思った。
しわがれた声なのに艶やかさも併せ持って・・。
誰さぁと思い、CDケースの裏を見る。
あああぁ　Tina Turner じゃないかぁ。
こんなところで　お目にかかるとは
びっくらこいたの　SURPRISE!!
この曲１曲で、買って良かったと思ったのだった。
もちろん、Joni Mitchell本人の「The hissing of Summer Lawns」のOriginalも大好きだけどね。

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おめでとう！ハービー！！
「Ｎｅｆｅｒｔｉｔｉ」はマイルス・デイヴィスの名盤の表題曲の再演。

アコースティックジャズの金字塔ににしてショーターのペンによる上記の楽曲を、祝！４０年も兼ての再演。
ここでのショーターはことさらキレている
デイヴ・ホランドのベースも心底しびれるＪＡＺＺな世界！！

数十年ぶりのジャズによるグラミーの快挙を喜びましょうか・・・・

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期待を裏切らない・・・
常に先進の音にこだわり、古きを敬愛し、仏教徒らしい信念で期待を裏切らない数少ない「音楽家」だと思います。
僕的には、人種にとらわれない、時には時流に乗っても、常に先を見つめている音創り。
マイルスも偉大ですが、ボクはそれ以上だと確信しています。

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やったぜ！快挙だ。グラミー最優秀アルバム賞
ジョニ・ミッチェルへの敬意を表したこの『RIVER』。
慎重に選ばれたジョニの曲８曲とウェイン・ショーターのNefertiti、デューク・エリントンのSolitudeで構成されている。
ボーカリストとしては、ジョニ・ミッチェル本人、ノラ・ジョーンズ、コリーヌ・ベイリー・レイ、ティナ・ターナー、レナード・コーエンらが参加している。
Herbieは人生のほとんどを音楽家として歩んだ優秀な演奏家であり、作曲家であり、プロデューサでもあるが、
過去のアルバムと比べても、このアルバムでは、Herbieのピアノの音が一段と澄んでいる。「透明」といってもいいような純度だ。
そして一段と洗練され都会的なサウンドとなっている。素晴らしい。

ジャズアーティストが最優秀アルバム賞を受賞したのは、４３年前の白人テナー奏者スタン・ゲッツと
ブラジル音楽家ジョアン・ジルベルトの「ゲッツ〜ジルベルト」以来という快挙だ。
人種と肌の色への偏見は根強かった。

受賞のスピーチでHerbieはこう語った。
「今までの因習にとらわれず賞を贈ってくださったことに感謝します。
そして、私が模範としてきた巨人たち、マイルス・デイビス、ジョン・コルトレーン、本当に疑いなく賞を獲るに値した人たち・・・。
今日は不可能が可能になることが証明された夜なのです」

世界のJAZZMEN、おめでとう！

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秋の夜長に、、、
最近スタバでジョニ・ミッチェルの新曲がかかっていて、不意に再評価の季節が来た。これは上質なアコースティック・ジャズがベースではあるが、ロック系のギターサウンドや、フィーチャーされているヴォーカリスト達の曲解釈、ポエトリーリ−ディングなどの試みにより、不思議なポップ感が有る。自己流を貫いてきたジョニ独特のコードワークに新たな息吹が吹き込まれ、それぞれの曲に新発見がある。もう一度彼女の歌詞世界をじっくりトレースしてみたくなった。

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「ﾜﾙﾂ・ﾌｫｰ･ﾃﾞﾋﾞｰ」の3倍美味しい
ビル・エヴァンスに駄盤はありませんがベストはこの一枚です。
スリリング且つダイナミックなビル･エヴァンス三位一体ジャズが堪能できます。

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捉えよう次第、地味か？おいしい所どりか？
いわゆるリバーサイド四部作と呼ばれる作品の中では一番目立たない存在だろう。
1959録音の前作「Portrait In Jazz」、同年に録音される「Waltz For Debby」、
「Sunday at The Village Vanguard」に挟まれる形な訳だが、前作の水の流れのような
完璧さとも違い、のちの躍動感溢れるプレイとも、また違うアプローチを聞かせてくれる
作品だ。そういう意味では、ある意味両方を繋ぐ架け橋的な作品で、内容も、ささやかだが
実験的な色合いが濃い気がする。

この作品の面白いのは、起承転結のあり方だろう。全曲中最も、昂然とした仕上がりになってる「Israel」から始まるSide1は、消え入るように終わる「Elsa」で幕を閉じる。
そして、Side2は徐々に闇から浮き出るような怪しさがある「Nardis」から始まり、ラストは
これでもかってぐらいアグレッシブな「Sweet and Lovely」をもってきたりする。
普通に考えれば、何か異質な感覚を受ける流れは、題名通り探求心をもって臨んだ結果なのかもしれない。
サウンドに関していえば、ドラムとベースはやや抑え気味で、ピアノも、どちらかというと
繊細でデリケートな出来になってる。つまり普通に聞けば、地味な印象がぬぐえず、何か
欠けてるんだが、それでも聞くのは、もう言葉じゃなくてフィーリングなんだろう。

悪い意味じゃないんだが、この作品は、ポートレイト、ワルツ、ヴィレッジ・ヴァンガード、
の3枚を聴いてから、手を出したほうが、満喫できるのかもしれない。

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素晴らしい。
「Portrait in Jazz」や「Waltz for Debby」と並んで有名なRiverside盤です。
私はこれほど透き通った音楽を聴いたことがない。
正に究極のリリシズムである。
私はマイルス・デイヴィスの「クールの誕生」でも演奏されているIsraelが特に好きです。
絶対に買って損はしないでしょう。

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リバーサイド四部作で最も奧が深いアルバム
日本で本作のＬＰが最初にリリースされた時のタイトルは「探求」。ビル・エヴァンス（ピアノ）、スコット・ラファロ（ベース）、ポール・モチアン（ドラムス）の三人が、儚くも繊細なピアオトリオの美しさを追求した作品集。オリジナルアルバムに収録されていた８曲は全てバラードとミディアムからなる。同一トリオの前作ポートレイト・イン・ジャズと比べると、モチアンのドラムスが少し後退し、ファラロのベースとエバンスのピアノのソロプレイが前面に押し出されている。
リーダーエヴァンスのピアノは最初の絶頂期を迎え、その繊細で美しい旋律はリスナーの心を捉えて離さない。次々に現れる斬新なピアノのフレーズは、色あせるところがないどころか、現代においても新鮮な印象をリスナーに与える。ラファロの瑞々しいベースは、微に入り細に入りエヴァンスのピアノに絡み相乗効果を醸し出す。モチアンの控えめで的確なドラムスをバックグランドミュージックとして、エヴァンスとラファロの二人がまるで親しげに会話を交わしているかのようなやりとりだ。
ベースが陰のようにピアノに寄り添い、ほっておけば空間に消え去って行ってしまいそうなリリカルなピアノを押し留める。ポートレイト・イン・ジャズのバラードを、より一歩前進させた音世界が展開される。この深遠さと完成度の高さはピアノトリオの最高峰と言えるだろう。
ここでのエヴァンスの紡ぎ出す新鮮で美しいメロディとトリオの水を漏らさぬインタープレイは、後のキース・ジャレット・トリオに大きな影響を及ぼしていると思う。聴けば聴くほどに味わい深くなるアルバムだ。

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孤高のジャケ損盤。
選曲も曲順も考えられてる。
序曲「Israel」は只タダ美しく、目を閉じ聴き入ってしまう『何も考えたくない』って感じ。
Milesの[Birth of the Cool]では気にも留めなかった曲なのに。

2002年【○○○三世】作曲者である某氏のLiveで初生演奏「Beautiful Love」に感激、
翌年も演奏したし氏も好きみたい。続く「Elsa」もイイっ、愛奏曲になるのワカル。

そして必殺「Nardis」。初聴きの時は特に何も感じなかったのに、聴く程好きになる。
Miles先生が『Evansの為に』書いたらしく、確かに自作で演ってナイ。

日本人が最も好きな[〜Debby]の様な甘〜い感じとは違う孤高な世界、コレこそBill Evans。
4部作の中で地味な位置なのは、ジャケ損してるとしか思えナイ。

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踊りたくなるジャズ
これは、シルバーの最高傑作と断言できる。最近モノラル盤（もちろんＬＰ）を購入してあらためて思った。フロントの二人（ブルー・ミッチェル、ジュニア・クック）は彼らのベスト・プレイだし、シルバーのプレイがものすごくスイングしているからだ。また、ルイ・ヘイズの前ノリのドラミングもこのバンドには、良くマッチしている。曲は、やはり１曲目、５曲目が良く、この２曲を聴く為にこの盤はあるといってもよい素晴らしさ。また４曲目の「PEACE」もブルー・ミッチェルは、リバーサイド盤で再演しているが、名曲だ。ちなみに８曲目は、未発表追加曲で日本盤には入っていません。貴重な写真も付いているし、この価格なら、黙って買いでしょう。

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この安さは素晴らしい！
ブルー・ノート４０１７番。オリジナルアルバムは、７曲目までで、８曲目はボーナストラックです。オリジナルアルバムは、チック・コリアの愛聴盤なのです。録音は１９５９年８月２９日（１曲目、６曲目）翌３０日（３～５曲目、８曲目）９月１３日（２曲目、７曲目）の３日間。ブルー・ミッチェル、ジュニア・クックの２管編成による第２作。このグループは、１９６３年まで不動のラインナップで活躍、「Sister Sadie」は名曲です。全編通して、ホレスの魅力溢れる傑作アルバムです。ジャズファンなら、この価格で買わない手はないでしょう。推薦盤です。

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身体に沁みます
ピアノの音が演奏する人によってこんなにも違うということを本当の意味で実感させてくれたのは彼が初めてでした。音の一粒一粒が柔らかで、しかし輪郭をはっきりと持っているということに感動した一枚です。

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安心して聴ける５０－６０年代のジャズ
ホレス・シルヴァーのトリオ編成にブルー・ミッチェル（トランペット）とジュニア・クック（テナー・サックス）に２管を加えたクインテットのアルバム。１９５９年の録音で、踊るようなシルヴァーのピアノにブルー・ミッチェルの軽快なトランペット。５０－６０年代のよき時代のスウィンギーな黒人ジャズ。テーマのフレーズから変奏、間奏やソロを経てテーマの演奏に戻るというジャズの「お約束」のパターンは安心して聴ける。やっぱりこの時代のジャズはいいなあ。と聴くたびに思う。（松本敏之）

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解り易いジャズ表現
解り易いジャズ表現を具現化するのは非常に難しいと思います。テーマ＝アドリブはシンプルにしかし陳腐だとすぐに飽きられてしまうからメロディやコード進行は十分に吟味する必要があるでしょう。ホレス・シルバーはこの解り易いジャズ表現を完成していると思います。どちらかといえば「ファンキー｣の部類に入るけれども、独自のハード・バップ路線で本作や「ソング・フォー・マイ・ファーザー」などのヒット作を次々と発表してブルーノートの看板アーティストとなりました。彼の演奏スタイルは現在ではベニー・グリーンが後継者といえるのではないでしょうか。彼は1999年にブルーノートの先輩達へのオマージュ「ブルーノーツ」というアルバムを発表していますが全10曲のうち実に4曲がシルバーの作品なんです。ともあれ、なんと言ってもジャズの楽しさを具現化したこの作品、文句なく5つ星です。

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ECM New Seriesらしい快作
他のレビュアーが書いておりますように、OctetとEight Linesは似て非なる
作品です。スピード感もこの盤のOctetは最高です。また管楽器の切れ味（
フレージング、ボイシング、タンギング全て）が後の再録と比べても勝って
おります。
Music for a Large Ensembleも大変面白い作品。ずっと３拍子かと思ったら、
途中で変拍子になる仕掛けも秀逸。音も派手でサウンドシャワーが味わえま
す。Violin Phaseは先の２曲と比べると地味ですが、聞く回数を重ねるほど
面白みが増します。

ノンサッチ盤や他の盤でも同じ曲の録音はあるのですが、ECMによる、ライヒ
は録音の良さ、ジャケットアート、プロデュース全てが一級品です。語学能
力のある方はライナーノート内の文章も是非お読みください。ライヒ自身が
書くライナーがこれまた面白いです。

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フレーズの反復と漸進的な変化
ミニマル・ミュージックが何たるものなのかはよく判りません。ただ、DTMの世界でお気に入りのフレーズをコピペ(Copy & Paste)でつなぎ合わせるのに似たものなのかなぁと思っておりました。
S.ライヒという名前を聞き(正確には、某書籍で目にしたのですが)、その人がミニマル・ミュージックの分野ではオーソリティ的に扱われている人らしいという事、併せて本作が掲載されていた事から手を出してみました。
最初に耳にした時には単なるループサウンドにしか思えなかったのですが、よくよく聴いてみるとそのループが少しずつオーバーラップしたりディレイしたり変化したりと、それはもう不思議な世界で迷路に迷い込んだような気分になっていきます。それでも聴き終える頃にはまたその不思議な世界へ迷い込んでみたくなるなるから不思議です。
どの楽曲もその魅力的な求心力を持っていると思うのですが、個人的に最も惹かれたのは[1]。初めて聴いたS.ライヒ作品、その中で最初に出会った曲だったからと言う点もあるとは思いますが、各インスツルメントの絡み具合、フレーズの反復と漸進的な変化、全てにおいて私にはS.ライヒの名前を頭の中に刻みつけるインパクトに満ちた作品でした。

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Reichを知った最初のアルバム
Steve Reichという作曲家の存在を知ったのは、以前、ＮＨＫ-ＦＭで坂本龍一がパーソナリティを勤めていた番組で教授がこのアルバムの「オクテット」を全曲（約８分）かけてくれた時に、８重奏ながら、音の重なりが少しずつずれて行き、変化してゆく様を聴いた時だった。すぐに、大きなレコード店に行き、「現代音楽」のコーナーにＥＣＭのドイツプレス盤を見つけ、即購入し（２，０００円位だったように記憶している）、聴きまくったのが始まりで、それ以前にテリー・ライリーの「インＣ」も聴いてはいたが、このアルバムほど強烈な印象は持てなかった。ライヒの作品は、調べてみると、結構昔から、日本盤もあったようだが、このジャンルは、初回プレスで廃盤になる事がほとんどであるため、目にしなかった事が判った。ちなみに、このＣＤも日本盤は無いようである。その点、海外のレーベルは、すぐに廃盤にしないので、頼れることができ、ありがたいものです。と思ったら、もうユーズド品しか無いようですね。ＣＤですから、ユーズド品でも購入しましょう！

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Music For 18 Musiciansの拡張
1980年2月20・21日コロンビア・レコーディング・スタジオ/1980年3月9・10日トンスタジオ・バウアーで録音。
表題作は、Music For 18 Musiciansの音楽とミュージック・フォー・マレット・インストルメンツ、ヴォイセズとオルガンを発展させたものとライヒは語っている。より広がったアンサンブルを引っ張っているのはマレットで、どこまでもどこまでも広がっていくそのパルスはより繊細で美しい有機体を形成している。『ヴァイオリン・フェイズ』はライヒの曲としてはかなり初期のもので1967年に作曲されている。『オクテット』はピアノにストリング・クァルテット、そして2本の木管楽器が加わっている小編成でのライヒである。大と小のライヒのパルスを本作では味わえる。
ECM1168としてマンフレート・アイヒャーによって世に出たこのアルバムは現在ではECM Newシリーズにカテゴライズされている。

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だまし絵の如く・・・
同じようなフレーズが延々と繰り返されるようでいて、幾重にも重ねられた音の中から、ある音型パターンが引っ込んだかと思うと、代わりに別のパターンが前面に浮上してきて、いつの間にやら最初とはまるで異なる音風景が展開されていることに気付く・・・そんなだまし絵のようなスティーヴ・ライヒの音楽の魅力は、このCDでも遺憾無く発揮されている。

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ピアノ・トリオの最高峰
約30年前に聴きまくっていたLPを、30年ぶりに改めてCDで聴いてみた。

いきなりの驚愕。こんなに凄いグルーヴだったのか！しかも、3人の生楽器の生演奏でここまでやっていたとは！「グルーヴ」という言葉をそう簡単に使ってはいかんと反省。

後にReturn To Foreverで聴かれることになるフレーズやコード進行が随所に現れる。同時に、2年後のチックのソロに聴かれるリリシズムも、この作品で十分に披露されているではないか！

この数年後、チックはReturn to Foreverを、ヴィトウスはWeather Reportを結成する。そういう意味でも、ジャズの新たな夜明けを暗示する奇跡的な傑作だった。

ピアノとベースとドラムが対等にinteractするピアノ・トリオの最高傑作（の1つ）。全音楽人必聴。

BGM：映画『サンチャゴに雨が降る』はどこへ行った？

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幻惑される
個人的にはザビヌル、ジャレット、コリアの順に好きなのだが、本作と『MY SPANISH HEART』を聴いているときは「ああ、やっぱりチックが一番いいなあ」と幻惑されてしまう。いずれのアーティストも天才なわけであるから優劣がつけられないし、そもそもまったく別の音楽をやっているので死ぬまでには彼らの音楽をすべて聴きたいとすら思うのだが、逆に死んでからでも聴いていたいと思わせるチックの作品を唯一挙げろといわれたら、迷わず本作だ。ちなみにヴィトウスが好きだから極論というわけでもないが、初期ウェザー・リポートを除けばヴィトウスの本領はこういったチックの作品でも堪能できる。

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フュージョンの傑作
名盤「リターン・トゥー・フォエーバー」の前駆的作品。すぐにチック・コリアと分かる独特で新鮮なタッチのピアノは、当時のジャズ界にショックを与えた。スタンダードの名曲「マイ・ワン・アンド・オンリー・ラブ」も主旋律を隠すように演奏、チック独自の世界を聴かせる。一番の聴き物は５曲目のチックのオリジナル曲「ナウ・ヒー・シングス・ナウ・ヒー・ソブス」この盤より「リターン・トゥー・・・」が有名になり、全世界で百万枚 以上を売り上げたが、今聴くとこのアルバムのほうが新しさを感じる。それは旧来のジャズとフュージョンが融合している趣があるからだ。フュージョンと呼ばれるジャンルのジャズは、今聴くと古びて陳腐なものもあるが、この一枚は別格。時々聴きたくなる一枚。この値段なら買って絶対に損はない。（松本敏之）

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一期一会
とても人気のあるピアニスト、チック・コリア(pf)が生んだ最高傑作が本作品「Now He Sings, Now He Sobs」であると思う。

1968年の録音なので、その後の彼を評価していないように見えてしまうカモ知れないが、日本人が制作したアブストラクトな「Circle」での熱演や、ECMに残した「Piano Improvisations Vol.1 and Vol.2」の美しさもこよなく愛している。

でも、やはり「Now He Sings, Now He Sobs」には敵わないと思う。

その中でも「Steps-What Was」で、5:00頃からのロイ・ヘインズ(ds)ドラムソロに続き、待ちかねたように、チック･コリアとミロスラフ・ヴィトウス(b)が7:33頃から登場する。この辺りには何時聴いてもゾクゾクとしてしまいます。ベーシストの熱演が光る。

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完璧なテクニックとイマジネーションの合体
チック･コリアがビル･エバンス以後のピアニストの中で最高のテクニシャンであることに異論を挟む余地はないであろう。チックに並ぶのはキース･ジャレットくらいで、ハービー･ハンコックもマッコイ･タイナーも少しばかり及ばない。そんなチック･コリアのキャリアの中でもこのアルバムは彼のピアニストとしての凄みを見せつけ、その評価を決定付けた傑作である。後にリターン・トウ・フォーエバーでどれほどのヒットがあろうと、ピアニストチック･コリアにとってナウ・ヒー・シングス・ナウ・ヒー・ソブスこそ代表作なのだといえる。というのも、初めて聴いたときの印象が強烈過ぎて、これほどのスピードでよどみないタッチのピアノが弾けること自体が信じられなかったからだ。しかも、リズムセクションの新人のヴィトウスのベースがこれまた信じがたいテクニックであり、ロイ･ヘインズもベテランの境地どころかヴィトウスやチックに一歩も引けを取らない若々しく、アグレッシブなプレイを展開している。３人の一糸乱れぬコンビネーションとチック･コリアのインプロビゼーションの創造性によって、完璧なテクニックとイマジネーションの合体が見事に実現した名盤である。

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これを歴史的名盤と言わずして何をか言わんや
『リターン・トゥ・フォーエヴァー』のアルバムは発売当時、ジャズ・ファンの間で賛否両論を巻き起こした後、大ヒットした作品です。従来の難解なジャズとは無縁のとても親しみやすいメロディを持っており、チック・コリアの作品の中でも一番好きなアルバムです。この作品が、フュージョン時代の幕開け、もしくはフリー・ジャズからフュージョンへのターニング・ポイントになったと感じました。

地中海に面したスペインの明るさが彼の音楽の至る所から聴き取れます。チック・コリアも最初、ラテンバンドからプロデビューし、その出自もあって、ここではラテン・テイストに彩られた生き生きとした演奏を繰り広げています。

チック・コリアのリーダー・アルバムであると同時に「リターン・トゥ・フォーエヴァー」というグループによる初の組み合わせによって生まれた斬新なアルバムですので、新グループ誕生によって生まれたジャズ界における化学反応だと思います。

チック・コリアの才能は勿論ですが、メンバーの個性あふれる音楽性がぶつかり触発されて更なるインプロヴィゼーションが生まれる過程において、このような後世にまで聴き継がれる名盤が生まれたのだと思っています。ジョー・ファレルの爽やかな音色のフルートや軽快なアルト・サックス、スタンリー・クラークのベース、アイアート・モレイラのドラムス、そしてフローラ・プリムのスキャットのからみは実に見事です。

ラストの名曲「Sometime Ago/La Fiesta」は、ラテンとボサ・ノヴァとジャズのテイストが交じり合い、重なり合い、互いに影響しあい、どんどん触発された音楽が展開されることで従来の音楽ジャンルでは捉えきれない魅力を内在したものとなったのです。
勿論、フュージョンというジャンルに分類してもいいのですが、少し前の時代を席巻したフリー・ジャズの難解さとは無縁の音楽という点に目を奪われると軽い印象を持ってしまいがちです。
物凄く奥が深いジャズで名盤の誉れが高いのは当然です。文句なし。

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自由で軽い
ジャケット通り、青い空を鳥が飛び回るが如くの軽快さをエレクトリックピアノの優しさが包みこみ聞いていてとても気持ちがいいです。
その一方でリズム隊は熱く聞き応えも充分あるのですが、あくまで雰囲気を壊さないのが凄い。そして僕が一番びっくりしたのはこれが1972年にレコーディングされたということ。もう35年も前のことなのに、全く古さを感じません。
ジャズやフュージョンに興味が無い人でも受け入れられるかなりの名盤だと思います。

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永遠への回帰の始まり
1972年発売当時、ジャズ関係のレコードとしては異例のヒット作である。
そのため「コマーシャルだ」「ジャズじゃない」等の中傷も受けた名盤である。

エレキピアノ、フルート、ソプラニーノ、エレキベース、パーカッションという編成であり、ブラジル音楽風のヴォーカル曲、スパニッシュ風味のインスト曲、そして名バラード「クリスタル・サイレンス」。

チック・コリアのラテン的な特性とポップな感性のため、非常に聴きやすい音楽が紡ぎ出されている。ジャズ独特の緊張感は抑え気味に、ジャケット写真のような暖かく心地よいサウンドで満たされる。
しかし4曲目などではスタンリー・クラークのスリリングなプレイも聴かれるし、随所で聴けるアイアートのパーカッションの気持ちいいこと。

ビートルズなどのロック、ブラジル音楽、現代音楽などを消化したチック・コリアのジャズ的解答のひとつである。
スペーシーでインプロヴィゼーションに溢れた音響を作り上げたウェザー・リポートとは、また違う結論である。

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ジャズの聴き方を変えた一枚
　何をいまさら、と言われるかもしれないけれど、とにかく私にとって重要な一枚です。
　５０年代のマイルスやモンクからモダン・ジャズを聴き始めたため、ジャズというものは深刻に聴くもんだと思い込んでいました。
　ある日、教科書的存在だったＮＨＫ−ＦＭ「ジャズ・フラッシュ」本多俊夫さんの担当で、「Ｌａ　Ｆｉｅｓｔａ」がかかった時、本当に頭をなぐられたというか、なでられたというか、「こんなに聴き易い音楽もジャズなんだ」と、正に青天の霹靂でした。
　早速、Ｃｈｉｃｋ　ＣｏｒｅａのＬａ　Ｆｉｅｓｔａで曲名を頼りにレコードを探し始めたのですが…見つからないんですね。「Ｓｏｍｅｔｉｍｅ　Ａｇｏ」とのメドレーなのが分かって「カモメ」を手に入れるまで、随分かかりました。それが７０年代の終わり頃の話です。少し前ならば、リクエストしても断られるほどジャズ喫茶で毎日かかっていたそうですから、もっと早く見つかったんでしょうが。バンドの先輩方からは、お前何を今頃騒いでるんだ、とバカにされましたよ。
　で、その後譜面も手に入れたんですが、演ってみるとこれがむずかしい。オリジナルのキーはＥｍでこれは素人のサックスには手におえないキーなんですね。キーを変えると全然違った曲になってしまいます。仕方ないのでピアノソロに挑戦してもう２０年以上立ってます。
　えいや！の衝動買いをしたＦｅｎｄｅｒ　Ｒｈｏｄｅｓもこのアルバムの曲を弾くために買ったようなもの。（当時は可処分所得が多かった。）今は全く鍵盤にさわらない状態ですが、いつかきっと、と思ってます。
　私のオーディオ装置を買い換える都度、このＬＰ、そして今ではＣＤがチェックのため、引っ張り出されました。最初に真空管アンプを買った時、初めてＪＢＬのスピーカーを買った時、カートリッジをＳｈｕｒｅに変えた時、今のＣｅｌｅｓｔｉｏｎのスピーカー（中古）を「最後の大物」として買った時、ＤＥＮＯＮとＴＥＡＣのＣＤプレーヤーを２時間かかって聞き比べた時、それからそもそも輸入盤の方が音が良いということを発見した時（以来、ＥＣＭはすべて輸入盤です。）…。
　うつ病で入院していた時、ある日ふとこのＣＤの「Ｗｈａｔ　Ｇａｍｅ　Ｓｈａｌｌ　Ｉ　Ｐｌａｙ　Ｔｏｄａｙ」を口ずさんでいました。退院の前触れでした。

カスタマーレビューピックアップ
ただただ・・音を楽しもう
何にも言う事はなく
ただただ・・音の世界に身を委ねるだけです
ＲＴＦの最高傑作と言われますが、
フュージョンの最高傑作じゃないかな〜
星が五つじゃ足りない気がする・・・そんな名盤ですよ

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青春のトランペッター、リー･モーガンのメモリアルワンホーン・アルバム
僕がジャズを聴き始めてすぐ、ジャズ・メッセンジャーズのレコードでリー・モーガンというやたらカッコイイ演奏をするトランペッターを知った。華麗でスリリングなソロはブルーで内向的なマイルスの対極のトランペットで、実によく楽器が鳴るテクニシャンというのが第一印象であった。しかし彼はまもなく（1972年）演奏中に銃で撃たれ、死んでしまったので、僕のなかでは現役のモーガンをほんのわずかしか知らないまま、文字通り青春時代の缶詰のような存在になってしまった。もちろん僕の青春時代という意味だけでなくモーガンの奏でる溌剌としたプレイが青春の輝きと危うさを感じさせたためである。モーガン唯一のワンホーンアルバムであるキャンディは、バイタルで瑞々しい感性を表現しつつも、20歳そこそこの若者の演奏とは思えない円熟した歌心あふれるフレーズが満載し、彼の天才ぶりを存分に見せ付けている。シンス・アイ・フェル・フォー・ユー、オール・ザ・ウェイで聞かせるスタンダードの解釈の見事さやパーソナリティでのリラックスしたバランスの取れたアドリブなど聴き所がいっぱいだ。ところでバックを務めるのがソニー・クラーク・トリオというのがもう一つの聴き所だが、クラークもまた若くして他界したハード・バップの哀愁をたたえた名ピアニストであることは言うまでもない。そういえばベースのダグ･ワトキンスのロリンズのサキ・コロで名をはせたが彼も夭逝した名手であった。
　この時期のモーガンはドナルド･バードやまもなく登場したフレディ･ハバードといったポスト・クリフォード･ブラウンのトランペッターの中でも最もきらめいていたことは確かであろう。

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トランペットのワン・ホーン・カルテットの傑作
RVG Editionでのリイシュー。ピアノ・トリオをバックにワン・ホーン・カルテットというとアルトやテナーのサキソフォーンではよくありますが、トランペットというとあまりなく、むしろ希といってもいいくらいです。しかし、傑作は少なからずあります。ケニー・ドーハムの「Quiet Kenny」(Prestige)やブッカー・リトルのタイム盤など。このモーガンのCandyも傑作にあたります。タイトル曲での美しいトランペットのサウンド、All The Wayでのバラード解釈の素晴らしさなど、どのナンバーもモーガンの美しいトランペットを堪能できます。バックのクラークも彼の最も調子のいい時期でベスト・プレイで応えます。特にAll The Wayでのソロが素晴らしい。LP未収録だったボーナストラックのAll At Once You Love Herは収録曲中で最も速いテンポで演奏され、モーガンの華麗なテクニックを堪能できます。

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すごい！
このアルバムは、朝からかけるのもいいですし、夜寝る前に
ワインを飲みながら・・・みたいなのにも合います。
本当にいいですよ。是非視聴して、買ってみてください。損はないと思いますよ。

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すべての素がここに！
Finest Hourのジョビンバージョンです。もはやボサノヴァの中のクラシックとも言える内容ですが、やはり★★★★★！何回聴いても味のあるメロディーにはまったく頭が下がります。もしこの人がボサノヴァを作っていなかったら？と思うと恐ろしい。ほとんど知っている曲なのですが、私は１２曲目を聴いただけで「買ってよかった。」と思ってしまいました。

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有名で定番とも言えるボサ・ノヴァのアルバムですね
『Getz/Gilberto』は、ボサ・ノヴァを代表するアルバムだと言われています。実際よく売れましたし、アストラッド・ジルベルトが「Girl from Ipanema（イパネマの娘　原題Garota de Ipanema）」を歌ったことによって、彼女が世に知られた初出アルバムとして現在でもよく聴かれています。

ヨーロッパで不人気だったスタン・ゲッツが、アントニオ・カルロス・ジョビンのサウンドとジョアン・ジルベルトの歌と出会ったことは幸運をもたらしました。このセッションは異文化コミュニケーションの一つの姿だと思います。時折、ゲッツのジャズ・テイストが雄弁になりますが、ブローすることなく雰囲気を合わせています。

ジョアン・ジルベルトの力の抜けたヴォーカルがいいですね。軽快な「Desafinado」では、ポルトガル語が本来もっているリズムをよく音楽に乗せています。この軽みの極致がボサ・ノヴァの真髄と言えましょう。

「Corcovado 」の１節目を英語で歌うアストラッドと、２節目を歌うジョアンの雰囲気は抜群でとても良い感じです。その後、この夫婦におとずれる離婚をこの時は誰も予感すらしなかったと思います。

「So Danso Samba」も典型的なボサ・ノヴァ・サウンドです。カルロス・ジョビンの曲をゲッツは好きに吹きまくっています。ジョアン・ジルベルトが歌いたい音楽とは少し違うでしょうが、ジャズとボサ・ノヴァの融合という意味では成功した演奏だと思います。

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ボリュームを大きくして聞いてみると・・・
スタン・ゲッツ、ジョアン・ジルベルト。アントニオ・カルロス・ジョピン、ジョアンの妻アストラッド。音楽に余裕があって、隙だらけのようだけれど、実はポイントポイントにそれぞれが主張する「音」が結構大きい音で入っています。ボリュームを小さくして聞くと邪魔にならないけれど、大きくして聞いてみたり、実際にバンドでコピーしてみたりすると、所謂「癒し系」の音楽ではなく、結構ハードなセッション作品です。ゲッツのソロがテンションコードを使っていないでわりとおとなしめの音選びなので、耳触りがいいのですが、息遣いを感じてじっくり聞くと、改めて聴き応えあり！です。

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不朽の名作
スタン･ゲッツとジョアン･ジルベルトがアントニオ･カルロス･ジョビン
をフューチャーして、１９６３年にニューヨークで録音された作品。
３年に渡る欧州でのブランクによって散々酷評を受けたスタン･ゲッツ、
ボサノヴァリズムを作り上げたバイーア出身のジョアン･ジルベルト、
多くの作曲もリズムに恵まれなかったアントニオ･カルロス･ジョビン。
野合との指摘もあるが、３人の奇才によってこの傑作が生まれた。
そして、この背景には当時ヴァーヴだったクリード･テイラーが
プロデュースを担当していることも付け加えたい。結果、
多くの賛同を得てスタン･ゲッツは本作でグラミー賞を受賞し、
白人テナーとしてのゆるぎない地位を得た。
また、本作は純粋な音楽とは違った側面からも多くの注目を集めた。
ジョアン･ジルベルトとスタン･ゲッツの音楽性の違いからくる確執や、
本来、ギターとヴォイス程度の素朴な編成からくる音楽にサックスが
執拗に入り込んでくるこの作品は果たしてボサノヴァといえるのか？
等、様々な論議をかもし出した。しかし、その音楽性は極めて豊かで、
いわゆる純粋なボサノヴァの作品の追随をも許さないものがある。
それが顕著に出てくる場面は３者それぞれ特徴的で、
スタン･ゲッツのバッキングプレイと、ジョアン･ジルベルトの声とギター、
そして、アントニオ･カルロス･ジョビンのピアノである。
いずれも”ささやく”ような演奏に徹していて、決して前に出てこない。
しかし、ハマッタポイントに音を入れてくるので非常に目立つ。
静かな音にも明確な主張が見て取れるのだ。
ボサノヴァに限らず、ブラジル音楽を聴く上でこの作品を欠かす事は
出来ない。いや、この作品の与えた影響はジャズを始めとした多くの
国の音楽に色濃く現れており、音楽を聴く方全てが耳にすべき音では
ないかと思う。それだけ画期的なのだ。今聴いても実に新鮮である。

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夏の夕暮れにピッタリ
もう４０年以上前の１９６３年の録音で、ボサノバとジャズを融合させ全世界で大ヒット。仕掛け人はのちにＣＴＩレコードを創設するプロデューサーのクリード・テイラー。面子はスタン・ゲッツ、ホアン・ジルベルト、カルロス・ジョビンと豪華。あまりに有名になった一曲目「イパネマの娘」でジルベルトの美声と、妻のアストラッドのちょっとヘタで、ちょっと危なげなヴォーカルが話題を呼んだ。この「超名盤」何度聴いても古びず、飽きない。夏の夕暮れにピッタリ。殺伐とした日常を忘れてイパネマ海岸にひとっ飛び。（松本敏之）

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あえて苦言を
１９６３年録音のスタンゲッツとジョアンジルベルトによる名作の誉れ高い作品。アントニオカルロスジョピンやジョアンの妻アストラッドも参加。グラミー賞という勲章により実質的にアメリカにボサノヴァをもたらした功績もある作品でもあります。しかし敢えて言うなら、ゲッツのソロが、ンパァ～っと大きく入ってくるパターンに少し違和感を感じることが。ボサノヴァの静謐さを破って、いきなりムードミュージックっぽくなる気がして。決して嫌いというわけじゃないし、作品の偉大さを損ねてるわけでもないんです。例えば大根にフォアグラが載った料理があるじゃないですか、その場合大根とフォアグラは別々に食べたいというか。この作品に関していうとこの味付けで引き寄せられる聴き手も多いでしょうしね～、難しいところです。